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Salvador Larroca en Comics Forum

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Salvador Larroca tiene un Eisner en su haber y hace unos años Marvel hizo un listado de dibujantes a los que consideraba referentes artísticos, vamos los arquitectos de la editorial. Ahí estaban gente como John Romita,Stuart Immonen y el mismo Larroca. Por los lápices del autor han pasado casi todos los personajes Marvel y en este póster aparecido en el tebeo de Spiderman de Cómics Forum ya daba vida a varios.



 Spiderman nº 284 / 1993

Cómic de ayer, hoy y siempre: Las Nuevas aventuras de Indiana Jones / cómics Forum

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En tiempos en que los medios de comunicación nos machacan continuamente las meninges con noticias cada vez más espeluznantes, por lo reales (propias de los antiguos libros policíacos, de ciencia ficción o de aventuras que encontrábamos de pequeños, escondidos o guardados en las buhardillas o estanterías de nuestros padres, abuelos o hermanos), estos mismos medios de comunicación nos envuelven en papel de celofán, a punto de consumir, el mundo de la aventura que aún sigue presente; el mito de la aventura y su búsqueda fallida en tantas ocasiones.(…) Así como hasta su muerte, en cualquier película del oeste, esperábamos ver en cualquier momento la aparición de John Wayne ahora, indiscutiblemente, en cualquier película o cómic de aventuras esperamos inconscientemente la aparición de nuestro héroe: Indiana Jones.  Leer para creer, estas palabras  fueron escritas en 1984 por Pascual Giner diseñador de la revista Cairo en un articulo en el número 15 de Las Nuevas Aventuras de Indiana Jones de cómics Forum


Las cuatro películas de Indiana Jones son un canto al cine de aventuras, a volver a sentirse niño y a disfrutar de la aventura clásica en estado puro. El héroe, la chica, los malos y el peligro, están presentes en mucha literatura pulp y cine de entretenimiento, pero conjugar todo esto y crear magia y disfrute en cada fotograma es muy difícil y la trilogía original lo consigue en todo su esplendor. Estas películas son una montaña rusa de diversión y emoción, con un Harrison Ford en su plenitud, da igual las veces que las hayas visionado: volver a estas películas nos hace felices.


La película original se gestó justo después del estreno de La Guerra de las Galaxias, para los más mayores, Star Wars para el resto. Steven Spielberg y George Lucas, estando de vacaciones, hablaron sobre que les gustaría ver una película al estilo de las de James Bond, pero con el aroma de los viejos seriales cinematográficos que ocurrían en escenarios exóticos y siempre con imaginativas escenas de acción.  Lucas ya tenía la idea de que el héroe sería arqueólogo, con sombrero y látigo e, incluso, sabía cual sería la última escena de la película, pero no quería dirigir el film. Mucho después, se reunieron con el guionista Larry Kasdan y en unos unos cinco días fueron surgiendo las ideas velozmente, a tres bandas.  La idea del Arca perdida de la Alianza fue del director y guionista Philip Kaufman.

Y, como era habitual en la década de los ochenta, toda película exitosa tenía su versión en cómic y la primera que lanzó una colección, la cual considero la mejor, fue Marvel en 1983 dos años después del estreno de En busca del Arca Perdida. La serie, que apenas duró 35 números, estuvo unos tres años en activo y aquí se pudo ver en su totalidad gracias a cómics Forum por primera vez en 1984.Las nuevas aventuras de Indiana Jones / The further adventures of Indiana Jones (aunque los tres últimos se publicaron mucho más tarde, en otra colección maxiserie que los recuperó todos). El presente artículo es un homenaje a esta serie de cómics que a mí me encantó en su día, me hizo pasar buenos momentos y, releída otra vez, sigue siendo igual de válida que entonces.


Los cómics de Indiana Jones empezaron con la adaptación oficial de la película en formato mini serie en la que intervinieron grandes figuras del noveno arte como Walt Simonson al guión, John Buscema al dibujo, Klaus Janson a la tinta, y Michelle Wolfman al color. Como casi siempre, la adaptación en cómic varía un poco de lo que se acabó rodando al final, y tampoco es que fuese muy espectacular esta miniserie en conjunto. Esta adaptación casi no se llega a realizar porque el editor de Marvel, Jim Shooter, no quería lanzar esta serie de productos derivados a lo loco, básicamente por cuidar un poco lo que se publicaba, y no veía el guión de En Busca del Arca Perdida muy consistente, hasta que pudo ver, en un pase, los primeros 25 minutos de la película. Evidentemente, con el éxito de la película Marvel se lanzó a la serie regular, aunque... ¡Dos años después!


Esta serie de cómics no tuvieron el éxito merecido, tal vez porque no eran del género superheróico y estaban muy encorsetados según el cánon creado del arqueólogo en la primera película. John Bryne fue el primero en guionizar y encargarse de los bocetos de los primeros dos números, pero abandonó la serie debido al férreo control y poca libertad que ofrecía Lucasfilm. El principal problema de la serie es que por la misma pasaron diferentes guionistas y, sobre todo, un montón de dibujantes que daban su versión más acertada o no de Indiana Jones. Visto ahora, hubo un plantel de lujo: guionistas como Denny o´Neil, Archie Goodwin, Larry Lieber, Linda Grant David Michelinie, y dibujantes como John Bryne, Ricardo Villamonte, Terry Austin, Danny Bulanadi, Luke McDonnell, Joe Brozowski, Ron Frenz, Howard Chalykin, Herb Trimpe (como guionista y dibujante), Kerry Gammill, David Mazzuchelli, por dios, si hasta estuvo el creador visual y dibujante inicial de Spiderman¡Steve Ditko!. Todos daban su versión del Doctor Jones con mayor o mejor fortuna pero, claro, visualmente eran muy diferentes. Los episodios eran en su mayoría  autoconclusivos y eso lastraba el introducir una consistencia, subtramas que hicieran más rica la historia, una evolución... David Michelinie si que dió un poco de consistencia con algunas pequeñas sagas, como  En Busca de Abner.

Lo que sí tenían estas historietas es que eran muy buenos cliffhanger, situaciones de peligro que plasmaban en unas splash page en las que podías casi sentir la banda sonora de John Williams al leerlas. Aquí podréis ver la garra de varias de estas páginas. Estas historietas no seguían las películas, el cómic seguía en marcha cuando se estreno El Templo Maldito, pero personajes como Marion Ravenwoody Marcus Brody entre otros, iban apareciendo y captaron, a pesar de las dificultades, el espíritu aventurero de las películas. Las nuevas aventuras de Indiana Jones eran cómics irreales en el argumento, pero presentaban muy bien esa aventura soñadora romántica, protagonizada por un simple hombre que con su ingenio, tenacidad y dósis de suerte, se libraba de la muerte en el último momento. Un arqueólogo que sabíamos saldría airoso de las situaciones de peligro de la manera más increíble. Era como una versión, aumentada en presupuesto y actualizada, de aquellos cómics de El Capitán Trueno o el Jabato en que el héroe siempre deshacía entuertos. Pienso que  estos cómics sí  captaron la esencia de la primera película ofreciendo historietas en que Indiana Jones rescataba piezas arqueológicas,  artefactos y objetos místicos, se enfrentaba a monstruos mitológicos de otros tiempos, coleccionistas malvados, traficantes de arte… Y sí, con poco fundamento histórico,  pero tenían buen ritmo, buenas composiciones de página y enganchaba y enamoraba su lectura. También ayudaba el efecto de las entonces sólo dos películas, que ya nos tenían conquistados.


Comics Forum los publicó primero en el formato americano, o sea un solo episodio por número, pero después de incluir en los números once  y doce  la mencionada adaptación oficial de la película En Busca del Arca Perdida, optó por el formato habitual de un episodio completo y unas once páginas del siguiente. Según leí en una ocasión, ese formato fue el impuesto por Planeta a la hora de publicar las primeras lineas de cómics Forum, porque era el único que les ofrecían y se tenían que amoldar a este, para poder editar. La publicación se completaba con artículos sobre añejos tebeos españoles protagonizados por héroes y artículos sobre qué es la aventura, englobados bajo el sugestivo titulo La aventura de ayer, de hoy y de siempre... Los cómics tenían correo de los lectores. 

Hubo un polémico número trece de la colección americana que se incluyó en los números 13 y 14 de la edición española en que Indiana Jones visitaba la Barcelona de aproximadamente 1936. Y esta Barcelona era representada como un poblado mejicano fronterizo, con gente yendo en burro, tunantes, herrerías a pie de calle, gente con boleadoras y, por supuesto, toros salvajes que se escapaban con banderillas puestas y todo. Barcelona como un decorado de un viejo serial de El Zorro, fueron dos episodios muy lamentables guionizados por David Michelinie y muy bien dibujados por Kerry Gammill. Pero aún con todas estas licencias descabelladas, los episodios presentaban emoción y  enganche.


En 1990 Marvel perdió los derechos del personaje al que tampoco estaba sacando mucho rendimiento y pasaron a manos de Dark Horse, pero eso es ya otra historia. Los de Dark Horse fueron bastante diferentes y englobados en mini series. Si la aventura es ir y que pasen muchas cosas, una frase que creo, es de algún articulo de la colección y que se me quedó grabada, el cómic Las Nuevas aventuras de Indiana Jones, lo cumplía a rajatabla.

Disfruté tanto leyendo estos cómics que en un viaje a la Comic-Con de Nueva York en mi otra vida, conseguí esta magnífica pieza, que es la página original del último número de la colección de cómics Forum.
Dibujo: Ricardo Villamonte / Entintado: Danny Bulanadi
Y la aventura continúa...

Cómic de ayer, hoy y siempre : El coche Fantástico / Mc ediciones

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El coche Fantástico (Knight Rider) se estrenó en 1982 en Estados Unidos y, tres años después, llegó a España. El avispado productor Glen L. Larson volvió a crear una serie sencilla en el concepto y que, por mucho que nos riamos ahora de ella, encandiló a todo el mundo en este país a mediados de los ochenta.

Michael Long es un policía infiltrado en una misión que acaba mal y es dado por muerto al ser disparado en plena cara. El millonario Wilton Knight le salva la vida, le da un nuevo rostro y una nueva identidad: Michael Knight(David Hasselhoff). Ya de paso, también le hacen entrega de un nuevo coche mejorado: Kitt.  Todo esto, a cambio de que luche contra el mal en  La Fundación para la ley y el orden

 Póster incluido en el cómic

Esta organización, presidida por el millonario Knight, ha creado este coche capaz de saltar, atravesar paredes, intervenir  llamadas telefónicas y operaciones bancarias y, por encima de todo, hablar y pensar. Michael Knight pasará a las órdenes de Devon Miles (Edward Mulhare), y el vehículo al cuidado mecánico de Bonnie Barstow (Patricia McPherson).  Y después de esta flamante entradilla:  El Coche Fantástico es una trepidante aventura de un hombre que no existe en un mundo lleno de peligros. Michael Knight, un joven solitario embarcado en una cruzada para salvar la causa de los inocentes, los indefensos, los débiles, dentro de un mundo de criminales que operan al margen de la ley. Michael y Kitt se  lanzaban en cada capitulo a resolver un caso de extorsión, asesinato, delincuencia  o lo que se terciase…

La serie duró cuatro temporadas y, como era habitual, gozó de su formato en cómic, pero esta vez ni Marvel, ni ninguna otra editorial americana estuvo detrás del cómic. El Coche Fantástico fue un cómic producido en Inglaterra a través de la revista Look-in. Esta revista  era como una especie de Tele-Indiscreta pero centrada en las estrellas televisivas y pop del país y fijándose también en los éxitos de la pequeña pantalla extranjera. Look-in empezó su andadura en 1971 y la finalizó en 1994. La revista contenía entrevistas, concursos e introdujo los cómics de producción propia de licencias como El Equipo  A, La mujer Bionica, el Hombre de los seis millones o la que nos ocupa, El Coche Fantástico. Cada revista incluía unas pocas páginas del cómic, en varias partes, dependiendo de la duración de la historieta. Entrado ya el año 1987 en España, la editorial MC Ediciones, editorial que aún existe, viendo que todo el mundo publicaba cómics, decide hacer lo mismo con los cómics británicos de 2000 AD, Dan Dare, Juez Dredd y varios más de ciencia ficción o terror publicándolos en sugerentes títulos como Ultramundo u Hora Cero. Pero el material lo publica con una desgana total, colores bastante horribles,  sin correos y con poca calidad de reproducción. Los tebeos parecían salidos directamente de los años setenta y estaban a años luz de los presentados por editoriales como Forum o Zinco.


Mc decide recopilar estas historietas de Knight Rider de la revista Look-in lanzando el cómic semanal El Coche Fantástico. Entre que el cómic era ya flojo de por sí, mal imprimido, algunas historietas de risa, y los complementos con algún artículo sobre la serie muy sencillos, la cosa no pasó del numero seis.

Los cómics seguían el espíritu de la serie resolviendo casos policiales, aunque con algún capítulo vergonzoso en que Kitt se enamora de “una coche”… Las historietas no estaban acreditadas, salvo en unas cuantas en que se coló la firma de  Phil Gascoine  (1934-2007), dibujante británico que sí supo plasmar en dibujos la serie de televisión, y no era tarea fácil.  Daba bastante movimiento a Kitt y su dibujo era más detallista, comparado con otros dibujantes en los cómics. Elevaba un poco el nivel de calidad de la serie con su profesionalidad. No en vano, el autor estuvo más de cuarenta y cinco años trabajando en  cómics de chicas como  BuntySchool Friend y Jinty  o juveniles como Batlle Action y también paso por la Marvel en series como El castigador o Los Caballeros de Pendraron e, incluso, en Vértigo de la DC con HadeThe Changing Man .


El Coche Fantástico fue un cómic muy kitch ya en su momento, pero queda como reflejo de que se puede adaptar en viñetas casi todo, por muy difícil que parezca,  aunque no siempre brillantemente.  Hace un tiempo llegué a conseguir una página original de Phil Gascoine de dicha serie y aquí os la muestro.


Pero si queréis gritar de horror… Hubo un álbum de cromos...

Crítica cómic: Tricia Cosas de Casa de pedro Pérez

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Pedro Pérez empezó como intercalador en películas de animación y allá por 1997 pasó a realizar el trabajo de preproducción de los storyboards, que es dibujar el guión de la película como si de un cómic se tratase. Así pudimos ver su mano en films como Planet 51, Las aventuras de Tadeo JonesAtrapa la Bandera. El autor compaginaba este trabajo con el cómic y la ilustración y decide crear un webcomic sin ninguna presión por divertimento y protagonizado por una pin up muy especial: Tricia. Las bases eran las siguientes: Tricia era una dibujante de cómics muy exuberante y sensual, pero muy inocente y que quiere ganarse la vida en el mundo del 9º arte en el que la mayoría son hombres.


Las primeras páginas tuvieron una amplia respuesta en Facebook y los seguidores demandaban más aventuras de la joven. En 2015 aparece el artbook del personaje de la mano de Ominiky Ediciones y ante la demanda se publican sus cómics en dos tomos:Tricia y Tricia en Barcelona. Este último acontecía en el Salón del Comic de esta ciudad y es muy divertido si estas en este mundillo.

La página Facebook de Tricia cuenta con más de quince mil seguidores y la italiana más de tres mil, ya que el cómic se ha publicado también en Italia y Holanda.


Ahora llega un tercer cómic titulado Tricia Cosas de Casa y auto publicado por Pedro Pérez, sin crowdfunding, ni nada, bajo pedido, a la aventura como haría la propia Tricia y es una gozada visual como los anteriores. Los cómics de Tricia, no se puede negar, entran por los ojos en dos segundos, esa maravilla de dibujos cartoon, esos colores vivos, esa sexualidad desbordante que rezuma Tricia en casi cada viñeta. Un cóctel muy explosivo, al que hay que añadirle un muy buen sentido del humor.

Tricia cosas de casa nos presenta historietas autoconclusivas de una sola página, aunque alguna trama se prolonga algo más y, claro está, prima el chiste final. En esta ocasión veremos su vida compartiendo piso con su amiga, los problemas con las diferentes mascotas, el vecino adolescente salido, los editores, y su afición a los cómics, el merchandaising y los videojuegos. Sigue habiendo guiños a esa cultura popular que amamos. Aunque menos interioridades y vivencias del mundo editorial presentes en los otros tomos.


Tricia sigue siendo sensual, erótica, inocente y dulce (duerme con chupete) y una furia, con toda la razón, si se propasan con ella. Sí, es que la Tricia de Pedro Pérez lo tiene todo para enamorar al lector. Personalmente a mí me me recuerda, sin ser para nada igual, a la Falbala de Astérix, incluso en alguna viñeta que besa a su mascota. Aunque según el propio autor Tricia es un cruce de un personaje llamado Yenny que realizaba con Dave Álvarez, de otro llamado Mandy de Dean Yeagle y de su propia cosecha e inspiración. De todas formas personajes femeninos inocentes pero picantes y humorísticos en el mundo del cómic siempre ha habido, ahí tenemos laDolly de Blas Gallego, la Lola de Iñigo, o el Sexy Humor de Enrich.


Pedro Pérez domina la anatomía femenina y mueve a los personajes como si tuvieran vida, sus rostros son de una expresividad exquisita. No podemos dejar de recomendar este último álbum que además es directo del autor, sin intermediarios y supongo que pudiendo ganar algo más con su venta. Una venta, por cierto, muy limitada en el tiempo. Así que ya sabéis, si queréis pasar un rato divertido sin más y disfrutar de unos dibujos que enamoran… Tricia Cosas de casa.

TRICIA COSAS DE CASAde Pedro Pérez
 48 Páginas / Color / Tapa blanda / 18 €


Portadas e historietas poco apropiadas: Mortadelo Gigante nº 14 / Mortadelo de Ibáñez / Heny y Ketto Detectives de Escobar

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Hemos avanzado mucho como sociedad en cuanto a racismo y violencia de genero, pero siempre  queda camino por  recorrer. No hace muchos años atrás el racismo no era considerado ni eso en muchos ámbitos y el cómic no se libraba de representar situaciones o actitudes consideradas normales entonces. Tenemos aquí esta portada de Mortadelo Gigante de 1974 y que también se utilizó posteriormente en un Olé y que hoy seria de delito publicarla. El mismo Francisco Ibáñez en los ochenta publicaba esta portada en que Mortadelo pellizcaba el culo a Ofelia disimuladamente pero con una sonrisa en la cara.  Hoy esta portada sería también de delito. Afortunadamente las sociedad mejora. 

 Mortadelo Gigande nº 14 / 1974

Mortadelo nº 170 de 1984

Presentamos otro ejemplo menos conocido y esta vez de la mano de José Escobar, el entrañable padre de Zipi y Zape. Recomiendo leáis esta historieta publicada en la revista infantil Nicolás en 1950 y que incluye hasta asesinato de la mujer, entre otras “lindezas” . Recordad que tiene setenta años la historieta. Heny y Ketto Detectives era una serie regular de Escobar en que este planteaba un caso a resolver a sus jóvenes lectores. Era una clara parodia de Sherlock Holmes en que Heny era Sherlock y Ketto era el Dr. Watson.

 Clickar para ver en grande.


Freelancers de Roger Bonet e Iván Arnal / Unrated Comics

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Freelancers es un cómic maldito! Y como todos los cómics malditos hay que buscarlo y tenerlo. Freelancers empezó su andadura en Inglaterra en enero de 2017 a través de WP Cómics que publicó el primer número. Ese mismo año  la asociación Carmona en viñetas se hacia con los derechos y publicaba los dos primeros números en una sola grapa y ahí dejaron languidecer el cómic. El supergrupo Freelancers caía hacia 2019 en manos de la pequeña editorial Unrated Comics   y nuevamente una larga espera que se rompe con la presentación oficial en Valencia Salón del Cómic 2020 del primer número  (por tercera vez) y con una buena acogida en el certamen. Así que ya teníamos en marzo la nueva grapa de Freelancerslista para ser distribuida en las tiendas de cómic, en claro esta, pocas cantidades en cada una y posiblemente no muy visibles. La tirada ha sido de mil ejemplares. Luego una especie de virus mutante impide la distribución del cómic… Bienvenidos al mundo de Freelancers.


 
Freelancers  es un guion parido hace muchisimos años por el guionista y dibujante Roger Bonet y que descansaba en un cajón olvidado. Como excusa para que el nuevo talento Iván Arnal se foguee se ponen juntos manos a la obra...  El cómic ha ido creciendo y ya es una mini serie de seis números, en las entregas inéditas esta trabajando en la parte gráfica otro nuevo talento emergente que dará que hablar: David Antón.

Freelancers nos presenta un variopinto grupo de superhéroes que luchan por el bien de Giant City. La corporación Lancers es la que maneja a este supergrupo, ellos los patrocinan y se encargan de trasmitir todos sus movimientos como les conviene por televisión. En un mundo globalizado con el triunfo de los reality show como Gran Hermano, Supervivientes o programas como Sálvame, donde nada es lo que parece, ¿Por qué no iba a pasar lo mismo con los Freelancers?

Freelancersempieza como un tebeo de súper héroes al uso. Jugando con humor con las convenciones más clásicas del género, esa creación del Daikaiju Dios de la Pestilencia, la presentación en una viñeta de toda la plantilla superheroica con las historias de sus origenes. Freelancers bebe de cómics como The Boys de Garth Ennis pero sin llegar a la crudeza de este, con más sutileza. Incluye referencias de humor muy hispánicas y sobre todo ese guiño a los cómics clásicos de los Transformers...


Iván Arnal ha trabajado como diseñador gráfico e ilustrador, y ya trabaja para el mercado extranjero y poco tiempo ha tenido para continuar con el cómic por lo que solo podremos ver su arte en el siguiente segundo número.  Arnal nos ofrece una buena acción épica y clásica superheroica justo lo que pide este cómic.

El cómic puede que ya no sorprenda tanto en el enfoque con series actuales televisivas como The Boys.  Lastima que Freelancers no saliera mucho antes, pero darle una oportunidad,  os divertiréis y apoyáis a la paupérrima industria hispana comiquera. Eso sí, si encontráis este cómic maldito…

FREELANCERS
Nº 1 / 2,50 € 
Grapa / 24 páginas
Guión: Roger Bonet / Dibujo: Iván Arnal / 
Color: Rafa Barragán / Rotulación: Henar Casal 
Unrated Comics




Proyector Jomakin de Jomax / Bruguera

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A mediados de los setenta la popularidad  de los personajes Bruguera estaba en su apogeo.  Es por ello que la empresa Jomax S.A de Bilbao entre aproximadamente los años 1968 y 1974 comercializó el juguete Jomakin, un proyector de diapositivas, para que los niños con ansias de dibujar pudieran calcar a sus personajes favoritos Bruguerianos u otros dibujos variados de animales y paisajes.  Se aprendía  a dibujar, en este caso, siguiendo el trazo y ademas a los negados en la materia, les quedaba el dibujo chulo... ¿Que más se podía pedir en aquellos años?




Ramón Sabatés / álbumes Toray / Vacaciones Felices /

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Ramón Sabatés fue uno de los dibujantes del TBO que se hizo popular con la sección Los grandes inventos del TBO a partir de 1960, cuando falleció su guionista Joaquim Buigas. La sección ya estaba en marcha desde el año 1920 pero realizada por el dibujante Urda y posteriormente por otros dibujantes. Lo bueno de Sabatés es que como era perito mecánico muchos de los inventos presentados eran factibles de realizar y algunos los construyó el mismo en la realidad. Los grandes inventos del TBO continuaron en Ediciones B hasta 1990. Ramón Sabatés publicó historietas en Bruguera y en muchas otras editoriales. También en diarios como La Vanguardia, El Periódico de Catalunya y revistas como lecturas. Y no solo cómics, ilustró portadas de novelas, cuentos y dibujó hasta cromos. Su obra se publicó en muchisimos países como Francia, Italia, Suiza, Estados Unidos, Alemania, Inglaterra… Y hasta Japón. Toda una gran carrera que se inicio con tan solo doce años cuando sus primeros dibujos aparecieron en el diario El Matí y más tarde en la revista Radio Barcelona.
La editorial Toray lanzó estos cómics infantiles de diez paginas en 1961 protagonizados por dos niños Quique y Pitusa. Las portadas como podéis observar son muy evocadoras de tiempos pasados.

Albumes Toray / 1961 / nº 1
 Guión: E Sotillos / Dibujos: Sabates



Comics de ayer, hoy y siempre: Ultramundo El terror Futuro / Survival / Supervivente de Barrie Tomlinson y José Ortiz / Mc Ediciones

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Ultramundo fue una revista publicada por MC ediciones de 1987 que se apuntó sin tener mucho recorrido al carro de publicar cómics. Ya vimos que el magnifico cómic El Coche Fantástico de MC ediciones que duró seis números. Ultramundo tenia más calidad en sus historias pero solo llegó al número siete. Tan sugerente titulo escondía historietas cortas de diversas series británicas y de continuará prolongado. También se incluyeron algunos relatos auto conclusivos de la serie Shocks de la famosa revista británica 2000AD . Las series llargas provenían de la longeva Eagle que fue una revista de historietas británicas variadas de vertiente fantástica, y de ciencia ficción publicada por Hulton Press e IPC Magazines entre 1950 y 1969 y entre 1982 y 1994. De esta revista, la española Ultramundopublicó tres títulos: El Hombre Muerte, Doomlord y la que nos ocupa: Superviviente. Estas tres series aparecían desde el primer número de Ultramundo sin mediar ninguna explicación, ni una presentación. Los lectores se encontraban con dos personajes El Hombre Muerte y Doomlord que ni sabían de donde salían, ni sus orígenes, sin embargo la historia Superviviente empezaba desde su inicio y se comprendía sin problemas y ademas enganchaba con contundencia. Ninguna de estas tres series venían acreditadas en la edición de Mc.

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Doomlord trataba de un extraterrestre que juzgaba el derecho de la humanidad a existir y fracasaba en su intento de ejecutar a la humanidad. Este es un cómic curioso pues empezó en 1982 como fotonovela en blanco y negro con actores de verdad, y en nuestro país fue publicada en la revista Mortadelo y Rompetechos con su primer nombre original Exterminius y por capítulos hacia 1985. Cuando la revista Eagle se relanzó en su número 79 esta serie se transformó en formato cómic y es la que se publicó en la revista Ultramundo. En la versión en cómic el extraterrestre se transformaba en un agente del bien al servicio británico.



El Hombre muerte / Blake Edmonds (Death Wish) era un piloto de carreras que queda horriblemente desfigurado en un accidente y como el Doctor Doomesconde su cara tras una máscara y se convierte en un defensor de la justicia y colaborador de la policía. La serie fue creada por el guionista Barrie Tomlinson y el dibujante Vanyo en 1980.



Pero vayamos a la que más nos gustó en su día: Survival / Superviviente:

 En las portadas de Ultramundo colocaban viñetas y ya esta...

  
Mark Davies es un chico que ha sobrevivido a un virus letal que se ha cargado a casi toda la humanidad y a los que quedan vivos los ha convertido en horrendos mutantes. Al parecer el virus no a atacado a algunos niños con un grupo sanguíneo especial. Mark deambula solitario por este mundo inhóspito, buscando más supervivientes que estén sanos. Ni que decir que a cada página lo pasará peor asaltándole mil  peligros.


Pese a que el color de la edición española de MC no era muy bueno, y el original se publicaba en blanco y negro, esta serie si se podía seguir desde el principio y era aditiva. Aunque la historia ya era muy manida, este tipo de historias siempre te mantienen en vilo, ¿o no?

La serie originalmente se titulaba Survival y estaba guionizada por Barrie Tomlinson (usando el seudónimo 'D.Horton') e ilustrado por el gran dibujante español José Ortiz con lo que la calidad del dibujo y la narración estaban aseguradas.

Lamentablemente Ultramundo solo duró esos siete números y solo pudimos disfrutar de siete capítulos. Desde 1987 que ninguna editorial española incomprensiblemente se ha atrevido a recuperar la serie. En Gran Bretaña la serie se prolongó a los 61 episodios ocupando los números 259 al 319 de la revista Eagle




 Los dos protagonistas lo pasaban fatal a casi cada dos páginas. 
Espeluznante la escena de las ratas.



Comics de ayer, hoy y siempre: Dios los cría de Calo / Flor de un día

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Otra portada comiquera adecuada para el confinamiento: Dios los cría del dibujante Calo. Seguro que estos días casi sin querer podemos observar a nuestros vecinos, como si de La Ventana Indiscreta de Alfred  Hitchcock se tratara. A mí me ocurre sin ir más lejos, lo plasmado en la portada, pero sin los prismáticos, claro.  Desde la ventana de mi cocina se ven todos los balcones del edificio de enfrente. Hay una chica en un balcón que se pone hacer ejercicio físico con escasa ropa y lo hace cada día y está en muy buena forma. En otro balcón de la esquina una girl se coloca en bikini a tomar el sol. Están lejos y no puedo distinguir las caras, pero vamos, puedo dar fe de que el bikini es tipo tanga. Todo esto es casual, tampoco penséis mal y que estoy ahí observando (la del bikini sale a las 10:15, 11:45, 18:05, y 19:48 y los fines de semana hace otros horarios). Es coña, los avistamientos suelen ser por las tardes cuando haces el café y miras plácidamente relajado al horizonte pensando para tus adentros menuda puta mierda de virus la madre que lo parió.   Asimismo también hay una pareja de abuelos que sacan cada día sus sillas al balcón cada tarde y con el solecito se ponen a leer uno al lado de otro. Así que hay esperanza.

Volviendo al cómic, Juan Carlos San Roman (Calo) empezó a darse a conocer en el mundo de los fanzines allá por los noventa, aunque su primer trabajo profesional fue para la Generalitat Valenciana. Luego vino su primer recopilatorio publicado que fue este Dios los cría (Under cómic / 1999). Las historias cortas de Calo son pequeños retales de la realidad donde aparecen la amistad, el amor, las ganas de fiesta… Pequeñas historias costumbristas reales o tal vez no. De ese cómic de historietas salieron las dos protagonistas Angela y Clara, que tuvieron vida propia en Las chicas con los chicos (Under comic / 2000).

Su dibujo suele ser de línea clara, limpio, sin apenas manchas negras. De economía de detalles y dibujo sencillo siempre adecuado a lo que narra. Sus cómics cuentan historias pequeñas e intimas.

En 2007 irrumpe conRecluta con Alien (Aleta y Dibbuks Ediciones) donde se unen ciencia ficción, western y superhéroes pero con ese tono de comedia y romance tan característico del autor.

Bacterias en 2009 nos presenta la historia de una adolescente huérfana que cuida de sus hermanos y su relación con su vecino Vicent, un dibujante mayor que ella.  Las vidas de personas corrientes, sus frustraciones, y anhelos siempre presentes en sus obras. Su última novela gráfica El americano ha sido con la editorial Nuevo Nueve en 2019.  Este cómic es un viaje al pasado por la España de 1945 a 1993 a través de la familia del protagonista Enrique. Aquellas personas que se acercaban a las grandes ciudades desde el campo tuvieron su propia historia en los primeros años de desarraigo e incertidumbre personal y laboral. Sonrisas y alguna lágrima. Esto le aportará (y mucho más)

Reseña cómic: Un nuevo comienzo de Gwénola Morizur y Marie Duvoisi / Harriet Ediciones

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“A menudo encontramos nuestro destino por los caminos que tomamos para evitarlo” Jean de la Fontaine



 Lily es una joven que acaba de descubrir que está embarazada y está asustada y bloqueada. Lleva tiempo replanteándose la relación con su pareja. Sus sentimientos han cambiado, está perdida y desesperada interiormente. Para colmo su novio se ha de ausentar y le ha pedido que cuide durante diez días de Baltasar, el hijo pequeño de su hermana que se está separando. Lily no es experta en tratar con niños y además ni se conocen. Ambos decidirán irse de excursión por las montañas durante esos días. Por el camino conocerán al joven autoestopista Jimmy que se unirá a ellos… Un viaje decisivo en sus vidas en el que desbordarán sentimientos y decidirán sus caminos...


Un nuevo comienzo ya tiene un titulo evocador y potente muy apropiado con la temática de la historia. Lily no sabe qué hacer con su vida, está en un momento crucial. No tiene verdadera comunicación con su pareja y está rota por dentro. En las primeras páginas del cómic la guionista Gwénola Morizur y la dibujante Marie Duvoisin ya plasman todo esto con unos dialogos y dibujos excelentes.

El cómic cuenta muy bien esos momentos de la vida en que nos sentimos perdidos, desencantados y tristes o incluso resignados. Lily duda si quiere huir de su vida, pero se descubre haciendo cosas diferentes, pese a todo, por la influencia alegre de Baltasar. Él es solo un niño que afronta como puede el divorcio de sus padres, pues se siente abandonado y rechazado. Jimmy, el autoestopista, es un incomprendido que intenta luchar por su sueño, superar sus miedos. Los tres son muy diferentes y no están contentas consigo mismas y algo desorientadas. Por último esta Pierrot, un hospitalario pastor que por circunstancias de la vida vive solo. Una figura paterna y reposada. En ese lapso de tiempo los cuatro se conocerán, sincerarán y quién sabe si tendrán un nuevo comienzo… Todos hemos podido pasar por los diferentes estados emocionales de los cuatro protagonistas y esas sensaciones están reflejadas con suma delicadeza y positivismo en la historia.

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Muy buena nota para este segundo trabajo en el cómic de la guionista Gwénola Morizur que nos presenta esta historia “de dejarlo todo para recuperar el placer de vivir”. La dibujante debutante Marie Duvoisi también aprueba con nota. Los personajes son muy expresivos. Contiene bastantes viñetas por página con una planificación increíble, unos dibujos que dan énfasis y movimiento a las acciones cotidianas o materializando las sensaciones que quieren transmitir. Los fondos son buenos tanto los interiores como los exteriores.

"Las historias a menudo nacen de la emoción. Ya sea alegría, sorpresa, miedo, indignación ... Me inspiro mucho en las historias de vida, tomo notas" . Gwénola Morizur / Entrevista en scenario.com

"Cuando leí el guión, inmediatamente quise trabajar en él. Quería dibujar esos momentos íntimos de la vida. Soy bastante optimista, así que todo lo positivo de  Un nuevo comienzo me toca. Pero incluso más que el tono general de la historia, ¡fue la precisión de las emociones y las experiencias de los personajes lo que me desafió! La naturalidad de los diálogos, lo que se dice o lo que queda pendiente,  los silencios, las dudas, etc" Marie Duvoisin  /  Entrevista en Scenario.com


Un nuevo comienzo es una emotiva historia que explora estados de ánimo que todos hemos sentido.  También es una crítica al estilo de vida estresante y de rapidez que se ha impuesto en nuestras vidas sobre todo en las ciudades. El no pararse a pensar e irse dejando llevar por la vorágine diaria. También nos muestra que la sencillez de las pequeñas cosas pueden reconciliarte contigo mismo y la fuerza del apoyo de la familia, sea la nuestra o la que se forme fortuitamente. Un nuevo comienzo es una lectura que te hace feliz y que te hará sentir bien. Una bonita historia cotidiana de amor y amistad. Siempre hay momentos en la vida de desorientación, de inflexión, de no saber por donde tirar… Todos hemos tenido un nuevo comienzo.


La edición de la nueva editorial Harriet Ediciones es muy correcta. En tapa dura y de gran tamaño para disfrutar mejor de las viñetas. La única pega es que viene sin ningún extra.
UN NUEVO COMIENZO
Harriet Ediciones
PVP 20 €
Autores: Gwenola Morizur (Guión), Marie Duvoisin (Dibujo, Tinta, Color)
Tapa Dura / Pvp: 20 €
70 páginas



Buffalo Bill y el último Dragón de Carlos Díaz y Francisco Maldonado / Unrated Cómics

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Buffalo Bill y el último Dragón es un tebeo de aventuras como los de antes, en el sentido que nos presenta una buena historia de aventuras que solo aspira hacernos pasar un rato ameno y lo consigue. Es un buen logro.

En el año 1890 la National Geografic encarga al mismísimo Buffalo Bill la búsqueda en África central de un último Dragón. Le acompañará en la misión un duende llamado Adam Wu de la empresa Winchester LTD, la periodista Nellie Bly y por si fuera poco Calamity Jones y el jefe indio Joe Black Fox. Este dispar grupo zarpará en barco en su busca, sin embargo Allan Quatermain también sigue la pista del dragón… La correrías están servidas. 


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Buffalo Bill y el último Dragón es como si en aquellos añejos tebeos llamados Joyas Literarias Juveniles los autores hubieran tomado sustancias prohibidas y hubiesen aumentado la intensidad, licencias,  libre imaginación, diversión y creado crossovers… También un joyas Literarias Juveniles con presupuesto, nada encorsetado y  muy vistoso por el espléndido arte de Francisco Maldonado que nos ofrece un dibujo moderno muy estilo cartoon, resolutivo y en el que se palpa el movimiento. Maldonado ha publicado en Estados Unidos y las siguientes obras en editoriales españolas Crónicas de Némeldren (Editorial Drakul) y colaboración en Visiones del fin (Aleta Ediciones).

El guión corre a cargo de Carlos Díaz Correia que lleva toda la vida alrededor del cómic ya sea con fanzines, asociaciones, artículos y guiones.  En 2017 gana el Premio al Mejor Cómic del Año con  Fantasy West en El Salón del Cómic de BarcelonaCarmen Cantero Díaz es la encargada de darle color a esta loca historia. Ella también es dibujante e ilustradora y tiene algunos proyectos en la recámara.

 Dos cómics con guiones de Carlos Díaz

Buffalo Bill y el último Dragón es un buen tebeo de aventuras locas que se lee en un santiamén y quieres ya los siguientes tres números. Tal vez se abusa un poco de los tacos que dicen algunos personajes que chocan un poco con el aspecto del dibujo que puede atraer también y muy bien a los niños.  Unrated Comics, nos trae este cómic, al igual que Freelancers, así que ya sabes a buscarlos en vuestra librería editorial con un poco más de ahínco .


Buffalo Bill y el último Dragón
Carlos Díaz / Francisco Maldonado / Carmen Cantero
Nº 1 / Grapa / Unrated Cómics
2,50 €


Patufet revista infantil i Juvenil con Escobar

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La revista En Patufet fue una revista infantil en catalán que se publicó en Barcelona entre 1904 y 1938. Aunque la que aquí nos ocupa es la de la segunda época entre 1968 y 1973 llamada a secas Patufet. La primera etapa fue todo un éxito pues fomentaba el compromiso social y entretenía con artículos y humor cotidiano a través también del cómic, al principio más enfocada para niños y luego para jóvenes. En la segunda etapa sus primeros números fueron un éxito de ventas y se recuperaron a algunos colaboradores que aún estaban vivos. Escobar, el padre de Zipi y Zape, fue uno de los que colaboró en esta segunda etapa de la revista. Sin embargo el publico ya no era el mismo y esta nueva aventura fue perdiendo lectores llegando solamente hasta al número 167 del 29 de junio de 1973.

 (Ya lo hacéis bien, pero hay que poner más sentimiento)

 -Ya lo sabe que esta noche han robado el coche del vecino del trecero segunda
-Que bien! Así tenemos más sitio para aparcar.

(-Y usted, ¿A más a más de tareas del hogar, trabaja en algún otro lugar?)

Presentación: AMORes. Algunas cosas que aprendí y otras que me costó olvidar de Alfonso Casas / Editorial Lunwerg

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 El 14 de noviembre de 2019 tuvo lugar la presentación del libro “AMORes. Algunas cosas que aprendí y otras que me costó olvidar” de Alfonso Casas de la editorial Lunwerg en la Casa del libro de Barcelona. IreneGarcía editora de Lunwerg llevó a cargo esta presentación en la que aquí narramos lo mas destacado:


-Alfonso recoge en ese libro la esencia de su trabajo. Veo este libro y me acuerdo de su otro libro, Sentimental,  de su obra en Instagram, de la inmediatez, de los juegos de palabras, del sentido del humor, de las ideas frescas, del ingenio que Alfonso Casas tiene. Pero también veo una evolución y una apuesta gráfica muy importante,  la capacidad narrativa que ya habíamos visto en el cómic “El final de todos los agostos…”. En ese sentido, así como el libro tiene un titulo plural, tenemos también un autor plural, pues nos ha brindado varias facetas de su trabajo en AMORes...

-¿Qué es AMORes?
Es  un camino que tiene un origen, un punto de partida, y que te va llevando no se sabe muy bien hasta donde, pues la meta no está tan clara, pero el camino sí. Y este es tan importante como llegar al destino. Es uno de los caminos que yo he recorrido y le hemos ido dando forma entre la editorial y yo. Es solo uno de los cientos que hay.  Un camino a través de los diferentes tipos de amor que nos vamos encontrando a lo largo de nuestra vida. El libro es un inicio en el que al principio un poco todos caemos, cuando aterrizamos en la historia del amor. El inicio es el amor romanticismo, cuando nos presentamos en este mundo de romance, y con nuestra mochila y la información que tenemos nos vamos haciendo una idea de lo que es  el amor.  “AMORes. Algunas cosas que aprendí y otras que me costó olvidar”  se titula así, porque muchas veces tenemos que desaprender las cosas que llevamos en la mochila y que muchas veces pesan más las cosas que llevamos de antes que la propia experiencia. Es un poco olvidar cosas, aprender nuevas, y andar un camino, una propuesta más. Yo no soy un gurú del amor. Este es un camino, pero no es una autobiografía. Es un camino en el que todos nos vamos a sentir reflejados en algunas de las experiencias.

Uno de los argumentos que da el libro es que no existe un final. No existe un cinturón negro del amor, es un aprendizaje constante. Hay una parte del libro que precisamente habla de esto y compara el amor con un arte marcial, en el que el amor romántico, que es el que tenemos más aprendido, es el cinturón blanco, un primer paso, y luego, a medida que vas teniendo cagadas, te vas cayendo y levantando, vas avanzando, pero no hay un cinturón negro del amor, no hay una meta clara. Siempre vas a estar aprendiendo.

 Un cómic muy  recomendado del mismo autor: el final de todos los agostos.

-Este camino es para adelante para atrás, das vueltas sobre ti mismo, bifurcaciones. El libro al principio no tenia esta forma…Para mí es muy importante el contenido, pero también el continente. AMORes quería que fuese este viaje sobre los distintos tipos de amor. Su origen físico iba a ser diferente, iban a ser tres libros separados con los diferentes estados del amor. Iba a empezar por el mito del amor romántico, iba a pasar por la etapa de amor propio, que es la parte que tienes que pasar para poder amar de verdad, empezar por quererte a ti, y el libro final, en el que se hablaría sobre el amor más maduro, más meditado. Claro, tres libros diferentes pero monotematicos, cien páginas dedicadas al amor propio igual daba pereza. Así que lo construimos todo en un solo volumen donde, a través del cómic, la ilustración y la escritura vamos construyendo un camino que es como el amor, que nunca es en linea recta, siempre hay altibajos, es como una montaña rusa. No hay un montón de páginas dedicadas a un mismo tipo de amor, hay un recorrido que te lleva un poco por los diferentes estadios del amor.


-Hay una tradición, y es que Alfonso llega a la editorial con todo lo que ha dibujado y escrito, lo extendemos en el suelo en la sala más grande que tenemos y, a partir de ahí, vamos montando un orden 
Estoy muy contento de como ha quedado el libro físicamente. Decidimos añadirle una cinta como marca páginas, porque considero que no es un libro que tengas que empezar por el principio.  Lo puedes coger, te miras unas cuantas ilustraciones, dejarlo, y luego puedes empezar por cualquier parte. No tiene un principio y un final, no hay esa función. Lo fuimos hilando considerando la parte gráfica, por colores, por donde queríamos ir, para darle un poco de coherencia.


-¿La portada es ya un viaje ? 
El libro es un viaje y quería que empezara siendo desde la portada. Portada y contraportada quería que explicara el viaje que hace el personaje desde el amor romántico que está lleno de trampas. Hay un árbol de medias naranjas, que es uno de los mitos con los que crecemos, está una especie de matorral que te atrapa y un poco que representa las redes sociales, los likes, los comentarios… el príncipe azul,las margaritas deshojadas. Un poco el sitio del que partimos, que es el bosque que no te deja ver el sol.  El personaje va apartando todo esto poco a poco en el interior del libro,  todo lo que le retiene, toda su mochila, y llega hasta otro lugar donde esta preparado para otra forma de pensar con respecto al amor, y ya nos encontramos la contraportada. Así que sí, el viaje está presente incluso desde la portada.

- De los amores minúsculos, de las pequeñas historias que todos hemos vivido, llegamos a este libro al amor real, el del día a día, lo que pasa después de conocer a alguien durante tres años.
En este libro el punto importante es el de aceptación, de quererse a si mismo. Cuando nos quitamos la mochila de todo lo que tenemos heredado.  El libro se llama AMORes porque es una descripción de lo que creo que es el amor, y luego un conjunto de posibles formas de entender el amor. Ese camino en que nos quitamos la mochila y llegamos a entender que para amar a otros hay que empezar por uno mismo. A partir de ahí, el planteamiento es completamente diferente.


-Tanto el principio, como en la mitad y como el final son con cómic, aunque al inicio no era así.
Yo soy un fan absoluto del cómic, es una manera increíble de contar historias. Soy muy de sufrir, pensaba me gustaría poner partes de cómic, pero igual a los que me siguen por Internet solo les atraen mis ilustraciones. Alguien me dijo: ¿no puede ser que les guste a todo el mundo? y decidí mezclar las dos. Hay cómic, hay texto, hay ilustración.  Todo esta rehecho, porque en este viaje hay ideas que son antiguas y ya había desarrollado, pero para darle una coherencia las volví a dibujar. Aunque en el prólogo del libro ya digo que con algunas ilustraciones ya no me siento tan identificado como cuando las hice, pero son importantes para entender el viaje. Para entender donde estamos hay que entender de dónde venimos, aunque haya ilustraciones que ahora no me representen tanto con mi manera de pensar, pero tampoco quería obviarlas para entender ese punto de partida. Como me gustan las dos cosas, al final propuse a hacer un viaje personal, pero no único, lo hemos hecho igual o parecido todos nosotros o nos hemos encontrado en alguna parte del camino. El viaje no es una epopeya completamente ajena, es un viaje que todos hemos compartido. Lo único que puede ser diferente es mi forma de planearlo. Es un camino que avanzas, pero a veces vuelves al principio, o te parece que no avanzas...y resulta que en realidad has cambiado. En cualquier caso, vuelvas o no al principio, en este tema del  amor, a lo mejor vuelves a recorrer el mismo camino pero tú ya no eres el mismo y, en cierto modo, el camino también cambia.


-Alfonso es muy perfeccionista y exigente, es muy bueno en su trabajo pero nunca acaba de estar convencido. En sus libros nada es casual, siempre todo tiene una explicación, un porqué. ¿En este caso la paleta de colores cómo la has trabajado?
En mi trabajo pienso que, cuantas más cosas te den información, mucho mejor. Y utilizo el color como otro valor más en las ilustraciones, para hablar del contenido. En este caso, la gama cromática varía en función del estado del personaje. Hay unas ilustraciones con un tono concreto que están destinadas a hablar sobre el amor romántico, otra gama diferente para hablar del amor propio. El color sirve como vehículo a través del cual, se explica un poco como está el personaje. Como el camino no es en linea recta, los colores no van en degradado pero si vas abriendo paginas y si entiendes las gamas cromáticas, también puedes entender por donde va el personaje.

-Uno de los conceptos importantes de este libro es que amor y dolor significan lo mismo. De hecho, hemos usado esta frase para la contra y es una de la primeras ilustraciones del libro. De hecho, es el punto de partida. Hay un momento en que aterrizamos en el mundo del amor y tenemos muy poca información… Las películas, las canciones pop y poco más. Y en algún punto
 de ese primer planteamiento entendemos, equivocadamente, que amor y dolor significan lo mismo. Que solo es amor si no te contesta al whatsapp, si pasa de ti, quien bien te quiere te hará llorar, si no le haces caso te va a querer más,amores reñidos son los más queridos..., esto cuesta desaprenderlo porque lo tenemos metido en nuestros circuitos, desde ese punto de partida en el que te plantas en el rollo del amor y tienes esos referentes, haces asociaciones que cuesta mucho desaprender. Y una de esas asociaciones con la que empieza un poco el libro, es que el amor sin sufrimiento no existe, si tienes amor, lleva bien implícito que vas a sufrir mucho,  y después de muchas páginas o quince años, te das cuenta que no es así.  Que es todo lo contrario: quien bien te quiere no te va hacer llorar, te va hacer reír. El amor y el dolor son los opuestos, no son sinónimos.


 -Otros temas que orbitan entre el tema del  amor y desamor en este libro son las expectativas, el miedo, o la culpa. Hay otros temas que están alrededor de esto de los que también hablas.  Hay algunas ilustraciones geniales sobre las expectativas….
Tanto si las pones en otros, como si piensa que el otro las espera de ti. Hay un submundo de miedos de poner en el otro tu autoestima que son conceptos que hay que deconstruir, tirar ladrillos abajo y construir bajo otro planteamiento. Las expectativas propias, las ajenas, a veces la autoestima parece que la dejamos en manos de otro. Este libro no es un manual, es simplemente un conjunto de experiencias que nos conectan. El atractivo del libro es que al leerlo pensamos “ostras, yo también he estado aquí” y no te sientes tan solo. Compartimos experiencias y ese es el núcleo del libro.

No es un libro de autoayuda, pero hay algunas lecciones que nos recuerdan, por ejemplo, que los cuentos de hadas pueden ser peores que una película de terror.  Depende de qué pregunta, es mejor saber la respuesta o estar preparado para lo que venga...

Algunas cosas que aprendí y otras que me costó olvidar
Alfonso Casas
Editorial: Lunwerg Editores
Temática: Arte | Ilustrados
Número de páginas: 278
Precio: 21.50 €
¡Vuelve Alfonso Casas con un libro sobre todas las esquinas del amor.!



Comics de ayer, hoy y de siempre: Glory / Avengelyne de Rod Liefeld / Word Comics Planeta DeAgostini

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 Atención al cuadro de la habitación de Avengelyne y como se levanta bien arqueada. Abajo un buen plano de acción y con cura incluido

 Los noventa fueron muy locos en la editorial Image comics. Una editorial fundada por siete dibujantes fugados de Marvel Todd McFarlane, Erik Larsen, Jim Valentino, Marc Silvestri Rob Liefeld,Whilce Portacio,  y Jim Lee. En principio para poder mantener los derechos de sus creaciones y tener una gran libertad creativa. Se lanzaban imaginativos cómics como Spawn,The Savage Dragon,Maxx,Gen 13, entr otros,  pero también un segundo grupo de cómics repletos de posturas, chicas increíbles de anatomías poco creíbles y poco mas, como el que nos ocupa aquí, el especial Glory / Avengelyne. Muchos de estos cómics atraían al imitar el estilo pictórico de Rod Liefeld con resultones dibujos pero con historias flojas. Y que conste,  como es sabido, que casi nunca hay malos personajes del todo, solo malos guionistas. En su día no fui un gran lector de la línea de cómics Image que World Comics de Planeta de Agostini trajo a España, pero como hay tiempo de estar en casa aparecido el comic Glory / Avengelyne en un cajón de la cuarta dimensión de mi mesilla de noche.

Estas dos chocarán...
Posturas imposibles. Dibujos a página completa..

Avengelyne es un personaje creado por Rob Liefeld y Cathy Christian. Esta última era la ex modelo que hacia de Vampirella en las sesiones fotográficas y está inspirado físicamente en ella. Avengelyne debutó en 1995 en la editorial Maximum Press. Ella era un ángel de las tropas de luz de Dios que cae en desgracia  y es desterrada a la Tierra sin poderes y sin las portentosas alas. En nuestro planeta se oculta en una iglesia regentada por el fornido padre Peter.  Avengelyne no tiene sus poderes pero puede percibir los demonios infiltrados en la tierra. Sin embargo en el sótano de un convento se encuentra una espada antigua que en combinación con su sangre de ángel, esta se convierte en un arma letal... En la historia que nos ocupa B´Liade es un demonio que quiere abrir un portal aquí y traer el infierno… Por cierto, la historia de Rob Liefeld en Image si que es rocambolesca.

Glory es una especie amazona al estilo de Wonder Woman.Rob Liefeld la introducía en Image comics en 1993 presentándola en las páginas del número 1 de Youngblood Strikefile. Glory, vivía en  Amazonia una isla del paraíso pero hace mil años. Glory tiene un cetro que le permite viajar entre dimensiones. Por eso ya había luchado en la Tierra en la segunda Guerra Mundial con el grupo Supreme y más tarde en Brigade.  En manos de la guionista Marie Jo Duffy y el dibujante Mike Deodato Jr. el personaje se convirtió en popular en esa editorial.

Este crossover Glory / Avengelyne empieza en Amazonia, cuando la reina, madre y Diosa Faith proclama purificar el planeta Tierra de hombres para luego “matar al Dios del cielo que engendró a esas bestias estúpidas” . Acto seguido aparece el ángel Avengelyne para parar ese loco plan. Glory hija de Faith, defiende cegada por la ira a su madre, pero pierde el combate y es enviada la tierra. Más tarde Avengelyne también perderá su condición de Angel y también sera desterrada al planeta Tierra.

  Faith anuncia la buena nueva de esa guisa. El angel de Victoria Secret Avengelyne ataca y Glory intenta parar la embestida con unas buenas...

Glory ahora esta melancólica y presa de remordimientos pues recuerda todo esto en una pesadilla, levantándose de la cama bien arqueada y sugestiva. En un paseo para distraerse, vestida con una falda que es cinturón y una piernas imposibles se encuentra, ¡oh!, con su reina Faith que va vestida muy extremada y con una falda con la que se le ven las bragas. Le exige que le de el cetro.


Faith, convence ala escultural amazona y guerrera,  para cargar contra Glory pero todo es una trampa de Faith pues ahora esta a las ordenes del malvado B´Liade y solo pretende acabar con Avengelyne y hacerse de paso con el cetro.


Avengelyne es capturada, pero en el último momento Glory se da cuenta, astuta ella, aparte de sexy, de la trampa…
Ahí esta el lozano trío protagonista del cómic...

Este es el argumento del comic Glory / Avengelyne. Guion de Robert Napton / Argumento  y lápiz de Rob Liefeld y tinta de hasta tres autores diferentes Jonathan Sibal,Danny Miki y Marlo Alquiza. Una historia llena de posturas imposibles, chicas sexualizadas musculosas y de grandes tetas y un monstruo al estilo Spawm. ¡No se como estos tebeos tuvieron su éxito en los noventa!.


Avengelyne a página completa, 
sin fondo ni na, en la iglesia con el cura y con ropa funcional...

 Un final feliz...

Cómic de ayer, hoy y siempre: Rom el caballero del espacio / Vertice / Surco / Cómics Forum / Marvel / IDW

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 En 1979 tres diseñadores Scott Dankman,Richard C. levy y Bryan Bing L. McCoy crearon un muñeco articulado de aspecto robótico con algunas lucecitas y sonidos electrónicos al que bautizaron con el nombre de Cobol. Los tres vendieron los desechos a la juguetera Parker Brothers. Aunque el avispado McCoy se quedó también con los derechos del merchandaising secundario.

Así ese mismo año Parker Brothers comercializa el robot cambiándole el nombre por uno más potente Rom y con reminiscencias de computadora. Rom pretendía ser un juguete electrónico innovador lleno de cachivaches pero para abaratar los costes el resultado fue algo tosco y con muy pocas articulaciones. En principio los ojos tenían que ser leds verdes, pero eran más baratos de fabricar rojos. Así Rom sale a la venta con publicidad en televisión y revistas e incluso le dedican algún reportaje no muy positivo en la revista Time.


 Marvel que ya había experimentado el éxito con los cómics de la licencia Star Wars y buscaba un éxito similar compra los derechos del personaje para producir el cómic Rom. Solo que con Star Wars ya tenían toda una base a la que añadir nuevos personajes e historias, aquí solo contaban con una publicidad que rezaba que era un caballero del espacio, el aspecto y las armas que mostraba. Así que toda esta tarea de escribir una potente historia recae en el guionista Bill Mantlo y los lápices de Sal Buscema que definen al personaje y al elenco de secundarios poco a poco.  Ademas se decide incluirlo dentro de la continuidad Marvel por lo que por su colección aparecerán todo tipo de personajes de la casa y Rom también visitara otras colecciones súper heroicas.


Arte Steve Ditko

El juguete en si no vendió mucho , ni deslumbro a los niños de entonces, pero el cómic en cambio tuvo una larga vida que se prolongó durante 75 números y 4 anuales. Uno de los creadores, McCoy atribuyó el fracaso de las ventas del juguete a la mala presentación del blister y su comercialización. También es verdad que Parker no tenia experiencia en juguetes pues solo había realizado juegos de mesa.

La historia inicial es la siguiente Rom llega al la Tierra y empieza a matar a sangre fría a varias personas que pasean por la calle. ¿Es una nueva amenaza cósmica? No, pues las victimas eran alienígenas infiltrados en el planeta: Los Dire Wraiths (Fantasmas o Espectros Malignos en castellano). Evidentemente esta acción lo convertirá en un enemigo y tan solo una chica llamada Brady Clark conocerá la verdad, porque Rom se la cuenta.

 Arte de Steve Ditko

Rom proviene del planeta Galador. Un planeta que es atacado por los malvados Espectros Malignos.. Los Galadorianos son similares a los humanos y los científicos del planeta idean unas especies de armaduras para defenderse. Lo malo es que los voluntarios que se presten a llevarlas perderán literalmente parte de su cuerpo. Rom se presta por defender su planeta de la amenaza. Sus partes vitales son transferidas a la sofisticada armadura. En el proceso la persona pierde el sentir humano y los sentimientos mas primarios. No podrá ni tan siquiera comer.  Las otras partes de su cuerpo son almacenadas para recuperarlas nuevamente cuando acabe la guerra. Así nace el primer caballero del espacio.

La armadura de metal Plandanium tiene propiedades regenerativas, va equipada con una pistola de rayos láser (Neutralizador) que envían a los fantasmas al limbo, un traductor universal, y un analizador que muestra y verifica todo lo que se encuentra y útil para desenmascarar Espectros. Estos artilugios coincidían con los diseños del juguete.


 Bill Mantlo planteo muchas situaciones y buenas historias al ser él único guionista. Podéis leer el completo articulo en la web La Zona negativa de Sergio Aguirre para conocerlas. Mantlo creo historias algunas con tintes de terror y violencia que chocaba siendo en principio un juguete para niños. También introdujo tramas y triángulos amorosos ya que Rom empezará a sentir ciertas acosas por Brady Clark y esta tienen novio. La saga es al gusto de aquellas historias tensas de invasión extraterrestre de los años cincuenta pero con el universo Marvel implicado .

Con la marcha del dibujante Sal Buscema se incorporó el mítico Steve Dicko en la colección aunque en horas mas bajas.

 Fichas incluidas en el número 50 de la serie

Una vez concluyo la serie Marvel (diciembre de 1979 - febrero de 1986) perdió los derechos del personaje aunque no de los personajes secundarios creados por Bill Mantlo, pero claro debido a esto el personaje de Rom no ha podido volver a aparecer en Marvel, ni reeditar estos 75 números. En España se vieron unos pocos numeros de la mano de Vertice (4 números)  y Surco (8 números) a  principios de los ochenta. Y en comics Forum otros pocos más como complemento del cómic Los Transformers. Nunca han sido publicados en su totalidad.

 Arte de López Espí para Vertice y Surco


 Recientemente se supo que durante la publicación de la serie Bing McCoy cobraba beneficios por tener los derechos del merchandaising secundarios sobre el personaje y no la propia Parker.  La juguetera Hasbro tiene ahora los derechos de Rom, pero habiendo más de una persona en juego la cosas se complicaron durante un tiempo.

 Los Skrull también aparecieron en Rom / Sal Buscema copiandose asimismo

En el año 2000 Marvel con el guionista Jim Starlin y el dibujante Chris Batista lanzaron una miniserie de cinco números con Los Caballeros del  Espacio, protagonizada por los hijos adultos de Rom y Brady ( si, la terrestre). Y ya de paso Marvel registro la marca de caballeros de espacio con lo cual Hasbro tampoco puede utilizar esa palabra.

 Rom en IDW

En 2016 se inicia una colección de Rom con guion de Christos Gage y dibujos de Chris Ryall en IDW Comics autorizada por Hasbro. La colección duró tan solo catorce números pero ha tenido miniseries posteriores con los Transformers, los Micronautas y algunos otros números especiales. En la Diego comic-con de 2019 se anuncia una nueva mini serie de tres números  titulada Rom: Dire Wraiths escrita por Chris Ryall y dibujada por Luca Pizzari,Guy Dorian y Sal Buscema. Esta se inicia en enero de 2020 pero solo han aparecido dos números por el coronavirus.


 Parodia incluida en el nº 50 Guion y lápiz:  Bob Harras / Tinta: Terry Austin

Patufet revista infantil y juvenil con Pere Olivé

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Pere Olivé fue el Director artístico de Comics Forum. Olivé dio esa consistencia visual y de diseño incluyendo ademas sus dibujos en los míticos correos de Forum,  Él ya había trabajado en otras editoriales como Pala aportando su profesionalidad y en revistas como TBO y Patufet , en esta última realizó en 1971 portadas como la que nos ocupa, dibujos interiores y lo que es más importante renovó la revista visualmente . El arte de Pere Olivé se encuentra en muchos libros y cómics como grafista, maquetista, diseñador y también realizando algún que otro dibujo. Otros trabajos suyos son las series Mundo Gay, sauna Ibérica Nacho García, chico de compañía, series cómicas para adultos y que se vieron en los primeros magazines gay a mediados de los 80.

La revista En Patufet fue una revista infantil en catalán que se publicó en Barcelona entre 1904 y 1938. Aunque la que aquí nos ocupa es la de la segunda época entre 1968 y 1973 llamada a secas Patufet. La primera etapa fue todo un éxito pues fomentaba el compromiso social y entretenía con artículos y humor cotidiano a través también del cómic, al principio más enfocada para niños y luego para jóvenes. En la segunda etapa sus primeros números fueron un éxito de ventas y se recuperaron a algunos colaboradores que aún estaban vivos. Escobar, el padre de Zipi y Zape, fue uno de los que colaboró en esta segunda etapa de la revista. Sin embargo el publico ya no era el mismo y esta nueva aventura fue perdiendo lectores llegando solamente hasta al número 167 del 29 de junio de 1973. 

Paciencia, amigo mio. Ya lo dice el refrán. En abril cada "gota" vale por mil



Daredevil en Comics Forum

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El Diablo Rojo nunca tuvo mucha suerte en formato grapa en España, al menos en los ochenta en Cómics Forum. Su primera colección  en 1983 duró 40 números y la segundo en 1989 tan solo 31. De hecho una de las etapas más míticas de DaredevilBorn Again de Frank Miller, tuvo que ser publicada en capítulos dentro de la colección de Spideman allá por 1986.

Para ese segundo volumen de la serie de Daredevil, Forum preguntó directamente a sus lectores por dónde tenía que empezar la colección, o sea, a partir de que número USA. Este fue su anuncio publicado en 1989.




Conan en Cómics Forum

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Recientemente la licencia del personaje creado por Robert E. Howard ha vuelto a Marvel, la primera editorial que publicó sus cómics de forma continuada desde los setenta hasta el año 2000. Pero lo más impresionante es que gracias a este retorno de la licencia Panini está recuperando en tomos imprescindibles para los fans todos los números de las series Conan El Bárbaro y La Espada Salvaje de Conan, en una edición restaurada y con muchos extras.

Uno de los tebeos que más vendía en la España de los ochenta era precisamente La Espada Salvaje de Conan, a la que pronto se unieron Conan el Bárbaro (cómic que hasta tenía un club de fans organizado desde la editorial) y Conan Rey. Tres colecciones diferenciadas y publicadas al mismo tiempo. ¡Todo un éxito!

Salvador Larroca en Cómics Forum

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En una reciente entrevista de Jesús Jiménez enEl cómic en rtve.es, Larroca afirmaba lo siguiente: "El ochenta por ciento de mi carrera ha sido dibujando grupos y ya me he acostumbrado. Ha llegado un momento en el que necesito gente para meter en las viñetas. He dibujado todas las colecciones y creo que soy el artista que ha hecho más páginas de los mutantes. Y lo que vendrá”

 What if nº 32 / 1991
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