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Muere Adam west. Recordando serie TV años 60: Batman

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El pasado 10 de Junio de 2017 nos dejó el actor Adam West a la edad de 88 añosa causa de una leucemia. Para todo el mundo el Batman más fondón y molón, desde el cariño, de todos los tiempos. Es el papel por el que todo el mundo le recuerda y por el que será inmortal en la memoria de muchos. Como homenaje a su trabajo recuperó este artículo publicado por un servidor hace años en Fans Club Magazine y dedicado, como no, a él y a la serie que lo encumbró.


BATMAN LA SERIE DE TV DE 1966: 
UN MUNDO MULTICOLOR

 
A mediados de los sesenta la productora norteamericana ABC compró los derechos de Batman para realizar una serie con personajes reales para la televisión que se estrenó en enero de 1966 y se mantuvo en antena hasta 1968, con tres temporadas y una película derivada. Posiblemente el producto más camp o pop art de la televisión. La serie más desenfadada, absurda, multicolor y diferente de la pequeña pantalla.

¿Quién no recuerda la antológica escena Batman con una bomba tipo dibujos animados correteando por el puerto sin saber donde lanzarla para no dañar ni a un triste patito? O contrarrestando el “furioso” ataque en la pierna de un tiburón desde la escalerilla de un helicóptero con un milagroso Bat repelente de tiburones. Son escenas de la película que amplificaba lo mejor de la serie de la que hablamos a continuación.


William Dozier, el productor, quería una serie que pareciera jocosa sin pretenderlo y que no pudiera ser tomada en serio. Con la ayuda de guionistas como Lorenzo Semple Stanley,Ralph Ross, y Charles Hoffman vaya si lo consiguieron. Lorenzo Semple fue un gran guionista de comedia y de otras películas posteriores como Papillon, King Kong, Flash Gordon, Sheena o Nunca digas nunca jamás. Ralph Ross por su parte guionizó muchos de los capítulos en que aparecía Catwoman, explotando divertidamente la tensión sexual entre ella y Batman. Por cierto Dozier ponía la voz en off que narraba partes de los episodios. El pegadizo tema musical que abre la serie es mundialmente conocido y fue creado por Neal Hefti.

Adam West interpretaba a un Bruce Wayne / Batman decente, bueno y recto hasta la risa, e inocente y cumplidor con su deber justiciero. Serio y abnegado, Batman está al servicio de Gotham City, aunque su figura, no muy atlética, no invitaba de entrada a la acción. Tal vez por eso estaba asistido por el joven Robin interpretado por Burt Ward a la edad de unos 20 años. Actor que a la productora le costó encontrar porque tenía que ser mayor de edad pero aparentar en la serie unos 15 años. Este fue el primer trabajo profesional como actor de este vendedor de fincas de fin de semana y cinturón negro de taekwondo para más señas.



Los dos héroes estaban arropados por una galería de extravagantes villanos bien caracterizados con disfraces de ropa (nada de látex) a semejanza de los cómics. Estaban muy bien interpretados por actores conocidos, que se soltaron el pelo en sus actuaciones prestándose a la exageración y el sinsentido: César Romero(Joker); Burgess Meredith (Pingüino), que mucho más tarde se hizo conocido por su papel de entrenador en la película Rocky de Sylverter Stallone; Julie Newmar, Lee Meriwether y Eartha Kitt fueron las tres diferentes Catwoman; Frank Gorshin y John Astin fueron los dos Acertijo y Vincent Price (Cabeza de Huevo)...



En cada capitulo el villano de turno trazaba un plan rocambolesco y elComisario Gordon y el jefe O´Hara, interpretados por Neil Hamilton y Stafford Repp, trabajaban lo justo para llamar a los dos cruzados enmascarados para salvar a la ciudad. Los héroes vivían plácida y ociosamente (estudiando, investigando...) en una gran mansión como Bruce Wayne y su pupilo Dick Grayson, en compañía de su mayordomo Alfred (Alan Napier) y la tía Harriet (Madge Blake). Al sonar el bat-teléfono Bruce y Dick se lanzaban a la Batcueva deslizándose por una barra en la que al final del recorrido ya aparecían vestidos con los trajes de superhéroes. La Batcueva llena de computadoras de “última generación” parecía un decorado infantil, con todos los artilugios etiquetados con su batnombre.

Cada historia se dividía en dos capítulos de media hora. Al final del primero, los héroes quedaban invariablemente atrapados en una trampa muy peligrosa e inverosímil, de la que escapaban al principio del siguiente episodio de manera muy esperpéntica, muchas veces con la ayuda de algún gadget secreto del batcinturón de Batman. Los misterios se resolvían siguiendo pistas extravagantes, adivinanzas, y deducciones de risa con unos diálogos que no podías tomártelos en serio.


La serie también destacaba por su color vistoso y estridente y por sus decorados originales y llamativos, aunque algunos parecieran de cartón piedra. La estética era innovadora con esas filmaciones de cámara con planos torcidos. Las peleas estaban bien coreografiadas y sobre ellas se sobreimprimían exclamaciones onomatopéyicas comiqueras a cada porrazo que se daba, algo que nunca antes se había visto. Los malos nunca usaban pistolas. Los diálogos y las situaciones eran ridículas y delirantes, con acciones desenfadadas y exageradas que provocaban la risa entre los jóvenes y los mayores, aunque a los más pequeños simplemente les encantaba. Y ahí radico parte del súper éxito instantáneo de la serie, con una creatividad diferente que por un motivo u otro gustaba a todos los grupos de edad. Fue tal el éxito de la serie que era un prestigio para muchos presentadores y artistas aparecer en ella, así que en las típicas escenas en las que los dos héroes se paseaban trepando con una cuerda por la pared de un edificio, se abría una ventana de la que salía el artista invitado en cuestión, que mantenía una divertida conversación con los superhéroes. Llegó hasta a aparecer el mismísimo Bruce Lee en un crossover con la serie The Green Hornet (El avispon Verde), en el que interpretaba a Kato. Toda esta ascendente Batmania no quita para que los seguidores del cómic estuvieran descontentos, pues en los tebeos de la época ya se había empezado a dejar atrás la etapa en la que las historias de Batman eran más irracionales y risibles y el éxito brutal de la serie de televisión propicio su retorno.


En la tercera temporada se incluyó a Batgirl para dinamizar y alegrar la serie, ya que las audiencias habían bajado. El personaje fue interpretado por la guapa Ivonne Craig. Ella era la heroína que ponía más sentido común en el trío. Además los episodios ya no se dividían en dos partes y toda la acción se condensaba en media hora.


Sin embargo su presencia, junto a la de la fugaz Eartha Mae Kitt como la primera Catwoman negra, no consiguió remontar la serie y su andadura finalizó en la tercera temporada con un total 120 capítulos emitidos. Algunos afirman que en el cierre influyó el hecho de que los episodios resultaban demasiado costosos debido a los efectos especiales que implicaban el trabajo de muchos técnicos. Cada episodio se rodaba frenéticamente en tan solo cuatro días con el objetivo de ahorrar en costes. Los guionistas tampoco se sentían cómodos con los episodios de tan solo media hora sin continuación que se rodaban en la tercera temporada. Así, se fue descuidando la serie, repitiendo sus esquemas y bajando el presupuesto. Sea por lo que fuera el público se cansó de las andanzas del hombre murciélago y como curiosidad cabe decir que cuando la ABC canceló la serie, otra cadena, la NBC, se mostró interesada en continuarla, pero desgraciadamente tan solo dos semanas después los decorados, como los de la Batcueva, habían sido destruidos y su elevado coste les hecho para atrás.



Al finalizar la serie a los dos actores principales les costó mucho encontrar otros papeles ya que estaban encasillados. Sin embargo ganaron dinero con apariciones especiales por todo el mundo en televisiones y shows.

EL NACIMIENTO DEL BATMOVIL Y EL BAT MERCHANDISING

Uno de los platos fuertes de la serie fue el Batmóvil, que a diferencia de las otras dos series anteriores de Batman, en esta sí lució. Sorprende que su diseño futurista y elegante estuviera basado en un coche ya existente diez años antes. El modelo original era un prototipo de la Ford construido a mano a mediados de los cincuenta por la compañía Ghia en Italia y llamado Lincoln Futura. El prototipo de color blanco azulado llamaba la atención por su complejo diseño, con un parabrisas con forma oval y su ausencia de techo. Este atrevido y extravagante diseño y su elevado coste hizo que no tuviese éxito entre el publico y sólo se utilizase en exposiciones o para fines publicitarios, llegando a aparecer pintado en rojo en la película “Empezó con un beso” (1959) dirigida por George Marshall e interpretada en el papel principal por Glenn Ford.


Después de este rodaje el automóvil acabó olvidado durante años en el taller del diseñador y constructor de coches personalizados George Barris, ya que nadie en Hollywood se hizo responsable de su almacenamiento. Barris lo ofreció sin éxito para el rodaje de películas de ciencia ficción y con el tiempo se lo quedó "en concepto" de pago por el almacenamiento. Pero la vida de este coche aún no había finalizado ya que un fulgurante éxito le esperaba.
Semanas antes de empezar el rodaje los productores de la serie Batman le encargaron a Barris un Batmovil. Se pensó en usar como base un Cadillac, pero el trabajo de transformación era costoso y tampoco disponían de tiempo. Fue entonces cuando Barris se acordó de su Lincoln Futura. De esta forma Barris y varios expertos más como Bill Cushenbery convirtieron el antiguo modelo en un diseño todavía mas fantástico. Hay que decir que Cushenbery era el competidor de Barris en este negocio, pero como el tiempo jugaba en su contra, tuvo que pedirle ayuda. Los laterales del Lincoln se elevaron; se cambiaron piezas del morro pareciéndose ahora más a un murciélago; en la parte de atrás se instaló lo que simulaba una turbina que escupía literalmente fuego; se incluyeron dos paracaídas para las frenadas bruscas y otros gadgets que se fueron sumando con el paso del tiempo durante los rodajes. Fue difícil de conseguir, por ejemplo, el detalle de que el logotipo de Batman del centro de las ruedas no girase con estas.

Con todo esto el flamante Batmovil pesaba más de tres toneladas pero estaba listo para ser utilizado en el primer capitulo, al menos exteriormente porque interiormente era una chatarra. El motor se recalentaba, consumía mucha energía y se quedaba sin batería. El primer parabrisas realizado en lexon daba problemas de visibilidad. Un neumático estalló el primer día de rodaje porque no soportaba el peso y tuvieron que ponerle neumáticos de coche de carreras. En la serie para dar mas sensación de velocidad se rodaban algunas escenas del Batmovil en cámara lenta, con ese peso no es que corriese mucho, y luego las pasaban a cámara rápida. También aparecieron dos motos o batcycles con o sin sidecar. La primera era una Harley Davidson casi tal cual y la segunda, más modificada, una Yamaha. Apareció, incluso, un ¡Bat helicóptero!. Sin olvidar claro está, la Bat tabla de surf, aunque ninguno de ellos alcanzó la magia del Batmovil.


Más tarde Barris y su equipo cambiaron el motor del Batmovil e hicieron una puesta a punto del vehículo. Las replicas del Batmobil para uso publicitario de la serie, fueron realizadas en fibra de vidrio a partir de moldes de la carrocería original metálica y utilizando otros coches como base, ya que el original era un coche único. El diseño del Batmovil fue patentado por Barris para tener el control legal sobre las replicas. El éxito del vehículo se constataba en los revuelos que causaba en las exposiciones y shows en los que participaba y en las cerca de cinco millones de ventas unitarias que hizo la casa de juguetes Corgi de su modelo a escala entre 1966 y 1979. Y es que con el fulgurante triunfo de la serie el mercado se inundó de Bat merchandising. Se crearon más de 500 productos fabricados por 54 empresas diferentes en el año de su estreno. Curiosamente no había juguetes de Batgirl. Según Ivonne Craig esto se debió a que su agente, al cerrar su contrato, incluyó los posibles beneficios del merchandising al menos durante los 10 años posteriores a la emisión de la serie. Adam West y Burt Ward no contaron con esta cláusula en sus contratos y, claro está, interpusieron demandas. Al cabo de los 10 años establecidos en el contrato de Craig, sí que comenzaron a aparecer juguetes Batgirl.

BATMAN UNA SERIE DE ACCION PELIGROSA EN TODOS LOS SENTIDOS

Una de las escenas clásicas de la serie era la de Batman y Robinsubiendo por la pared de un edificio tranquilamente y charlando sin esfuerzo. Para ello una pared falsa  exterior era inclinada unos siete grados y la cámara se colocada en una posición que compensaba el ángulo por lo que hacía parecer que los dos superhéroes ascendían por la pared vertical. Cuatro hombres movían las capas con hilos cosidos en sus bordes para crear el efecto de la inclinación y del viento. Tal como menciono Adam Westlo hicimos de la manera que los adultos se divertían si miraban con atención y veían los trucos que usábamos, pero en cambio los niños pensaban: ¡uauuuh, superhéroes por las paredes del edificio!

Batman fue una de las primeras series en explotar el color que recientemente había llegado a los televisores. Se utilizaban muchos humos de colores para los efectos especiales por lo que era algo normal que Adam West cayese asfixiado durante el rodaje. Su capa llegó a incendiarse en una ocasión. Una ambulancia estaba siempre aparcada cerca del plató y ¡hacían uso de ella! Una de las anécdotas favoritas de West ocurrió en una escena en la que cuelga el teléfono y se lanza a la entrada oculta de la biblioteca para ir Batcueva, al grito de ¡a la Batcueva Robin!, pero la pared no sé deslizó con lo que se estrelló de lleno contra esta, provocando las risas de todos los presentes. Burt Ward se llevó la peor parte de los accidentes por quemaduras, caídas del Batmovil y diversos puñetazos reales. Solo decir que de los primeros cinco días de rodaje, cuatro se los pasó en un hospital. En una ocasión en que Batman tenía que estallar una pared para salvar a Robin, los técnicos al ver que con una primera carga no resultaba, aumentaron la cantidad de explosivo y casi destruyeron todo el set estando Ward estaba atado muy cerca. En otra explosión si no hubiese cerrado los ojos podría haberse quedado ciego. El actor ha afirmado, no sabemos si jocosamente o no, que la razón de todos estos accidentes que sufrió es que en sus inicios en la serie su doble, Victor Paul, cobraba más que él.


La máscara de Batman no permitía a Adam West ver bien a por los lados, ni hacia abajo, ni girar bien la cabeza. Solo podía ver de frente. Además le daba mucho calor.

Si en el título de esta parte del artículo se incluye “acción peligrosa en todos los sentidos” es porque con el éxito de la serie los dos protagonistas ligaron lo que no está escrito hasta no poder más. Burt Ward afirmaba lo siguiente en una entrevista en la pagina web Batmania: Adam West Squadron y su revista número 9: Cuando entré a trabajar en la serie de Batman tenía solo 20 años y apenas había salido con un par de chicas, allí conocí a Adam West quien de inmediato me introdujo en las mas salvajes aventuras sexuales que puedan imaginar. En un par de meses éramos como dos hambrientos tiburones en un mar de peces ilimitados. Tal vez yo era un poco más austero que Adam, de quien para ser mas descriptivo puedo decir que él era como una ballena en un mundo de plancton. Juntos pasamos momentos muy salvajes, recuerden que estábamos en medio de los locos 60’s y era un mundo muy diferente, Adam era como un mentor, y no es que yo necesitara uno para tener con quien salir, pero yo no llegué a comprender la cantidad de conquistas que se podían hacer hasta que lo conocí a él. Adam me enseñó las mas refinadas extravagancias del mundo de las citas, claro que con los años fuimos ganando madurez, somos personas muy diferentes ahora y llevamos una vida absolutamente normal. Por ejemplo llegábamos al set a las 7:30 de la mañana y nos dirigíamos directamente al maquillaje, las señoritas comenzaban a desfilar por los camarines a las 7:45 !!!, produciéndose episodios allí mismo, en el set, entre escenas, en el vagón comedor, etc., así que imagínense que cuando regresábamos a casa después de catorce horas de trabajo creo que podíamos redefinir el significado de la palabra placer.



EXTRAÑAS SECUENCIAS DESAPARECIDAS

De hecho Burt Ward escribió un jugoso libro titulado My Life in Tighs, donde desvela los aspectos erótico-festivos más salvajes de esa época. Explica que en una ocasión el director le citó a él solo para un rodaje muy rápido. Al llegar al plató solo estaba el director, unos técnicos y una cuantas chicas de buen ver y bien dotadas. El director le dijo que se trataba de un regalo para los de la cadena ABC que consistió en que las chicas se quedaron en topless y mientras le pasaban los pechos por su cara, Burt /Robin tenía que exclamar frases como “Santos enormes Batiglobos” Evidentemente la mini película no ha aparecido jamás. ¿Será esto cierto?


Tampoco se han visto muchas tomas falsas, y eso que Adam West a veces olvidaba el papel dándose situaciones divertidas. La Batgirl Ivonne Craig cuenta que en una escena se encontraba en medio de  Batman y Robin caminado sigilosamente por un pasillo casi de puntillas. Supuestamente Batman tenía que gritar shhh!! y poner su mano detrás para detenerlos, pero la puso sobre uno de sus pechos. Ivonne la dejó ahí, por si se podía utilizar la escena, hasta que dijeron corten, al preguntarle los presentes a Adam donde tenía la mano, dijo inocentemente: ¿En su hombro?.



Desde  noviembre de 2014 puede adquirirse por primera vez esta serie remasterizada con 3 horas de contenidos adicionales y ediciones en DVD y Blu-ray. Su precio es caro pero hasta ahora nunca se había comercializado, a excepción de la película, por problemas de derechos entre Fox y Warner Bros.

Bibliografía consultada:
La noche del murciélago. Trajano Bermúdez. Camaleón Ediciones 1988
Televisión de culto. Antonio Blanco. Glénat. 1996
Web Batmania: Adam West Squaron.



Entrevista a Leonel Castellani (1ª parte)

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Leonel Castellani nació en Buenos Aires, es dibujante de cómics, animador de dibujos animados, pintor y escultor.  Estudió Artes Plásticas en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Ha dibujado un sinfín de personajes para Warner,Hanna-Barbera y Disney. Así como los personajes Marvel pero de una forma peculiar. Ha estado en la Artist Alley del Salón Internacional del Cómic de Barcelona en dos ocasiones. La última este mismo año. Conozcamos un poco mejor a Leonel Castellani en esta entrevista en dos partes.

ENTREVISTA A 
LEONEL CASTELLANI


 -¿Cuáles fueron tus lecturas infantiles o juveniles con las que te iniciaste en los cómics?
Arranqué con la historieta latinoamericana Patoruzú, Patoruzito y Condorito. En primaria empece a leer Mafalda pero no entendía el contenido real de lo que era el personaje hasta que fui creciendo. Eran revistas muy baratas, en formato tira. En cualquier casa argentina estaban estos cómics. En paralelo veía muchos dibujos animados por al tele de Hanna-Barbera, Warner Bross, Disney... Me gustaban y estos cartoons tienen que ver con mi inicio en la profesión. También las revistas deGarcía Ferré que eran educativas pero también tenían páginas de historieta. Tuve suerte de conocer a gente que trabajó en esas publicaciones. Clemente Montag es muy popular allá y su Coco y Cilindrinaes un clasicazo.

-¿A qué edad empezaste a sentir que dibujar te apasionaba?
Los primeros recuerdos son de estar viendo la tele y copiando: el Pájaro Loco y personajes Warner y Disney… Desde que tengo uso de razón que empecé a dibujar.


-¿Tus primeros trabajos fueron dentro del ámbito de este arte?
Yo tuve la suerte desde muy joven de arrancar a trabajar en un estudio de dibujo como asistente. Ahí cogí mis primeras armas como dibujante profesional. Siempre he trabajado en lo mio pero pasando por todos los estadios, borrando los lapices de un dibujante, haciendo los cuadros de las paginas, los fondos, haciendo los personajes secundarios. Creciendo en este ámbito de abajo para arriba (risas) llevando el café!!.

¿Tuviste algún mentor o fuiste autodidacta?
Tuve muchos mentores dentro del oficio, aprendí de muchísima gente. No tuve un profesor particular. En el estudio en La Plata había muchos buenos profesionales. Algunos aún son amigos y mantengo contacto. Daniel Griffo, Walter Carzon y Carlos Escudero.... me dejo muchos, no sé si por aquí son muy populares, pero son excelentísimos artistas. Cuando empiezas a dibujar por ti mismo se acaba la critica de la familia que te dice “hay que lindo” y empieza la critica profesional. Después con otros artistas de los que me he ido empapado de sus trabajos y me han enseñado u otros que he ido conociendo en mi carrera.

-Trabajaste como asistente, colorista y dibujante en los estudios Warner, DC y Disney y en diversas editoriales con series como Looney Tunes,Tom y Jerry, Scooby Doo… ¿En qué consistía tu trabajo?
Todo esto era en el marco del Estudio Duendes del Sur donde arranqué. Luego pasé por otros estudios de publicidad. Salté por todas esas series, y de algunas hoy en día sigo haciendo cosas. En Duendes del Sur empecé como asistente de otros dibujantes en series de cómic de estos personajes. Primero fui colorista para una colección de libros infantiles de Warner de Scooby Doo, luego Looney Tunes. Hacia layouts color, teníamos las fotocopias con los bocetos y generábamos una paleta atmosférica y luego se pasaba al departamento de color digital. Formalmente empecé a trabajar ahí. Me pasé mucha época pintando con el ratón, a veces hacíamos también color de la manera tradicional. Luego asistí a otros dibujantes realizando los fondos y personajes secundarios de sus cómics. Más tarde dibuje de forma individual libros infantiles siempre en el marco de estas colecciones de Warner, Disney...

 Tom y Jerry vistos por el autor

-¿El cómic de acción ya lejano en el tiempo David y Goliath es un homenaje al cine ochentero a lo Historia Interminable?
Fue el primer cómic que hice firmando con mi nombre para Estados Unidos. Había trabajado en muchas colecciones pero siempre como un dibujante fantasma. Si que había hecho algunos cómics de Tom y Jerry firmando pero para Dinamarca. El GuionistaJay Ju nos contactó porque tenia la idea de presentar este proyecto en Image Comics, que funcionaría como base para otras cosas tipo película, serie… Eran sueños grandes… El guionista quería que la historia tuviese un perfil muy tipo Disney y sabía que yo trabajaba ese estilo. Estamos hablando de finales de los noventa y estaba muy en boga en Estados Unidos eso, las productoras compraban licencias que igual luego no utilizaban. El plan de muchos editores era armar proyectos de ese tipo y el objetivo era que se los comprara alguna productora y ganar dinero, y luego las comisiones, trabajar en cine… Fue una carta de presentación, pero también un medio de demostrar que podíamos hacer lo que nos pedían. Terminé dibujándolo todo yo a excepción de las tintas en las que me ayudaron un montón de amigos del estudio. Le tengo cariño, si ahora lo miro, a veces me dan ganas de hacerlo todo de nuevo, porque veo cosas de principiante, de querer demostrar...


-Para Marvel Animation has sido diseñador de Super Hero Squad y Avengers. Cuéntanos un poco.
A raíz de trabajar para Disney me llamaron para dibujar Super Hero Squad. Al estar tantos años en un estudio no me gustaba el proceso separado de un dibujante, un entintador, un colorista. Para mi es mas fácil hacerlo todo yo que andar delegando el trabajo. Ellos me pidieron pruebas de lápiz y yo les mandé pruebas de todo. Como en el mercado americano suelen encasillarte o limitarte, me enviaron trabajo infantil sobre un videojuego anterior, no me gustaba, pero en vez de rechazarlo, traté de poner la mejor onda, disfrutarlo y poco a poco respetando los parámetros de la serie fui rompiendo con los modelos que me mandaban y poniendo cosas miás. Cambiando proporciones, detalles sútiles pero que el editor los veía y pasaban. Después me pasaron a Marvel Animation para hacer las portadas que iban en los videos de los dibujos animados. Pero me encargaban cosas variadas, desde dibujar el Hombre Araña, al Doctor Extraño para aplicaciones posteriores de las serie, todo desde el punto de vista comercial, no para el dibujo animado en sí. Pero sí dibujé y diseñé para los cómics y para los dibujos animados.



-¿Qué tienen estos personajes que ya sea en el formato que sea y de la forma más rara que sea, siguen siendo un éxito?
Yo creo que te lo imponen. Te va a gustar esto. Hace cinco años si no eras aficionado del cómic, nadie sabía quien era el Doctor Extraño. Las empresas y el mercado imponen tendencias. Los Guardianes de la galaxia otro ejemplo. Unos personajes oscuros que hasta incluso dentro del mundo del cómic pocos sabían de su existencia. El mercado impone que se haga la película, da pie a videojuegos, muñecos, series de animación y nuevamente cómics. Es más, el cómic en general y el cómic americano en particular hoy por hoy son un soporte publicitario, como entidad independiente hace años que no funciona más. Es como un panfleto caro, en lugar de sacar un afiche sacan una revista. Como mercado independiente no se hasta que punto se sostiene el cómic.


-Has dibujado historietas y portadas de Chip y Chop Guardianes rescatadores, Pato Aventuras. ¿Disney da libertad al dibujar estos cómics?
Sí porque era Disney Afternoon y son bastante liberales. En ese sentido son mas cuidadosos con las películas. Cuando he tenido que hacer cosas relacionadas con ellas son mas recelosos en relación al modelo. En los Disney Afternoon trataba de cuidarlos mis dibujos, pero los he visto dibujados por otros, sin prestar atención a los modelos y salían aprobados igual. Al principio el modelo, la narrativa y el estilo eran importante pero con el tiempo... También en virtud de los ritmos de producción que son descarnados, las cosas no están tan bien cuidadas. Este tipo de historietas se producen con una velocidad y un presupuesto pobre y eso obliga al dibujante a sacar mucho material muy rápidamente también, sin dejar mucho espacio a la calidad. Por eso yo también me fui alejando un poco de los cómics de licencia. Sigo haciéndolo, pero lo que es cómic para empresas como Marvel o DC, no digo nunca jamas, pero si puedo escaparme me escapo, por la locura del ritmo al que no estoy hecho y porque no lo disfruto. Dibujar cosas de Disney me gusta, disfruto y consumo, buscando material de dibujantes clásicos como Giorgio Cavazzano, de Disney Italia.



-¿Porque Thor es tu personaje favorito Marvel?
Me encanta estéticamente El hombre araña. Me gusta también desde chico a nivel de historias, un chico común y corriente con el que te puedes identificar. Pero recuerdo que mucho antes de leer los cómics de Thor, esa cosa grandilocuente que dibujaba Jack Kirby con lenguaje pomposo, yo coleccionaba un juego de cartas de superhéroes de la empresa argentina Cromi y tengo marcado en el cerebro a fuego el primer dibujo de Thor que vi que si no me equivoco era de John Buscema. Un Thor de costado, regodeando el martillo con la capa gigantesca, esas alas en el casco, esas botas amarillas con negro, era estéticamente brutal. Después empecé a meterme en el universo de Thor y descubrí otros personajes que también eran visualmente impactantes. Le tengo cariño al personaje y a esos dos autores. Me encanta dibujarlo, y me encantaría hacer un cómic del Thor clásico, lo he dibujado para Super Hero Squad y Avengers pero nunca en serio.



OTROS TRABAJOS Y CURIOSIDADES:

 Una magnifica Red Sonja con la cual podemos comprobar 
los variados registros de Leonel en el dibujo.

Cómic Shadow Pirates dibujado por Leonel

Portada B7 Companion. 
De este y otros cómics hablaremos en la segunda parte 

Una mítica portada a lo Lego

También comentaremos cierta serie favorita de su infancia. Dibujo del autor.


FIN DE LA PRIMERA PARTE
ENTREVISTA REALIZADA EL 3 DE ABRIL DE 2017


Antonio Bernal Romero: Drácula

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Aunque actualmente los vampiros son muy amanerados, muy metrosexuales o muy sofisticados, en los setenta eran seres decadentes con olor a rancio y antiguo. Drácula fue creado por Bram Stoker en 1897. Bernal plasmó el final clásico de este ser en este cromo setentero.

Venta dibujo original Blas Gallego / Orginal art sale Blas Gallego

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Las ilustraciones de Blas Gallego del personaje de Conan respiran la brutalidad y el vigor que el bárbaro requiere. Algunas de sus portadas se vieron en la revista La espada Salvaje de Conan de Cómics Forum. Un personaje que siempre le ha encantado dibujar por la libertad que trasmite. En El Origen de los cómics hay disponibles estos ORIGINALES:


Reseña: El sol de Trunza de José Oliveros y M.Díaz / Carmona en viñetas / Bribones

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Las aventuras de Bribones creadas por El Torres, uno de nuestros mejores guionistas patrios junto al dibujante Juan Jose Ryp, se enmarcan dentro del género de la fantasía heroica más divertida. Recordemos que en Bribones Bram y Weaselson una pareja de desenfadados bárbaros mercenarios que se ganan la vida cumpliendo misiones. No importa su grado de peligrosidad o si la recompensa es suculenta. Bram es un muchachote musculado, algo descerebrado, amante de las juergas, las mujeres, la acción y el dinero y no en precisamente en este orden. Weasel, alias la Comadreja, es una bella mujer de armas tomar, con algo de sentido común, no mucho más que su compañero, y amante de lo mismo que él. Todo esto ocurre en Gerada, y como es una tierra grande hay cabida para nuevos personajes que nos pueden conquistar. Ahí entra Bárbara La Bárbara con el cómic El Sol de Trunza, su carta de presentación.

A estas alturas la linea de cómics en grapa de Carmona en Viñetas no necesita presentación (Freelancers y El Ültimo cromo). La acción de El Sol de Trunza se desarrolla en el mismo mundo que Bribones, solo que sus protagonistas y creadores son otros, pero el espíritu desenfadado y de cachondeo se mantiene intacto.


Bárbara La bárbara es, como su nombre indica, una imponente mujer de armas tomar en la mejor tradición de Red Sonja o Axa, joven, potente, guerrera, independiente y sexy, una buscavidas en pos de la aventura y algo de dinero. Junto a Clenck y Blast, dos ladrones de poca monta, se verán implicados en el robo de una de las joyas más valiosas de Gerada: El Sol de Trunza.


El guión está escrito por José Oliveros (JOS), y se nota el cariño por los Bribones de El Torres, pues desde la primeras páginas nos encontramos en ese mundo tan peligroso y divertido con elementos comunes, tópicos buscados, guiños, acción y una pizca de erotismo. Oliveros saca jugo de la relación de amor y odio del trío protagonista y de otras situaciones.


El dibujo corre a cargo de Manuel Díaz Bejarano, que firma comoM. Díaz. El dibujante autodidacta ha estado vinculado a la revista y blog Trueno. De hecho ha estado ligado a El Capitán Trueno en diversas ocasiones, incluso con historietas conmemorativas. M. Diaz forma parte del equipo de documentalistas de la Tebeosfera, de la cual también ha sido vicepresidente. Ha publicado sus propios cómics en el mercado americano a través de diversas editoriales y ha creado junto a otros Korat Comics, para publicar cómics biográficos.


El Sol de Trunza se publicó precisamente como complemento de Rogues (Bribones) en Estados Unidos y se ha recopilado para esta edición de Carmona en viñetas en una grapa, con el beneficio de tener toda la historia completa y de  disponer de las diferentes portadillas realizadas por diversos dibujantes.


El dibujo es atractivo y dinámico en las escenas de acción, con primeros y medios planos que parecen querer saltar de las viñetas y pocos fondos, que aún así nos sumergen en un mundo a lo Conan. Los dos autores forman un buen tandem y el color de Sonia Moruno y Veronica R López le añade un plus de belleza al cómic.

El Sol de Trunza es un tebeo desenfadado como Bribones. Con la única pretensión de pasarlo bien leyéndolo, no hay héroes atormentados, ni grandes epopeyas, ni historias originales, y si así fuera sería en plan cachondeo. ¡Queremos más historias de Bárbara La Barbara ya!


COLOR / 48 PÁGINAS / 6 EUROS
CARMONA EN VIÑETAS


Reseña teatro: Paraules Encadenades de Jordi Galceran

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¡El terror que se desencadenó hace casi veinte años vuelve a repetirse! ¡Dos personas distintas!, ¡Un escenario diferente! La línea entre el bien y el mal vuelve a cruzarse… El monstruo interior ha despertado. El camino hacia la libertad está plagado de trampas… ¡Comienza Paraules Encadenades!


Esto podría ser anunciado por una potente voz en off en la presentación de un posible tráiler de la obra teatral que nos ocupa, pues Paraules Encadenades, creada por Jordi Galceran, se representó con gran éxito hace casi veinte años. El autor nos ha dado después obras brillantes como El mètode Gronholm, El Crèdit, entre muchas otras.

Un psicópata ha secuestrado a una psicóloga a la que mantiene amordazada y atada a una silla. Le ha anunciado los planes que tiene para ella y no son nada halagüeños. La chica esta en inferioridad de condiciones y tendrá que usar su ingenio para sobrevivir. Va a dar comienzo el juego del gato y el ratón, va a empezar el terror...
 

La obra nos sumerge, ya al cruzar el acceso a la sala, en el escenario del secuestro que es precisamente un viejo teatro, con lo que nos integramos más en la acción que nos mantendrá en vilo durante toda la función. Pronto conoceremos a su captor y entre los dos únicos personajes de la obra se establecerá una batalla dialéctica con el objetivo de salvar o no una vida.


El actor David Bagés, rostro muy conocido en series de televisión, borda el papel de tipo normal y algo apocado al que se le han cruzado los cables y busca respuesta a sus preguntas interiores. Su carta de presentación es un video, porque en esta obra lo audiovisual esta cuidado e integrado también, en el que muestra su talento para construir con su forma de expresarse, palabras y gestos, un asesino sonado, sin empatía, que da miedo. El video inicial ya coloca en situación y presagia que la chica secuestrada lo va a tener crudo. Y ya desde este inicio provoca algunas risas nerviosas en el público, porque lo que cuenta es terrible, pero nos puede parecer cercano o cotidiano y lo que siente puede ser entendible, y ese pensar nuestro, que sus sensaciones pueden ser muy reales e incluso hasta podrían ser las nuestras, ya puede darnos miedo.

Mima Riera interpreta a la psicóloga secuestrada, una actriz con amplia experiencia en el teatro y en películas, y que da credibilidad al papel de atrapada, en condiciones inferiores, pero no desarmada y con una gran fortaleza interior.


El escenario con poco atrezo consigue crear el ambiente sobrio, de angustia y decadente del sótano de un viejo teatro. Buenos juegos de intensidad en la iluminación, o con el haz de luz de la linterna. La obra usa los tópicos y lugares comunes de las películas del género de asesino, con pocos recursos de decoración. Y no solo en esto, sino también en algunas situaciones de la misma representación.

Paraules Encadenades asusta porque lo que nos narra el psicópata con su falta de humanidad, frialdad y amable normalidad, lo podemos entender y como hemos dicho sus ocurrencias y reflexiones también. Pero la obra es un viaje por los recovecos de la mente y el poder de las palabras. Nos presenta una confrontación dialéctica e intensa entre los dos personajes. Un viaje peligroso para saber por qué uno es como es, por qué actúa así, por qué al mirar el pasado podemos ver cosas diferentes que antes no vimos, porque elegimos ciertos caminos. Remordimientos, miedos, traiciones, mentiras, sospechas, amor, odio, deseo, asco, violencia, perdón, un torbellino de emociones azotan la función. Sufriremos hasta el final para saber si la protagonista se salva o no, porque nada está claro, como en un partido de ping pong. Y por encima de todo, un juego, el de las Paraules Encadenades, que se torna una competición para sobrevivir.


Si te gustan las películas de psicópata que mantiene secuestrada a su víctima y establecen una conversación con vínculos, en que el desastre esta siempre latente, no lo dudes. No hay sustos, ni efectos, pero si tensión dosificada y latente, muy poco espacio para el humor aunque algo hay para aligerar los nervios, pero no te vas aburrir. Paraules encadenades es una caja de sorpresas (a veces demasiadas), una montaña rusa que te puede explotar en la cara. Una obra dura y sin concesiones, sin buen rollito. Y que incluso nos hará pensar en las relaciones de pareja. Dos personas y su interior, la balanza entre el bien y el mal, entre la cordura y la locura, es muy fina e intercambiable, o eso nos puede parecer. Y como este es un blog en que predomina el cómic podemos decir que esto es algo que ya nos mostró en los ochenta La Broma asesina escrita por Alan Moore y dibujada por Brian Bolland.

 El autor y director de la obra: Jordi Galceran y Sergi Belbel


"Paraules encadenades" se representa en La Villarroel hasta el próximo 6 de agosto de 2017.

Autor: Jordi Galceran
Dirección: Sergi Belbel
Reparto: David Bagés y Mima Riera
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Kiko Planas
Espacio sonoro: Jordi Bonet
Caracterización: Toni Santos
Producción: Bitò

Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 24€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 30 minutos

Venta páginas original Pafman de Cera

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Pocos personajes quedan activos con nuevas aventuras de la gloriosa Editorial Bruguera o de los inicios comiqueros de Ediciones B. Pafman fue una creación de 1987 de Joaquín Cera para las revistas juveniles de Ediciones B. Un trasunto de Batman, en clave de humor, con muchas tonterías que te hacían reír. Cuando las revistas se cancelaron en los noventa el personaje desapareció y no reapareció hasta 2004. Joaquín Cera demostró en estas nuevas aventuras que es un maestro del dibujo y sobre todo de los guiones con divertimento. Lamentablemente la mala gestión del personaje no ha permitido que sea descubierto por nuevos lectores de cómics. Lo que no puedes perderte es tener alguna de las míticas páginas originales de Pafman.

CONTRAPORTADA
PRIMERAS HISTORIAS
PAGINA ORIGINAL





La Espada Salvaje de Conan en Cómics Forum

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En 1991 se cumplían 10 años de permanencia mensual en los quioscos de La Espada Salvaje de Conan. Forum como cuidaba al bárbaro lo celebro con un número especial con más paginas.

Entrevista a Leonel Castellani (2º parte)

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ENTREVISTA A 
LEONEL CASTELLANI (2º parte)

Foto academia de historietas Crumb

-Eres un fan acérrimo de los Masters del Universo. ¿Cómo es que te conquistó esta serie de animación?
Como casi todos los que tenemos casi 40, veía la serie y era superfan de los juguetes. Es una licencia de la tengo una nostalgia tremenda y a la que se lo perdono todo. Es algo que dibujaría con un cariño terrible. En mis propias clases de dibujo siempre estoy haciendo algún dibujo de Los Masters del Universo para la anatomía o incluso la escultura.


-¿Te molesta que te encasillen en un tipo de dibujo cartoon o como dibujante Lego?
No me molesta porque me gusta, pero tengo muchas inquietudes a la hora de dibujar y me gustaría explorarlas, tener la posibilidad de hacer más cosas, pero nunca me ha tocado cruzarme con un editor que tenga esa vista. Yo veo un dibujo deJohn Cullen Murphyy veo que puede tener sus preferencias pero puede dibujar cualquier cosa, tiene dominio del dibujo. Los editores me han conocido dibujando cartoon (risas) y yo voy a dibujar cartoon hasta el ultimo día de mi vida, porque para un editor no sé hacer otra cosa. A mi también me gusta el dibujo realista y lo consumo, y me gustaría tener la oportunidad. También dentro del cartoon hay un montón de variables desde un dibujo tipo Hanna-Barbera con sus colecciones de superhéroes que me encantan,  Thor,Birdman y el trío Galaxia, El Fantasma del espacio pero no se si tendría la posibilidad de publicar algo en ese patrón, porque me asocian más por, ejemplo, con Lego, que también está bien pero no me atrapan tanto, me gusta más dibujar el estilo clásico Disney. Me gustaría tener un abanico más grande de posibilidades de dibujo por parte del editor.

-¿Qué opinas de la animación actual? En el sentido que a veces parece que algunas series tienen que ser muy estrambóticas, de animación parecida al tipo Disney o Pixar.
Se ha avanzado mucho en el terreno argumental en el ámbito infantil y en la animación para adultos que presenta un campo muy amplio. En la animación infantil encuentro cosas que son alucinantes y que me encanta que sean así, porque no subestiman al niño. Cuando era chico, con todo el cariño que le tengo a los Masters o a los Thundercats, hoy son imposibles de ver sin que los argumentos parezcan una tontería, los guiones eran súper básicos, el malo era malo, el bueno bueno... Hoy hay series como Steve Universe, el maravilloso mundo de Gumball,Samurai Jack... Son series que desde lo visual ya son bellísimas, con una propuesta estética alucinante, y en lo argumental no son para nada tontas. A los chicos se le nutre con unos guiones y unas historias y se les da el gusto por lo no burdo, por la aventura en un segundo término, por las subtramas que hacen que una historia sea interesante. En una serie clásica de ese perfil no había tanto. Las series de Hanna-Barberade Superhéroes eran muy básicas, tenía mucho más que ofrecer el cartoon clásico de Disney, Warner o de Tex Avery a modo argumental. Las historias deMasters del Universo, incluso los cómics, eran super bobas y había como un demanda por saber más, porque yo recuerdo de chico pensar¿pero qué pasa con la vida de este personaje? Y cuando aparecía una historia que tenía un trasfondo te generaba un interés inmediato. Hoy los chicos tienen series que les ofrecen un montón de espectros argumentales super interesantes. El niño no es un ser tonto, es un ser que piensa y que razona y al que se le puede nutrir con ideas interesantes, por eso en ese punto la animación actual me parece formidable. Técnicamente igual es algo rígida en algunos casos porque estamos acostumbrados a la animación tradicional Disney, pero la que se consumía semanalmente era bastante rudimentaria, aquella tipo Filmation,Hanna Barbera era animación stop. Hoy también hay animación Stop algunas online, lo que pasa es que ahora se hace digital. Siempre son los mismos ciclos pero en resumen se ha avanzado mucho en animación para televisión. En cine ya es otra historia.

El arte de Leo Castellani

-¿O de la economía en la animación que repercute en el producto final.?
Hay recursos de animación de los sesenta y setenta y que aún hoy se siguen utilizando de otras formas. La animación stop es alucinante y bien hecha es espectacular (Archie, por ejemplo, es animación stop digital con historias también buenas, los mismos personajes, la misma ropa, las mismas expresiones, los mismos fondos, las mismas secuencias…). En animación para televisión hay espectros súper amplios. Si la historia está bien contada poco importa como se vé la animación, y no digo que tenga que ser mala, pero no me molesta. Avenger Time a mí por ejemplo no me gusta, es muy voraz, una serie muy hipster, de gafa pasta, de rollo pseudo intelectual.

-En España algunos dibujantes ante la imposibilidad de ganarse la vida con el cómic se pasaron a la animación. ¿Es una tarea árdua la de animador?
Cuando yo empecé a ser animador era buenísimo. Hacías tres personajes en movimiento, marcas las puntas, cuatro cinco dibujitos en el medio y se la pasabas al que sigue, que es el que sufre, que es el intercalador, el que hace la limpieza, el colorista... un trabajo muy sacrificado en animación. Yo solo trabajé animando tradicionalmente en un soporte digital, pero no trabajé en digital o sea que no sé ahora. He animado en una cindic usando software que es muchísimo más cómodo. La animación tradicional en papel y lápiz como yo la conocía es sacrificada y no es para cualquiera, si eres una persona como yo muy impaciente. Hay que tener un compromiso con el movimiento que yo no tengo. Lo disfruto en mis cosas, pero en las ocasiones que he trabajado en una producción, haciendo asistencia para animación, me ha resultado súper estresante, pero me sirvió para plasmar movimiento en el cómic.

-También dominas la técnica del modelado, que se puede comprobar con esa espectacular escultura de El Duende Verde
Doy clases de dibujo en una escuela de escultura fantástica y figurativa. La escultura es otra pasión que tengo. También estudié escultura en la facultad. Me gusta y va en paralelo con el dibujo, pero no me dedico a trabajar de escultor. Pero me impuse hace tiempo “basta de estar todo el día en el tablero dibujando!!” y me abrí un pequeño espacio semanal para dedicarme a esculpir. Me atrevo a decir que me gusta tanto la escultura que elegí no vivir de ella para no saturarme o enojarme. Para no contaminarla con los tiempos de entrega, los materiales, las condiciones salariales... Es muy sacrificado trabajar de dibujante y he tenido momentos de mucho stress. Soy muy pasional con el dibujo y me gusta que mis obras estén bien, podrán tener errores, pero están nunca a desgana.


-¿Cuales son tus autores favoritos?
No leo cómics de ahora. Y me puedo perder cosas novedosas pero tiro por los clásicos: Juanjo Guarnido, Oswald, (que trabaja con Abulí) Alex Toth, Jack Kirby, Will Eisner, John Buscema, Gene Colan, los francobelga Franklin, Uderzo... Hace poco descubrí el trabajo deDaniel Acuña y Jesus Alonso  y me encanta.

Diversos personajes vistos por el dibujante

-¿Qué proyectos tienes entre manos?
Un proyecto de historieta conjunto conFrancisco Lagrifa en el que estamos con los diseños de personajes. También estoy en dos proyectos para una independiente de Estados Unidos. Son historias un universo Table Taffy creado de ciencia ficción y de fantasía para chicos, y me gustan los personajes Shadow Pirates, la historia de unos Piratas mutantes que tienen poderes. El capitán de ellos es un gorila gigante, es divertido. En lo artístico me dieron libertad para dibujarlos como quisiera, el autor quería que yo los dibujase con mi propio estilo, pero le dije que quedásemos en algo intermedio, ya que la gente compra sus cómics por su dibujo. También estoy dibujando Bastion's 7 y otra que parte de cero que es Monster World. Un homenaje a los monstruos clásicos y las series de televisión de los ochenta con una familia con niños adoptados que tienen unos poderes especiales, y bajo ciertas influencias pueden transformarse en monstruos. Ocurre en los ochenta con lo que pude hacer muchas referencias de las que me gustan. Aparte trabajo en un nuevo sketch book.

Bastion´s 7

-¿Como está la industria del cómic en argentina?
Pésima, no hay mucha. Hubo un pequeño resurgir de la edición independiente que no del cómic hace unos años. Yo no conozco gente que halla podido vivir como artista de trabajar y editar en Argentina, pero sí se han podido reeditar cosas antiguas. Un pequeño nicho que podría dar pie a que la industria se reactivara a raíz de muchos cambios en lo político y cultural. Este último año con el nuevo gobierno creo que muchos de esos espacios se han ido cerrando. Los dibujantes que yo conozco publican en el extranjero y pueden llegar a tener una edición nacional. Yo nunca he podido trabajar en mi país y me conocen más afuera que en Argentina. El mes pasado creo que cerro Fierro, que tampoco sé si representativa de todo lo que se dibuja en Argentina. Yo he editado material en España para poder tenerlo en Español, para que mi sobrino pueda ver lo que hago... No hay espacio en mi país. La licencia tampoco creo que esté muy bien vista y tendría que ponerme con mis propias cosas. Tampoco soy tan conocido en mi país.


-Has estado este año en el Salón del Comic Internacional de Barcelona. ¿Que te parece?
He venido ya dos veces y me gusta. Hay un buen equilibrio entre algo formal y lo friki. En Anguleme hay una cultura de lectura de la historieta que no tiene que ver con la cultura friki y es muy formal. En Argentina en las convenciones a las que he ido pueden llegar a ser las grandes, super frikis. Hay convenciones que son de perfil muy comercial, por las películas, las series de dibujos, los actores, la gente disfrazada… Los autores de cómics tienen, incluso, una pequeña sala. En Barcelona hay una cosa intermedia que está muy bien. Hay un espacio para lo artístico, para lo autoral, para los originales, la cultura (la exposición de Will Eisner de este año casi me muero de lo alucinante que es), también hay lugar para lo friki, y me gusta ese equilibro. Lo que es muy formal a veces aburre un poco y lo que es muy escándaloso a veces agobia. Sé que tuvo sus criticas este año pero me gustó. En Argentina en cuestiones de organización no hay tanta experiencia como aquí, y se pone mucha pasión, muy a pulmón.

 El equilibrio entre lo formal y lo friki... es muy difuminado...
Entrevista realizada el 3 de abril de 2017

Otros trabajos y curiosidades:


Venta página original Ramis

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Desgraciadamente de toda la basta producción de Ramis quedan pocos ORIGINALES, porque como si de un alocado personaje suyo de historieta se tratara, el autor reutilizaba el reverso de los originales para seguir dibujando o cosas peores… Y después de los 90 su faceta como dibujante quedó aparcada por la crisis del sector.
Podéis adquirir estas PAGINAS ORIGINALES:

 Este es un nuevo trabajo homenaje a
WONDER WOMAN y DIRTY PIG





Conan el bárbaro en Ediciones Forum

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Así abría Ediciones Forum la colección regular de Conan el Barbaro en España y ¡A todo color! Ahora lo del color ya no es noticia. Además se anunciaba la creación del Club Conan. Si conseguías hacerte socio podías participar en sorteos y otras sorpresas que se fueron diluyendo a medida que avanzo la colección. ¿Alguien conserva el carné?

Club Conan en comics Forum

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El cómic Conan el Bárbaro anunciaba la creación del Club Conan. Si conseguías hacerte socio podías participar en sorteos y otras sorpresas que se fueron diluyendo a medida que avanzo la colección. ¿Alguien conserva el carnet?


Barcelona eterna con Blanco

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BARCELONA ETERNA que mejor que rendir un sentido homenaje a  nuestra ciudad con estas preciosas ilustraciones que realizó Josep María Blanco Ibarz durante cuatro largos años en los noventa. Centenares de personajes pululan, en ellas incluido el propio Blanco.
¡Cuatro enormes ilustraciones llenas de vida y amor.!
El autor trabajo en el semanario TBO desde 1950 hasta el cierre de la que sería su cuarta etapa de la revista en 1983.  Todos hemos disfrutado en algún momento con el humor sencillo, cotidiano y a veces absurdo de Blanco, un autor con una imaginación sorprendente para crear historias o chistes gráfico de una sola ilustración y hacernos sonreír cada semana durante décadas.
 
 
 

Crítica: Spiderman Homecoming

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SPIDERMAN HOMECOMING:
¡ESTE NO ES MI SPIDERMAN, QUE ME LO HAN CAMBIADO!, 
PERO... ¡SIGUE SIENDO SPIDERMAN!


Spiderman fue creado en 1962 por Stan Lee y Steve Ditko, con lo que ha evolucionado, cambiado de aspecto y rumbo cientos de veces en los cómics. También ha tenido diferentes versiones en dibujos animados desde el año 1967, que ya han jugado con la mitología arácnida. En carne y hueso ha tenido cuatro encarnaciones (sin contar el musical de teatro …). La primera en 1979, en forma de olvidable serie de televisión con un maduro Nicholas Hammond como Peter Parker. Aun no existían los medios para llevar la fantasía de Spiderman a la realidad y los resultados fueron muy tristes. En el año 2002 Spiderman entraba por la puerta grande en las salas cinematográficas de la mano de Sam Raimi en la primera trilogía inicial y tres actores han interpretado al héroe desde entonces: Tobey Maguire, Andrew Garfield y Tom Holland, el que hoy nos ocupa con Spiderman Homecoming.

Adrian Toomes y su equipo científico trabajan limpiando y recuperando la chatarra extraterrestre de las batallas a las que se enfrentan los Vengadores, pero se crea Control de Daños y son apartados del negocio. Aunque estos no están dispuestos a no sacar tajada de tanto artilugio. Por otro lado un nuevo héroe va hacer su debut…

“El mundo está cambiando... 
y es momento de que también cambiemos nosotros”. El Buitre

Esta es la primera película de Spiderman en la que Marvel Studios ha podido recuperar los derechos de su personaje más icónico, y el camino de integración en su universo fílmico que se inició con calzador en Los Vengadores la era de Ultron, se completa en este film más satisfactoriamente.

La mayoría de lectores de cómics, a veces con razón, se ponen muy nerviosos ante los mínimos cambios que se producen en las adaptaciones cinematográficas de sus héroes favoritos. Aquí más vale que se tomen una tila, aunque de todas formas estas películas están hechas para llegar a todos los públicos y no solo a ellos.


Spiderman Homecoming cambia radicalmente a todos los ricos secundarios que rodean al personaje, además de realizar espectaculares cambios en el clásico traje del superhéroe (que a la postre es el que más se parece visualmente al de los cómics), pero todo ese elenco de nuevos secundarios funciona y crean la lograda parte de vida de instituto de Spiderman. Se ha criticado también el romance del superhéroe arácnido en el film, pero es muy superfluo y no tan empalagoso como en ocasiones anteriores. Y por otro lado Marisa Tomei podrá dar, seguro, más juego como rejuvenecida Tia May en las siguientes secuelas.


Tom Holland interpreta a Peter Parker y por primera vez es un verdadero adolescente, tímido, divertido, irritante, impulsivo, alocado, impaciente, metepatas, estudioso... ¿Recordáis como erais cuando teníais 14 años?
Michael Keaton está estupendo en su ambiguo papel de villano Buitre y además tenemos el bonus de contar con otro enemigo clásico. Hay buenas escenas de tensión y no necesariamente cuando los dos antagonistas llevan puestos sus respectivos trajes. De hecho solo le basta a Keaton llevar una chaqueta para parecerse más al Buitre clásico.


¿Qué decir de la aparición de Robert Downey Jr. Como Tony Stark / Iron Man? Divertida como
siempre y su papel de padre/tutor funciona y no es una intervención muy abusiva. Hay que recordar que en las primeras películas de género superheroico, la baza de ver cómo habían logrado trasladar las viñetas del cómic a la gran pantalla o cómo se juntaban varios superhéroes en una misma trama nos ilusionaba (igual que ocurría en los cómics cuando éramos pequeños) y jugaba en favor de la película, ahora ya no hay tanta sorpresa, al menos en los adultos, pero sigue siendo guai!


 Las escenas de acción tienen toques de humor, podemos sentir su vértigo en el Monumento a Washington, y no se abusa de mega peleas mega catastróficas y explosivas como es habitual en el género, o de personajes atormentados por la tragedia, torturados y angustiados.... Se respira Nueva York en la cotidianidad de las patrullas y descansos de Spiderman. Hay homenajes a viñetas icónicas como la del Amazing Spiderman 33. Tal vez sobra el desarrollo más inverosímil de la escena final del Ferry, porque a Spiderman ya le hemos visto demasiadas veces con los brazos en cruz dándolo todo. Se agradece que despachen el ya consabido origen arácnido rápidamente.

Esta escena ya se ha repetido bastante...
Tomo que incluye Spiderman 33

Si dejamos de ser quisquillosos con todos estos “terribles cambios”, Spiderman Homecomig es una muy buena película entretenida, divertida y emocionante y eso siempre ha sido la esencia del cómic de Spiderman y con todas estas diferencias y sin, oh, mención al sentido arácnido: ¡pero es nuestro trepamuros!

Una película que funciona en la parte de comedia de instituto a lo John Hughes (no en vano el director obligo al elenco de jóvenes actores a ver El club de los cinco o la chica de rosa), con ritmo en las escenas de acción, humor, que emociona y que aporta un soplo de aire fresco este genero. ¡Impagables las apariciones de El Capitán América! ¡Buen entretenimiento asegurado! Y es que una película del Hombre Araña que empieza con “esos acordes” musicales no puede ser mala!



Reseña: Espacios en Blanco de Miguel Francisco Editorial Astiberri

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ESPACIOS EN BLANCO de Miguel Francisco
 “La vida es un soplo, gorrión un soplo”


Sinopsis:
Miguel Francisco es un joven dibujante de cómics que se ve obligado a emigrar a Finlandia en 2008 en pos de una vida mejor. Unos inicios duros en los que anda perdido y lejos de su hogar, y en los que vuelve a recordar las pocas historias que le contaba su padre sobre su infancia y juventud en la posguerra española y también el silencio hermético de su abuelo, que había emigrado a Argentina y había regresado justo en los duros tiempos de la dictadura de Primo de Rivera.

Miguel ahora tiene un hijo de seis años, y siente que le ha de trasmitir de alguna manera sus recuerdos, las pequeñas historias de su familia, no importa que no las tenga todas, no importa que haya... espacios en blanco.



Espacios en blanco funciona como una perfecta maquinaria engrasada que te atrapa ya en sus tres primeras páginas y no te suelta hasta la última. Un cómic con sus tiempos, sus silencios y su ritmo pausado cuando es necesario. Las historias de la guerra civil española y de la posguerra no son nada nuevo, y esto puede ser un hándicap, ya que muchos pueden descartar sin más esta obra por su temática, sobre todo debido a la saturación que hubo durante una época en el cine español de esta temática. Y sí, este es uno de los motores principales del cómic, pero no el único, y está narrado con una sensibilidad absoluta.
Las historias de miseria y supervivencia de su padre y su abuelo que recuerdaMiguel son presentadas, pero el autor que es el protagonista necesita saber más, necesita investigar el pasado, descubrir la verdad. Y que su hijo pequeño empiece a preguntar inocentemente, es el detonante para hacerlo todavía más y transmitir la historia como mejor sabe, o sea, a través de este cómic. ¡Veremos cuatro generaciones de Franciscos!

Hay muchas lagunas, muchos secretos familiares que no acaban de salir a la luz, o que son narrados a través de la vivencia de un niño. Pero como hemos dicho el cómic no es solo esto, es un relato sobre la crisis y el desencanto que a todos nos invade en algún momento. Preguntas que nos hacemos en voz baja, atreverse a salir de la zona de confort, la soledad, la paternidad, la incertidumbre, las miserias de la guerra pasada, vivir la vida, hastiarse, temas perfectamente hilvanados.


El dibujo es semi-realista, redondeado, caricaturesco y muy colorista. Directo, pulcro, con mucha expresividad y movimiento, no en vano el autor proviene del mundo de la animación. Páginas con una composición de múltiples viñetas y planos originales que ralentizan adecuadamente la acción, splash páginas que acentúan el mensaje, buenos detalles. Todo fluye y se lee fácilmente. Y comprobamos que Miguelsigue dibujando a las chicas monísimas de la muerte. Atención a la escena onírica a lo El día de la Bestia de Alex de la Iglesia, al que por cierto ha encantado la obra.

Espacios en blanco es una historia autobiográfica intimista. Sutil y llena de ternura aun con la dureza de lo que narra. Tristeza, melancolia pero tambien humor se dan la mano. Si te gustó La Casa de Paco Roca te encantará. 119 páginas más extras que te conmoverán y acabarás emocionado. ¡Bravo!


“Y si no estoy aquí para responder a todas tus preguntas, todo se perderá. Todas las historias que mi padre me contaba y las que su padre le contaba a él caerán en el olvido. Y junto a ellas desapareceremos todos. Y todo dará igual porque en el fondo nada es demasiado importante, tan solo son trocitos de vidas vividas en un mundo en el que cada día desaparecen millones de historias. Un mundo que él mismo ya no existe”


 Los que fuimos jóvenes en los ochenta podemos recordar las historietas de Miguel Francisco que con tan solo 16 años empezó a publicar en los tebeos de la última etapa de Bruguera y en Ediciones B. Series como Ricky y Los Desahuciados, Fernández y Billy Roca. Otras en extraños experimentos como Bichos, erótico-festivas más bestias en otras editoriales o ya con un estilo cartoon en la corta Zona X publicada por el Jueves. Ya en Bruguera y Ediciones Bsus historietas destacaban por tener un dibujo más moderno y sobre todo por como dibujaba a las chicas, las más sexy de toda la editorial. Después sus lectores le perdimos la pista cuando estas revistas fueron desaparecieron y es que pasó al mundo de la publicidad, de ilustrador y creativo para estudios como Mariscal, Cromosoma, o Afilm Dinamarca. Emigró a Finlandia en 2008 y siguió su carrera de animador y diseñador de personajes de videojuegos. Él ha creado la mayoría de Angry Birds. Recientemente ha vuelto a sus orígenes, o sea el cómic, con este Espacios en Blanco con el que seguramente obtendrá premios. Esta aventura se comenzó a gestar hace ocho años con ideas y bocetos, pero la producción de verdad empezó hace un año y medio trabajando en el cómic por las noches y fines de semana.


 Diferentes trabajos de Miguel en de los ochenta y principios de los noventa para Bichos, Mortadelo, Zona X...



Espacios en blanco
Miguel Francisco
128 páginas. Color. 16 euros.
Cartoné. 19 x 25 cm
Año de publicación: 2017
1ª edición
Sillón Orejero
Editorial Astiberri





Reseña: Anthology de Joan Boix / Boix Studio

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 Una portada elegante y una puerta misteriosa... Si la abrimos entraremos en...

Anthology de Joan Boixreúne diecisiete relatos cortos la mayoría de suspense y terror que nos llevaran a los lectores veteranos a los buenos tiempos de cabeceras ochenteras como Creepy y los nuevos lectores descubrirán piezas clásicas que tienen la maestría y la fuerza de estar bien narradas y mejor dibujadas.  Actualmente en España se editan pocas historietas cortas de terror. Un genero difícil pues el guión ha de ser bueno para captar la atención del lector en pocas páginas. Las reunidas en este tomo cumplen magistralmente y con diferentes estilos de dibujo de linea clara o recargadas. Pluma o pincel. Joan Boix sabe crear el ambiente adecuado, un ambiente frío, oscuro y misterioso para estas historias. Juega con los negros, con las manchas, las lineas, las sombras...Te sumerges ya solo disfrutando de la visión de los preciosos dibujos.

Fotografía de viñeta y página de esta edición limitada Anthology de Joan Boix

“Unas criaturas atormentadas, que delatan sus frustraciones, ansias y deseos, sus pecados, con un trazo preciso y expresivo, con un juego de luces y sombras que dota de dramatismo especial a su trabajo”  Antoni Guiral en el prologo del libro.

El libro en tapa dura esta muy bien editado, se nota la mano del señor de Amaníaco Ediciones y muestra el camino de autoedición que han de realizar algunos autores que quieren volver a ver sus obras publicadas  por el amor al medio. Este es un libro para coleccionistas que quieren tener estas historietas en papel de calidad y con buenos contrastes, pero sobretodo estaría bien que llegase a los lectores que desconocen la obra de este veterano dibujante, ya que algunas de las aquí contenidas  ya fueron publicadas en otros álbumes recopilatorios descatalogados como Tinieblas, Ensayos de Ficción, Sombrío…


Las historias de Anthology abarcan un periodo que va desde 1971 hasta 1990 y fueron publicadas en revistas como Dossier Negro S.O.S, Zona 84, Terror Gráfico, Creepy, Metropol… Aunque también  hay tres inéditas. El libro se complementa con 28 páginas de extras con ilustraciones y curiosidades y cuenta con dos prólogos uno a cargo del estudioso y divulgador de la historieta Antoni Guiral y otro del coleccionista y aficionado Juan A. Ros Miguel.


Anthology reune historias como El Ministro, su ulcera y el convenio con temas que aun no se han resuelto del todo hoy en día... Otras extrañas, como Socorrista. Otras poéticas , hermosas, con mala leche , con supense, con toques de humor, de terror y hasta de ciencia ficción...


 
¡Un tomo imprescindible para todos los amantes del buen cómic clásico y en particular del terror! Y además el autor lo entrega dedicado con un pequeño dibujo. ¡Que más quieres!


Joan Boix supo que quería dedicarse al dibujo desde que a los 14 años abandono los estudios con el firme propósito de dedicarse a ello. Antes tuvo que pasar por el trabajo en la pequeña tienda de sus padres en las que entre cliente y cliente dibuja de pie todo lo que podía. Mas tarde entra en la Editorial Bruguera y pasa a las agencias a dibujar cómic romántico para el extranjero. Como el mismo afirma esta basta producción le impide evolucionar y cuidar su arte. Por lo que decide crear el su propia obra tanto en guion como en el dibujo y ser el que ofrezca sus trabajos. Así nace Robny el vagabundoen 1976 impresionante obra de lectura obligada sobre las desventuras de un vagabundo en un mundo melancólico. Otra de sus obras mas personales y maravillosas es JonathanStruppy, el condenado del faro (1982) de las cuales se ha autoeditado ya tres álbumes (recopilados aquí), con un dibujo sin tantos negros, limpio y más actual. ¡Esperamos con impaciencia el cuarto!. Estas son obras de autor como Robny el vagabundo en las que puede cuidar los detalles y entretenerse al máximo en le dibujo.

Si te gustaba la Dimensión Desconocida...
Anthology de Joan Boix te espera.

Joan Boix ama la historieta y ha dibujado casi todos los géneros: bélico, oeste, ciencia ficción,humor, erótico, aventuras… También a dibujado cómics e ilustraciones de series míticas de dibujos animados como Masters del universo, She-ra...
Fue el dibujante de una de las últimas y polémicas historias de El Capitán Trueno con un dibujo fiel al de sus creador Ambrós y lleva más de 17 años dibujando El Hombre Enmascarado pero desgraciadamente no podemos disfrutar de este trabajo por estas tierras.

ANTHOLOGY de JOAN BOIX
BOIX STUDIO 
TAPA DURA / b/n
134 páginas
32 euros con envio incluido
Este tomo solo se puede conseguir a traves de su autor.
Además Joan Boix sortea esta pagina original de El Hombre Enmascarado
  entre todos los que adquieran el tomo





Álbum de cromos: Marvel Superhéroes Panini

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Acaba de salir la venta el muy recomendable álbum de cromos Marvel Superhéroes. Empieza nuevamente el tengui tengui falti!!!

Si los que tienen entre 25 y 60 años hubieran tenido este álbum de cromos en su infancia hubiesen alucinado pepinillos. Hace tiempo que me preguntaba porque Panini no publicaba un álbum a lo grande de cromos genérico con los superhéroes Marvel. Ahora era el momento ya que estos personajes han llegado a todos los públicos gracias a las películas y son más populares que nunca.

El álbum de cromos Marvel Superhéroes se compone de 48 paginas y 228 cromos repartidos en 120 cromos normales, 24 plateados, 24 en relieve, 24 troquelados y 36 trading cards. Es un álbum robusto pues tiene lomo, no es de grapa, y por primera vez se ha aumentado el gramaje de las hojas pues en todos los demás álbumes Panini parecen estar hechos de papel de fumar. Además contiene 4 páginas de fundas transparentes para colocar las trading cars. Un álbum bastante espectacular y nada que ver con el más flojito el mundo de Batman.


El álbum repasa los superhéroes punteros Marvel pero sin olvidar los menos conocidos e incluso lo de nuevo cuño. Se explica brevemente los momentos más importantes de su historia comiquera. Hay también un apartado para los acontecimientos Marvel y un cómic homenaje a los 75 años de la editorial en los que hay que pegar los cromos troquelados,  algo que siempre gusta a los niños.

Los cromos son vistosos con ilustraciones y viñetas tanto antiguas como modernas. Algunas reproducen míticas portadas. Se ven nítidos. Los cromos  uno y dos han sido reservados para dos de los grandes creadores de este mundo: Stan lee y Jack Kirby. Aunque se echa en falta algún cromo más dedicado a los grandes guionistas y dibujantes, pero el álbum va más a por el gran espectáculo de color y lo logra. Las trading cars de cartón plastificado reproducen emblemáticas portadas y son de un tamaño mayor que el de los cromos normales.

Dos grandes de Marvel. 
Y tres cromos especiales realizados por autores esapañoles:  
Carlos pacheco, Salva Espin y David lópez

Panini ya había lanzado un álbum mucho más completo en la parte documentada con buenos textos que solo se podía conseguir completar, comprando algunos de los cómic Marvel mes a mes que publica. Pero este álbum solo llegaba a los lectores de cómics, en cambio este llegará a todo el mundo. De todas formas esperemos que algún día se decidan a lanzar estos cromos en sobres, sin obligarte a comprar los diferentes cómics de grapa en donde aparecían.

Volviendo al Álbum Marvel Superhéroes vaticino que va a ser un gran éxito y que esta claro, que no solo coleccionaran niños, sino también adultos. Una colección que todo fan Marvel tendrá con seguridad y los niños recordaran con nostalgia este colosal álbum cuando sean mayores y lo pierdan.
 

MARVEL SUPERHEROES
STICKER ALBUM PANINI
Cada sobre contiene 5 cromos y una trading card.
Precio: 1 euros el sobre ( ¡Madre mía aquellos tiempos en que costaban entre 5 y 25 pesetas!)
El álbum cuesta 5 euros y viene con 4 sobres y 5 cromos especiales limitados.
Cantidad invertida estimada para completar el álbum 60 euros.


Super Mortadelo en 1987

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En 1987 Super Mortadelo de Ediciones B era una muy recomendable revista juvenil con los nuevos valores dandolo todo y los dibujantes de siempre. ¡Risas aseguradas gracias a estos sacrificados dibujantes! Una publicidad original deRamis:

Reseña: Blueberry Edición Coleccionista Planeta DeAgostini

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El western siempre ha sido un género que ha atraído a todos los públicos. El cine se encargó en el pasado de potenciarlo, pero es en los cómics donde se han dado grandes obras del oeste. Tenemos, por citar algunas, Jerry Sring (1954) de Jijé; el divertido Lucky Luke (1955) de Morris; Comanche (1969) de Greg y Hermann o Durango (1981) de Yves Swolfs. Pero si hay una obra magna, clásica y posiblemente la más famosa del oeste en formato cómic, esta es sin duda, Blueberry(1963). Así pues, los lectores ávidos de acción, violencia, erotismo, amor, justicia y de la ley salvaje del oeste no pueden dejar pasar el coleccionable Blueberry que ha lanzado Planeta DeAgostini.


La colección se compone de 55 tomos encuadernados en tapa dura con lomo de tela. Cada álbum contiene una aventura completa. Además por primera vez, y tal como también se está realizando con la recomendable colección deLucky Luke de Planeta De Agostini, cada tomo se complementa con seis páginas de extras donde se habla de la serie, de sus autores, de los personajes y del lejano oeste. Estos dosieres aportan muy buena información. Espectacular la doble página contenida en el dossier del tomo tres dibujada por Giraud que reproduce la publicada en Pilote nº 363 de 1966.

Los primeros cinco álbumes forman una historia completa de más de 250 páginas donde veremos a Blueberry intentando detener una guerra entre las tropas federales y la tribu de Cochise. Jean-Michel Charlier se documenta bien y nos ofrece un relato apasionante y adictivo, con personajes reales y en algunos pasajes fiel a la realidad histórica en que se basa. Todos los escenarios y  situaciones del western americano se nos presentan en esta gran aventura: negociaciones, traiciones, camaradería, duelos, secuestros...
Un heroe con el rostro inicialmente de Jean-Paul Belmondo

Los lectores habituales de cómics ya conocemos la grandeza de esta obra, pero al ser una edición especial de kiosko puede llegar a nuevos lectores y esto es algo genial. Además la colección está cuidada,  bien editada y por primera vez se edita de forma cronologica.

Pilote era una revista de cómics franco-belga pionera por publicar historietas seriadas de un carácter más juvenil y adulto. En 1960 el guionista belga Jean-Michael Charlier ya conocía el éxito con el cómic Michael Tanguy, que narraba las aventuras de dos pilotos de guerra, pero en 1963 crearía Blueberry, una de las series de cómic francesas más importantes de todos los tiempos. Solo le faltaba el dibujante. Primero pensó en Jijé, pero al tener este una sobrecarga de trabajo, le presentó a uno de sus alumnos más aventajados, Jean Giraud, que resulto también ser un apasionado del oeste. El dibujante mostró su valía en la primera historia del personaje titulada Fort Navajo, aunque su dibujo fue volviéndose más potente, preciso y atractivo a cada nuevo tomo, lleno de detalles y planos muy cinematográficos. Lo podréis comprobar haciéndoos con esta colección.


Blueberry es un teniente de caballería caradura, aventurero, impulsivo, indisciplinado pero con un hondo sentido del deber, de hacer lo correcto. ¡Un anti héroe! Blueberry es gracias a los guiones de Michael Charlier y el dibujo de Giraud un western sucio, a veces oscuro, ¡Casi puedes sentir el relinchar de los caballos y el polvo del oeste al sumergirte en su lectura!

Western profundo y ya clásico muy bien documentado y de una fuerza dramática excepcionalAntoni Guiral. Del Tebeo al Manga. Una historia de los cómics. Tomo 9. Panini

En 1968 Michael-Charlier inició una colección paralela que narraba la juventud de Blueberry, aunque Giraud no pudo seguir el ritmo de las dos y fue sustituido por Colin Wilson con un dibujo muy parecido. Giraud aún realizó una tercera colección Marshall Blueberry, pero esta vez solo al guión. Estas tres series diferentes se podrán disfrutar en esta edición especial de Planeta.


 Extracto del dosier nº 3

 Leer Blueberry es volver a la leyenda del oeste, donde todo no era blanco y negro, vivir su historia y desde el punto de vista de diferentes personajes. El ferrocarril, los indios, la guerra civil norteamericana, la fiebre del oro... todo está en sus páginas. Os dejo con unas apropiadas palabras de Francisco González Ledesma sobre el oeste. Ledesma fue un escritor prolífico de bolsilibros del oeste y muchas otras novelas:

¿Por qué unas aventuras que forzosamente han de situarse en el siglo pasado- la mayor parte  transcurren entre 1860 y 1870, y casi ninguna es posterior a esa última fecha- mantienen su vigencia en nuestro mundo de los viajes interplanetarios, la electrónica y la energía nuclear? Por la sencilla razón de que el mundo del oeste reúne unas características que lo hacen único: hay descubridores de un continente, hay pistoleros solitarios, tierras sin ley, ciudades salvajes, indios que defienden sus tierras y, para que nada falte, las primeras armas de tiro rápido y la primera gran guerra de los tiempos modernos. Ninguno de nuestros mundos de evasión puede superar las características de este mundo rigurosamente verídico”. Gente de cómic n.º 13 Ledesma
BLUEBERRY EDICIÓN COLECCIONISTA
PLANETA DeAGOSTINI
TAPA DURA / 55 PAGINAS / COLOR
11,99 euros cada tomo
54 TOMOS
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Un fuerte aislado, la caballería, los indios, y en medio, un hombre al que le gustan el juego, los cigarros y el alcohol. Un modelo de indisciplina. Un individualista puro (…) Inoportuno pero imprescindible, alborotador contumaz y ,aún así, garante de la paz.” Extracto del Dossier del tomo 3 de esta Edición Colecionista.
Bienvenidos al mundo de Blueberry,
 ¡un mito del cómic!


Club revista Guai

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Los más veteranos artistas de Bruguera se pasaron en 1986 a la editorial Grijalbo: Ibáñez, Raf, Segura, Martz Schmidt. La marca de la revista volvieron a ser unos personajes deIbáñez: Tato, Chicha y Clodoveo de profesión sin empleo y aun de rabiosa actualidad.
La revista se completaba con personajes del cómic europeo Asterix, Lucky Luke, Iznogud, Tomas el Gafe, Blueberry. Nada que ver con la mayoría de revistas de humor Bruguera. La calidad era excelente (al menos hasta que perteneció a Grijalbo).

Además formaron un Club entre los lectores seguidores de la revista. Participando en un concurso obtenías el carnet del Club Guai!. Una forma de sentirte mas parte de la revista y con la posibilidad de participar en sorteos.. Algo que ya no se destila. 
Como buen coleccionista conservo la carta, sobre y el carnet. Aunque el mostrado es una fotocopia que ¡aún llevo en mi cartera! 



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