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Crítica reseña teatro: Flashdance el musical / Teatro Tívoli

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Aterriza en Barcelona Flashdance el musical dirigido y adaptado por Jc Storm, basado en la mítica película de 1983 que ha conquistado el corazón de varias generaciones.

Flashdance es una película de superación, de luchar por tus sueños, por lo que quieres y repleta de buenos números musicales y temazos que aún hoy siguen sonando. Jennifer Beals nos brindó una magnifica Rocky en femenino, fuerte y cálida a la vez. Si además eras de los que sentías que el baile era tu pasión, la película te llegaba todavía más al alma. La magia que destila la irrepetible película es difícil, pero no imposible, de trasladar al teatro, por lo que esta obra se enfrenta a este gran handicap del que no acaba de salir del todo airosa.
Flashdance El Musical narra la historia de la joven Alex Owens, soldadora de día y bailarina exótica de noche, que sueña con ir a la prestigiosa Shipley Dance Academy para convertirse en una bailarina profesional.


Chanel Terrero clava muy bien el personaje de Alex Owens por como se mueve, habla, y claro está, como baila. No hay que olvidar que en la película la protagonista tenía dobles y aquí la actriz, canta, interpreta y baila las complicadas coreografiás. Alexandra Masangkay y Cecilia López, sus amigas bailarinas en este musical también brillan con fuerza, son imponentes, y se mueven y cantan con mucha eficacia. Clara Alvarado en el papel de amiga que cae en malas compañías hace muy suyo el papel con una muy buena interpretación. Sam Gómez que interpreta a Nick el novio de Alex es muy melódico cantando y combina bien con la voz dela protagonista y Olga Hueso realiza una interpretación acertada como la amiga mayor ya retirada que intentará que Alex venza sus miedos.


La representación de Flashdance se activa en cierto modo cuando llega el turno del tema Maniac presentándonos a todo su mundo y por donde se mueve la protagonista. Aunque ya empezamos a ver que la esencia de las coreografías y las escenas están ahí pero se han producido bastantes modificaciones en las mismas, en un intento de modernizar la función y actualizarla. Y sí, está incluido y bien montado el esperado número de la ducha de agua, que se hace corto, y algún otro más intimista y pequeño, como la peculiar forma de quitarse el sujetador de la protagonista. Pero Flashdance presenta cambios en la música y en los pases de baile algo que puede no gustar a los fans de la película. El espectáculo alterna adecuadamente con una orquesta en directo canciones en castellano e inglés, pero son innecesarios los pequeños mini estribillos que van cantando de vez en cuando, pues ya vemos que sienten los protagonistas. Algunas transiciones con los cambios de decorado como en el hit Maniac son lentas.  Ante nuestros ojos desfilarán diferentes números con estilos de Street Dance bailados por el magnífico cuerpo de baile, eso sí, vestidos a veces como si saliesen del programa Art Attack y no de los años ochenta.

Tal vez el primer acto se podría reducir un poco en su duración, eliminando alguna escena, pues parece varias veces que se vaya a bajar el telón y no. De hecho la obra dura mucho más que la propia película. Las escenas románticas son demasiado edulcoradas y un poco aburridas.


El escenario se compone de estructuras metálicas movibles dando el aspecto de zona industrial ochentera, pero le falta empaque a la decoración.

El esperado número final What a feeling con los profesores examinando a la protagonista desde la escalera queda un poco desangelado, pero Chanel Terrero se marca el autentico broche final, aunque obviando nuevamente pasos y poses importantes e incorporando nuevas. Al conjunto le falta algo de vigor, de triunfalismo final. Imperdonable que cuando cae al suelo, la música no pare y vuelva a colocar el disco desde el principio, y con algo más de pausa en todo esto.

Es imposible no vibrar con temas como Gloria, Aquí y ahora, I Love Rock and Roll, Chameleon Girls, Maniac, What a Feeling y el Medley final, pero en conjunto tienes la sensación que aún siendo un colorido, trabajado y variado montaje le falta algo...tal vez la magia del original y un poco más de brío al conjunto. Así que por si aun no sabes que... “cuando abandonas tu sueño mueres”, siéntete vivo durante algo más de dos horas con Flashdance el musical.


Flashdance El Musical.
Del 15 de marzo al 21 de abril 2019.
Consultar horarios. Teatro Tívoli en Barcelona.
Precios: A partir de 24€
Duración: 150 minutos
Idioma: Castellano
Dirección: JC Storm
Reparto: Chanel Terrero, Sam Gómez, Clara Alvarado, Alexandra Masangkay, Cecilia López, Nacho Vera, Miguel Ramiro, Olga Hueso, David Ávila, Yolanda García, Sergio Arce,Manu Martínez
Dirección musical: Guillermo González.
Dirección tècnica: Alberto Palenque.
Músicos: Borja Barriguete, Javier Quílez, David Hyam, Javier Casado, Francisco Palazón, Juanjo Melero.
Bailarines: Javier Vachiano, Víctor Ares, Rafael Senén,María Reina, Raquel Caurín, Nestor Navarro, Alba Rubira, Irene Rubio, Naiomi Weiler, Lorena Rojas.
Iluminación: Rodrigo Ortega
Vestuario: Andrea Panda
Coreografía: Vicky Gómez
Producción: Selladoor Spain, JC Storm, Phillip Rowntree, Sandra Castell. David Hutchinson


Presentación libro Mi Barcelona La ciudad de los sueños de Pedro Espinosa

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"Mi sueño y el de unos cuantos más era, y es, dibujar tebeos, contar historias con dibujos que mejoraran el mundo, o por lo menos que lo hicieran más divertido y más libre"Pedro Espinosa

Pedro Espinosa es un creador nato, dibujante e ilustrador, exigente artista multidisciplinar. Lápiz, plumilla, acuarela, guache, rotulador y tinta. Cualquiera de estos elementos se transforma en arte en sus manos y con estilos muy distintos. Caricatura, retrato, realismo, surrealismo, clásico, moderno, linea clara, linea sucia… Sus dibujos te atrapan, son especiales, trasmiten muchas sensaciones, estimulan, dan paz y son preciosos. En los ochenta y noventa los trabajos de Pedro Espinosa se vieron en las míticas cabeceras Comix Internacional,Cimoc, 1984, Cairo, Más Madera, o El Jueves. Su etapa de ilustrador se ha podido seguir en los diarios La Vanguardia, Avui, o Diari de Barcelona.
Loco es una obra que aun hoy es muy de vanguardia y a redescubrir. Un cómic sobre las historias de un mimo sobre un fondo negro. El autor domina las historias sin ninguna o apenas palabras. Mención para la posterior El Gulipago, un explorador de lo extraño…


En estos últimos años se ha dedicado más al sketching y ahora ha puesto este arte al servicio de Barcelona, de esa gran ciudad conocida y particularmente de la mas desconocida y la más intimista con el libro: Mi Barcelona La ciudad de los sueños. Pedro Espinosa  domina el arte del sketching, dibujar lo que te rodea en un cuaderno de dibujo, y en esto consiste este libro. Un recorrido por la Barcelona más oculta a través de dibujos y texto del propio autor. También hay que decir que Pedro Espinosa realiza talleres formativos de sketching todos los sábados.

El pasado 14 de Marzo se presentó el libro Mi Barcelona La ciudad de los sueños en la librería Jaimesen Barcelona con la presencia del autor, del divulgador y escritor Javier Pérez Andújary los  dibujantes Sagar Fornies yLluïsot. Aquí algunos apuntes de lo mencionado.


Javier Pérez Andujar: El libro Mi Barcelona la ciudad de los sueños es tan maravilloso y leal a la verdad que empieza por una fuente, la de Caneletas, y acaba con las estrellas. Que es como la vida misma. El libro está dividido en tres partes. La primera se titula el recién llegado. Es lo primero que ve, y es básicamente donde vas a parar cuando llegas por primera vez a Barcelona. La segunda Mis oasis y la tercera es la que da titulo al libro.

Pedro viene de La Rioja, muchos hemos hecho su mismo itinerario inicial: Canaletas, Plaza Real, es un descubrir Barcelona con la que es fácil sentirse identificado y no es tópico. Lo tópico es algo a lo que se recurre cuando no se tiene mucho que decir, pero en el caso de Pedro no es así aunque pero claro, la vida es así. El libro tambien abunda más en su biografía, que está mas integrada. Por ejemplo, cuando dibuja la plaza Jacinto Verdaguer dice que ha trabajado con Toutain, que era cuando su agencia proveía de trabajos de los dibujantes a todo el mundo. Es bonito ver el aterrizaje de Pedro en esa Barcelona.  Luego hay referentes de todos los que amamos los tebeos, un homenaje al oficio y al entrar en las maquinaria de este. Habla de cuando aterriza en el fanzine Zero, y a buscarse la vida..
La segunda parte del libro que se llama Mis Oasis, y son rincones secretos. Los Jardines de la Universidad Central, los de la Massana, lugares agradables… Acaba el libro en la ciudad de los sueños, donde descubrimos lugares clandestinos, esa Barcelona oculta. Me encanta la desenvoltura con que dibuja a la par y al mismo nivel las dos Barcelonas, esa y la oficial. Es honesto en esa pluralidad, de lo pequeño a lo grande, de la Sala Fénix al Cosmocaixa


Sagar Fornies: Ahí está esa Barcelona de alguien que llegó en los ochenta, se huele esa Barcelona. Los lugares que antes frecuentábamos, y pensamos que ya no existen, pero siguen estando ahí. Me ha gustado esa parte de los teatros pequeños, la salas de baile. La parte más original del libro que descubro con el sketching y que todavía desconocía.

Sagar realiza la mini entrevista al autor:

Diversos dibujos del libro

- ¿Hay varios libros dentro del mismo, que criterio has seguido para la selección de esos temas y dibujos y no otros?
Yo espero hacer cinco o seis libros más y convertirme en el reportero gráfico del Ayuntamiento. Uno va descubriendo lugares. En el libro hay un tercio de los que he descubierto. La selección ha sido un poco aquí te pillo aquí te mato. Había lugares que no podías ir a ver a primeras, la Sagrada Familia me costo un mes. El Bagdad pagas y ya entras, sin problemas. (risas)

-¿Pero por que los oasis, los teatros y no otros muchos que puede dar Barcelona? También me da la sensación que has mirado mucho para atrás. ¿Qué parte es de recuerdo y qué parte actual? Porque parece como la Roma de Fellini…
La idea inicial era hacer una pequeña biografía dibujada. Después de dos años de trabajo muy locos, ahora viendo todo el conjunto me doy más cuenta de lo que hecho. Y se parece bastante a la idea inicial, pero no quería contar solo mi historia. En la creación de los textos los traigo rápidamente al presente Y ahí he de confesar que me dejé influenciar por Josep Pérez Rico que me recomendó que por qué no descubría los lugares de serie B, de la Barcelona oculta, la de otra cultura. Lo primero que me sale chulo de los ochenta es contar mi vida, pero lo segundo, es que hay un nivel de conducción a esos otros mundos que también son mi vida. Y en mis oasis, para mí son necesarios porque yo sin ellos no soportaría Barcelona, porque sino me tragaría la ciudad al venir de otra más pequeña. Luego hay un sentido de la narrativa con la idea de que hay mucha gente en esta ciudad que aporta, tiene sueños, e ilusión.

  
-¿Viniste en los ochenta porque entonces era la meca de los dibujantes?
Sí, había hecho intentonas en el Salón del Cómic de Barcelona  y conocí a otros dibujantes tan extraterrestres como yo. Era todo muy ilusionate. Yo llegué en un momento dulce porque podía dibujar lo que me salia del corazón y la cabeza, durante unos años, hasta que se hundieron las revistas, y entonces tuvimos que reconvertirnos, ir al extranjero, realizar también algunos intentos que hubo de pequeñas revistas... me reconvertí en ilustrador, caricaturista. Ahora soy sketcher y siempre con el cómic en el corazón.

-Dibujar no son dos minutos, hay mucho trabajo detrás ¿Cuanto tardaste en hacer el libro?
Esto lleva mucho trabajo. Empiezo a finales del 2017 visitando lugares. El primer lugar que dibujé fue una fiesta que hicieron en la galería Arteria. Llegué cansado, no había dormido, era una fiesta de arte. Pero ya había dibujado mucho antes en Barcelona, algunos trabajos eran antiguos. En total tardé unos dos años en la realización del libro.

Pedro Espinosa, Sagar Fornies y Javier Pérez Andújar. 
Foto: Manel Sanz

Lluïsot: Dentro del sketching siempre me ha llamado la atención las peculiaridades de cada país a la hora de hacerlo. En Francia mucha gente viene del mundo del acuarelismo y entonces hay mucha acuarela, muchos paisajes, y los viajes siempre son a ex colonias francesas. En Portugal la mayoría viene del mundo de la arquitectura, y también cuando viajan van a ex colonias portuguesas. En España es curioso porque al menos en Barcelona, la mayoría venimos del mundo del diseño, del cómic, y como no hay colonias, es mi barrio. Pero lo rizamos y ya no es mi barrio, ahora es mi Barcelona.

He tenido el privilegio de ver como Pedro Espinosa fabricaba el libro. Desde que tuvo la primera idea, y una de mis fascinaciones, a parte del dibujo, es que yo no conocía nada de lo que me enseñaba ¿Esto está en Barcelona? ¿Esto que es? ¿teatro japones? Es una guía de una Barcelona que hay pocos barceloneses que la conozcan. Pedro nos la descubre y espero que esa mi Barcelona de él  se convierta en la de todos. Es un poco el proyecto de este libro.

Lluïsot y Pedro Espinosa. Foto: Manel Sanz

Aparte hay otra cosa en el mundo del sketching que me gusta mucho y es la faceta de las personas. Dibujar personas, que no todo sean edificios, paisajes… La gente que vive en Barcelona, que está en estos locales, en estos lugares. En esto el autor nos da una lección de maestría dibujando. No hay ningún dibujo donde no haya alguna persona. Una Barcelona humana, más allá del local, del lugar, hay una gente que la vive y que la goza. Tú no conocerás estos rincones pero hay gente que sí. Una Barcelona superhumana que me fascina.

 "Este cuaderno trata de un viaje, una aventura y una indagación. La mía personal y la de muchos otros que salen aquí"Pedro Espinosa

Carnet de Voyage
Pedro Espinosa

19.90 €
Año:2019
Páginas:96
Tapa dura
Formato: 16 x 21 cm
Edita Ajuntament de Barcelona


¿Cuento o relato? Presentación libro: Passió pel conte / Planeta Lletra / Voliana Edicions

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El pasado 23 de marzo se presentó en L´Altre Café Cultural en Mataró el libro Passió pel conte organizado por Planeta de Lletra y con la presencia de las escritoras del libro: Asmaa Aouattah, Maria Català, Emilia Illamola y Rosa Tirado. Elisabeth Noé versionó oralmente algunos de los cuentos incluidos en la antología.

El colectivo Planeta Lletra está formado por un centenar de personas. Sandra Cabrespina es la actual presidenta. Casi todos los miembros son ex alumnos de los cursos de escritura creativa y novela del Centre Municipal de Formació Permanent Tres Roques (Mataró).

La presentación del libro Passió pel conte puso en el aire las diferencias entre el arte del cuento y del relato. Personalmente el que suscribe estas líneas no aprecia demasiadas diferencias, son términos parecidos. Y tal vez vaya a gusto del editor o consumidor que aparezca en la portada de un libro o venda más una antología de relatos o de cuentos.


Passió pel conte
Autor: Diversos autores
Páginas: 296
Formato: 21 x 14 cm
Pvp: 16,50

Se trataron algunas curiosidades como que ahora se protege demasiado a los niños intentando suavizar algunos de los cuentos que se explican oralmente. Pienso que esto es un error, a los niños les gusta sentir un poco de miedo controlado, el miedo y el suspense atrae irremediablemente y te escuchan con los ojos como platos si se introduce algún elemento de este tipo. También se trató la finalidad de los cuentos. El advertir de los peligros de la vida, el dar lecciones a través del miedo, incluso el conducir el papel de la mujer en la sociedad. O de la dificultad de venta de libros de antologías, tal vez al contener muchas historias exigen más atención por parte del lector y gustan menos.
En el mundo cómic el relato breve siempre ha tenido épocas de mucho esplendor en diversos géneros éxito sobre todo en el terror y suspense como con los añejos cómics de la EC con Tales From the Crypt o la Warren con Creepy.
 En 1991 esta corta revista de 10 números
 nos trajó muy buenos relatos 
con cómics de ciencia ficción de Estados unidos


Aquí tenemos lo más importante de esta presentación de Passió pel conte:


 Dibujo de Albert Pallarés un genio del cómic 
que domina el relato más corto con la tira cómica.

Sandra Cabrespina: Casi nunca se habla de lo cuentos, siempre se habla de la novela. Pero este es un género a revindicar. Todo el tema del relato corto parece eso, que se quede corto... Y desde Planeta de Lletra pensamos que todo lo contrario, que va más al interior. Este libro es para disfrutar de los cuentos.

Rosa Tirado: A todos nos han explicado cuentos de pequeño y también los hemos leído. Tenemos una idea clara de la estructura del cuento, pero el cuento es una forma literaria difícil de definir. ¿Qué es un cuento? ¿Es un relato? ¿Es lo mismo o dos formas literarias diferentes? Qué relación tiene con la novela? ¿Es el cuento el hermano pequeño de la novela? El cuento literario viene de la tradición oral, del cuento maravilloso, de terror... Esto ha evolucionado a una parte de la oralidad del cuento que continua… ¿Cómo ha de ser un cuento para ser narrado oralmente?
En el libro Passió pel conte hay seis artículos maravillosos que hablan de todo esto desde diferentes perspectivas. Hay incluso un articulo sobre la relación entre cuento y poesía. La definición de Isidre Grau es la siguiente: Las dos formas literarias tienen en común que son breves, con una trama sencilla, pocos personajes, poca acción o inexistente. Pero la diferencia, afirma, es que el relato narra unos hechos, tiene una estructura clásica con planeamiento nudo y desenlace, parecido al de la novela. Y el cuento tienen una estructura más difícil de definir, pero lo que sí que tienen ambos son dos argumentos. Uno el que se ve, el obvio, y otro escondido que solo aparece al final. Y es el efecto sorpresa. Este efecto sorpresa también lo comparte con el relato. El cuento ha de sorprender para ser eficaz.


Elisabeth Noe consiguió hacer entrar rápidamente en la historia al público al versionar oralmente tres de los cuentos incluidos en la antología, sin hilo conductor, todo un reto y propósito conseguido. Como afirmó ella misma, estos cuentos están hechos para ser leídos, no explicados. Por lo tanto realizó un buen trabajo de transformación y de interpretación de los mismos, cogiendo su alma y consiguiendo que llegasen certeras sus intensas piezas orales.

Emilia Illamola: Cuando se interpreta oralmente un cuento que he escrito, como ha hecho Elisabeth,  le da mas vida, más fuerza o otra diferente de la que yo le di al escribirlo. La sensación es más sostenida. Y te puede hacer verlo diferente. Emociona. He sido muy lectora desde pequeña, pero no he sido una gran lectora de cuentos, aunque cada vez estoy leyendo más. Y claro, he participado en este libro Passió pel conte. La frontera entre el relato corto, la narración y el cuento nunca la he tenido clara. Los artículos que hay al inicio de este libro me han ayudado mucho. En el cuento para adultos estoy aprendiendo y me motiva. La palabra cuento me remite muy atrás, a cuando yo explicaba cuentos a mis hijos, pero también a cuando me los explicaba mi padre cerca de la llar de foc, porque así era. Y curiosamente recuerdo que siempre era en invierno, no en verano. ¿Cómo es que después de tantos años el cuento tanto para pequeños como para adultos haya sobrevivido y aun las personas se expliquen cuentos?


Me encanta que tengan este placer de oír historias o cuentos. Esto enlaza con la tradición oral, la memoria y creo que es bueno que no se pierda en esta era de Internet. De niña esperaba ese momento, mi padre era agricultor, y vivíamos en las afueras de Argentona. Recuerdo que esperaba a que mi padre volviese, porque estaba lejos y regresaba muy tarde por la noche y me comía los garbanzos de uno en uno para alargar el tiempo y esto hacia enfadar a mi madre. Mi padre siempre me explicaba el mismo cuento y como era tan pequeña pensaba que solo existía aquel cuento. Este cuento explicado tantas veces me abrió un mundo.


Mucho después mis hijos tenían acceso a muchos cuentos y ellos ya los elegían. El cuento en pocos años ha evolucionado mucho, de los años cincuenta hasta ahora… Hay muchos cuentos para niños y para mayores. La verdad es que yo los cuentos para adultos no los he acabado de descubrir hasta hace poco, hablar de cuentos todavía es un tema muy emocionante. Hay que cambiar el chip, ver la grandeza de lo que es el cuento. Estoy en proceso de aprender a encontrar mis propios limites, los temas y la manera de escribirlos, porque yo escribo a menudo sobre las emociones y a veces necesito más espacio.

Maria Català: Yo los cuento los siento mientras los escribo y sentir lo aquí narrado por Elisabeth emociona. A mi no me quedan muy claras la frontera entre relato y cuento. Mi conclusión personal es que un relato es algo más tradicional, como una novela más corta, con una estructura similar. El cuento es como coger un trozo de una vida, un rollo de una película, la cortamos y ese trozo sera el cuento. Tiene un contexto, muy poco dialogo, aunque mi cuento La tieta, tiene bastante. Hay pocos personajes y tiene una sorpresa final, no hace falta que sea algo a lo grande, puede ser algo sutil, pero que al leerlo te de como un puñalada en el corazón. Para mí esto es lo importate tanto de un relato como de un cuento. Que al principio prometa y que al final cumpla con las expectativas.


Logísticamente cuando nosotros escribimos al inicio hemos de tener clara la linea que nos llevara al final, o no tenerla, pero si el inicio y el final. Y con estas dos cosas, nos encontraremos con muchos caminos a seguir y en esto está la gracia al escribir. Que nos hagamos muchas preguntas.¿Por qué este si o no? Que lleguemos a un camino y pensemos pues no, este camino o personaje no va por ahí. El cuento es un género que desde la antigüedad ya es la madre de todos los géneros. Cuando aun no se escribían novelas, ya se escribían antologías de cuentos y los cuentos orales siempre han existido. Y hay buenos cuentacuentos orales. Mi padre también siempre nos contaba el mismo cuento, y sabíamos que pasaría, pero la habilidad del cuentacuentos está en guardarse un as en la manga, que es esa sorpresa final.


Los grandes escritores de cuentos son capaces de explicar muchas cosas con dos lineas y parece fácil, pero cuando te pones no lo es. Como dijo Isidre Grauen su libro La arquitectura del cuento topas con más dudas que certezas y hay escritores con mentalidades más proclives al cuento y otros a la novela. Es una postura del espíritu sintético que pueden existir en un mismo autor, pero siempre hay uno que domina más que el otro.
En una novela te puedes extender más, incluso alguna página leerla en diagonal, pero el cuento es ms esencia. En el cuento literario todo tienen una finalidad dramática y no puede sobrar ni faltar nada.

Y esto es verdad, cada escritor se siente mas cómodo en novela o cuento. Y no se ha de menospreciar un autor que solo escriba cuentos. Merce Rodoreda tiene tres libros de cuentos que son una maravilla y muy poco conocidos, socialmente se conocen mas sus novelas. No es una cuestión de atreverse a escribir un cuento, la cuestión es decir mucho con poco espacio. Puede haber una novela de 500 páginas y que no te aporte nada.


Revista Planeta Lletra

Luego pasa que hay autores que escriben cuentos pero muchas editoriales prefieren novelas. Y las librerías también se encuentran que a la hora de vender una antología de cuentos vende menos que una novela. Y no tendría que ser así, porque los cuentos serán cortos pero te pueden dejar un poso interior muy profundo, sin gastar mucho espacio para contar la historia.

A la hora de explicar el cuento es importante ir dosificando o que lo que queremos decir al final de alguna manera haya estado propuesto en el principio, que no sea como en una algunas novela de crímenes donde no se hablado nunca de una cosa, y salga al final de la nada. En el cine es fácil hacerlo con un enfoque determinado en algún lugar o objeto que queda marcado en el espectador, en el cuento también hemos de dejar pequeños Macguffins y hacer como una red de peces para dirigir al lector al final.

El cuento gana por ko y la novela por puntos. El cuento recrea situaciones y la novela mundos y personajes. Julio Cortazar

Lo que más me importa en este mundo es el proceso de la creación, qué clase de misterio es este que hace que el simple deseo de contar historias se convierta en una pasión. Que un ser humano sea capaz de morir por ella, morir de hambre, frio, lo o que sea, con tal de hacer una cosa que no se puede ver, ni tocar y que al fin y al cabo, si se piensa bien, no sirve para nada. Gabriel García Márquez

Asmaa Aouattah: Reconozco la influencia del cuento oral en mi vida y en la escritura. Pude escuchar muchos por parte de mi madre y mi abuela. El momento de explicar el cuento era el más esperado y deseado del día. Estos cuentos de tradición oral no han tenido continuidad en la escritura o como mínimo muy poca. Muchos no se han transcrito, pero estos cuentos nos han ayudado en nuestra vida y a enriquecer nuestra imaginación. El mismo cuento puede tener versiones muy diferentes, pero lo que nos importaba era escucharlos, formar parte de ese momento. No solo era explicar el cuento a los niños que lo escuchaban con interés, sino que nos interpelaban y nos sentíamos parte del cuento explicado. Esta tarea de explicar cuento las asumían las madres y las abuelas. La literatura oral de mi pueblo amazigh (norte del África) ha perdurado gracias a las mujeres. Yo me considero una heredera pequeña de esta tradición. Mis cuentos son muy orales y se intenta interpelar al que los lee. Escribo cuentos sea en mi lengua amazigh materna o en catalán. Una vez empecé a escribir una novela pero luego me di cuenta de que cada capítulo ya era como un cuento. No hay manera, me encanta escribir cuentos. La inspiración te viene de cualquier parte.



Definición diccionario:

Cuento: Narración breve, oral o escrita, en la que se narra una historia de ficción con un reducido número de personajes, una intriga poco desarrollada y un clímax y desenlace final rápidos.

Relato: Un conocimiento que se transmite, por lo general en detalle, respecto a un cierto hecho. El concepto, que tiene su origen en el vocablo latino relātus, también permite nombrar a los cuentos y a las narraciones que no son demasiado extensas.

Para finalizar y siendo este un blog comiquero recomendamos dos cómics recientes de relatos cortos:


Si te gusta la ciencia ficción Albert Monteys, autor de humor político y social que trabajó durante años en la revista El Jueves, presenta¡Universo!. Fantasía y miedos propios en unos relatos brillantes que estuvieron  nominados  a los prestigiosos premios Eisner del cómic 2017.


Richard Corben brilló en los setenta y ochenta en el campo del terror con sus historias y su diversas técnicas a la hora de plasmarlas. Aquí vuelve a demostrar conSombras en la tumba que sigue siendo el número uno.

Reseña cómic: 100 pesetas de Luis Ponce e Inma Almansa / Planeta Cómic

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Queda muy lejano, pero hubo un tiempo en que con una moneda de cien pesetas podías comprar muchas golosinas, jugar a las recreativas o incluso comprarte un tebeo. Todos esto es parte del pasado, pero hay cómics que nos retrotraen a esa época. 100 pesetas con guion Luis Ponce y dibujos de Inma Almansa no es un cómic nostálgico pero nos transporta a esos ochenta o noventa de forma muy bonita y lo integra muy bien en la historia. A esa época, en la que, como afirma Inma, que tu madre te trajese una botella de coca cola para comer era un motivo de alegría.


Pablo es un joven que vuelve a casa de sus padres, después de estar viviendo un tiempo en Londres con su novia británica y esta decidiese cortar la relación. Está hecho polvo por la ruptura y es duro volver al barrio de tu infancia. La crisis está presente y es difícil encontrar un trabajo digno. En este retorno se reencontrará con su amigo de la infancia Nando al que no veía desde niño. Al principio Pablo es reacio a retomar la amistad perdida y se siente superior, pues los tiempos han cambiado y son diferentes, pero poco a poco el pasado recordado y el presente crearán algo nuevo.

Luis Ponce e Inma Almansa nos presentan un cómic costumbrista con una temática de cotidianidad que se puede dar en cualquier barrio de cualquier ciudad. Nuestro cine español retrata muy bien estas situaciones de sin sabores, vivir la vida, de estar abajo y seguir para adelante, pero hacerlo entretenido en cómic tiene su mérito, y 100 pesetas aprueba con nota.


En la obra no pasa nada trágico, ni hay grandes historias. Es la vida de dos jóvenes normales. Asistiéremos al ir y venir de Pablo, como piensa, como actúa y como va cambiando su relación en el nuevo entorno. Es fácil identificarse con el protagonista, todos hemos tenido un mejor amigo en la escuela, del que luego perdimos la pista, o una chica que nos gustaba… y representa muy bien ese joven que vuelve ha casa de sus padres y tiene que relacionarse con sus progenitores. Pero no solo Pablo es el protagonista pues también lo es Nando, el que se quedó en el barrio, y hay un tercer personaje importante, la joven Patricia que está enamorada de un compañero de clase. De alguna manera los tres se ayudarán.

100 pesetas no trata de ese revival ochentero o noventero lleno de nostalgia por los objetos y elementos audiovisuales que nos hicieron felices. Hay muy pocos en los flashbacks que están ambientados en esa época, sin muchas referencias fetichistas porque en definitiva el tema central de este cómic es la amistad. Muchas veces somos reacios a relacionarnos con amigos de la infancia, 100 pesetas lo narra muy bien, al igual que otros temas como el trabajo precario, las relaciones afectivas…


Luis Ponce es guionista y creador de la serie La última falla junto a Juan Torres y de la webserie La gente es imbécil. Ha realizado varios cortos y ha escrito el libro: Bob Dylan Tour Book 2004. Sigue preparando guiones de cómic, cortos e incluso videojuegos. Inma Almansa es una dibujante que ha trabajado en la animación, realizando storyboards y también es profesora. Sus dibujos se han visto en diferentes editoriales, periódicos y empresas. Los dos autores trabajaron juntos en una historia corta en el cómic Valentia de Norma editorial y decidieron realizar una historia larga que es esta 100 pesetas. No ha sido fácil su camino pues empezó como una historieta de 16 páginas para el concurso de cómics de Fnac. Se descartó y los autores convirtieron la trama en una historieta más larga que seria publicada por la editorial Ponent bajo la supervisión de su editor Paco Camarasa Pino. Cuando tenían todo el cómic a lápiz, el importante editor falleció, abortándose su publicación. Gracias al empeño de los autores acabó en manos de editorial Planeta, que tuvo el cómic congelado dos años, ya que publica pocos autores nacionales y quería moverlo por mercados internacionales.

El dibujo de Inma es muy expresivo, algo caricaturesco, sintético, sin ser muy complejo. Una maravilla. El cómic fue dibujado en digital con el programa AzDrawing. El color esta muy cuidado y buscado ya que marca el pasado con tonos más sepia, y el presente con colores más vivos. Aunque también hay otra gama de colores en los diferentes escenarios como la casa de los padres del protagonista. En conjunto funcionan sutilmente.


100 pesetas es uno de esos cómics que lo tiene difícil para estar en primera linea y algunas librerías incluso no lo tendrán, pero merece la pena sumergirte en esta pequeña historia sobre la vida corriente y el valor de la amistad. 

100 Pesetas 
Luis Ponce Inma Almansa
96 páginas / Cartoné con sobrecubierta
PVP: 19 €
19 x 28 cm
Color
Planeta Cómic


Crítica teatro: Rent el musical / Daniel Anglès / Onyric Teatre Condal

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Rent fue un proyecto personal de Jonathan Larson en el que quiso plasmar vivencias propias y la vida en los años noventa de los artistas que empezaban soportando condiciones precarias al luchar por sus sueños. En sí la historia era una adaptación moderna de La Bohème de Puccini. El autor no pudo llegar a ver como su obra se convertía en un éxito de público y critica cuando se estrenó en 1996, pues murió de forma súbita en los últimos ensayos generales.

Daniel Anglès vuelve a dirigir esta nueva puesta en escena en castellano de la inmortal Rent, ya que la última vez que lo hizo fue en el año 2017 en el Casino de l'Aliança del Poblenou y en catalán. Pero es que además el mismo interpretó a Mark hace 20 años en el estreno de la obra en España.  Ahora Rent se aposenta en el teatro Condal de Barcelona con coreografías de Óscar Reyes y dirección musical de Miquel Tejada. Y podemos afirmar, sin duda, que el resultado es muy notable.


Rent narra la vida de unos jóvenes artistas que sobreviven en el inmueble de un suburbio de Nueva York, que está amenazado por la especulación. Roger (Víctor Arbelo) quiere ser músico, Mark  (Iñaki Mur) director de cine, otros bailarines, actrices… Tienen sueños, ambiciones, relaciones amorosas y personales pero pasan hambre, frio y algunos viven al límite por el problema de las drogas o por la terrible enfermedad del sida.

Los principales protagonistas están formidables tanto en interpretaciones como en el cante, algo que efectúan casi sin descanso, pues la obra es casi toda cantada. Iñaki Mur da vida creíblemente al joven más inocente que quiere ser director de cine y es original que lo que está grabando se vaya viendo en directo y muy poético en el momento en el que Mimi(Júlia Bonjoch) se marca un solo. Victor Arbelo interpreta a su amigo atormentado por la muerte de su novia y realiza buenos duetos con Bonjoch que ponen la piel de gallina. Y es que la actriz brilla cantando y bailando a la vez. Espectacular todo su número erótico de principio a fin y una muy buena presentación del mismo a ojos del espectador.  El personaje de Angel (Albert Bolea) impacta con fuerza. Albert es en la obra un drag queen y efectúa unas coreografías cantando y con tacones dignas de aplauso. Maureen(Anna Herebia) realiza un estrambótico y divertido número en el que fuerza su voz admirablemente. Sin olvidar a Joana Roselló que se viene arriba en su pasaje en el tema principal del musical. Otros actores como Peter Vives os sonarán de series de televisión y están también a la altura.


En el escenario hay un total de 17 actores y actrices entregadísimos que cantan, bailan y dan color a todo este espectáculo, algunos también con intervenciones cantadas en solitario muy memorables.

El escenario de Rent nos transporta a un barrio obrero y callejero de Nueva York, lleno de estructuras metálicas de varios pisos de altura. Buenos juegos de luces que van transformando el escenario en los diferentes pasajes, sin cambiarlo,  o enfatizando a los actores. La parte técnica es de nivel utilizando varios medios audiovisuales de forma efectiva. La músicos están en un lateral del escenario bien integrados. El vestuario esta muy cuidado y transporta a esos inicios más bohemios de los noventa. En definitiva una muy buena puesta en escena.

Anna Herebia y Júlia Bonjoch


Variadas coreografías, algunas contando varias historias a la vez. Los números mas intensos o más chispeantes son los que realizan a dúo los protagonistas principales. Tal vez al inicio cuesta meterte un poco en la historia, y con tantos personajes te pierdes un poco, pero a medida que avanza la representación empatizas más con los personajes y eso que la primera parte se hace un poco larga. Y claro esta, Tiempos de Amor, es una pieza musical muy emotiva y preciosa que te pone la piel de gallina cuando la cantan todos y en si el tema central de la obra.

Rent es un espectáculo con fuerza juvenil que toca temas duros, y es dramática pero disfrutas viéndolos en acción. Te emociona e incluye pequeñas piezas de humor como las del “contestador”. Rent es un canto a la amistad, la superación, el amor y a lo diferente. También es un alegato contra la discriminación de diferentes colectivos. Pero sobre todo tiene un mensaje: “no hay más que hoy” y el “Carpe Diem” al aprovechar y vivir los buenos momentos.

Rent contara ademas con funciones especiales. Una con luces abiertas, otra con coloquio, con concurso y conciertos íntimos en el Club Condal…



RENT
ONYRIC TEATRE CONDAL
Entradas a partir de 21€
Horarios: Miercoles, jueves Viernes: 20:00 Sabados: 17:00  y 20:45 Domingos: 18:00
Duración: 2h 30 min (descanso incluido)
Espectáculo en Castellano
Libreto, música y letras: Jonathan Larson
Adaptación al castellano: Daniel Anglès y Marc Gómez
Dirección: Daniel Anglès
Coreografía: Óscar Reyes
Dirección musical: Miquel Tejada
Reparto:
Marc Cohen  Iñaki Mur
Roger Davis  Víctor Arbelo
Mimi Márquez  Júlia Bonjoch
Angel Schunard  Albert Bolea
Joanne Jefferson África Alonso
Maureen Johnson Anna Herebia
Tom Collins  Xavier Navarro
Benjamin Coffin III Peter Vives
Ensemble  Clara Altarriba
Ensemble  Marc Andurell
Banda:
Dirección y Teclado:  Miquel Tejada
Guitarra 1:  David Txes / Unai Eizaguirre
Guitarra 2 +teclado 2: Adri Mena
Bajo eléctrico:  Pol Barbé / Roger Julià
Batería:   Berenguer Aina/Betel Martínez
Suplente dirección y teclados: Miquel González
Sonido: Jordi Ballbé Iluminación: Xavi Costas y Daniel Anglès Caracterización: Núria Llunell
Video: Joan Rodon Adjuntas a la Dirección: Àgata Casanovas y Mireia Sanmartín
Ayudante de dirección musical: Jordi Taixés Ayudante de coreografía: Helena Jara
Coach vocal: Susanna Domenech Ayudante de escenografía: Gemma Moreno
Ayudante de iluminación: Paula Costas Dirección de producción: Maite Pijuan
Producción Executiva: Raquel Doñoro Ayudante de producción: Eloísa Díaz
Dirección Técnica: Moi Cuenca Responsable Técnico montaje: Arnau Recio

Crítica libro: Morder la mazana. La revolución será feminista o no será de Leticia Dolera / Editorial Planeta

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Leticia Dolera empezó su carrera en la serie al Salir de clase. También ha participado en otras míticas series de televisión como Los Serrano, Hospital Central y Guante Blanco. La hemos podido ver en películas como Al otro lado de la cama; Imagining Argentina; Semen, una historia de amor;  Un café en cualquier esquina y De tu ventana o la mía. Imposible olvidar su potente papel en 2011 de novia en [Rec] 3: Génesis que contrasta con la dulzura de su personaje en su primera película como guionista, directora y actriz: Requisitos para ser una persona normal(2015) y recientemente a dirigido y actuado en la serie Dejate llevar. Desde hace unos años es una voz más de los derechos de la mujer y del feminismo, y como broche a esta inacabable contienda  publicó el libro Morder la Manzana. La revolución será feminista o no lo será.

El libro es una bofetada de proporciones bíblicas a comportamientos, actitudes, modos de actuar y pensar que llevan arraigados en nosotros desde que nacemos. Algunos son inconscientes, pero los peores son los conscientes y permitidos por la sociedad. Al leer el libro nos damos cuenta de aspectos que no son correctos. Algunos saltan a la vista y son de mayor grado de vergüenza ajena, pero otros son más sutiles y pasan desapercibidos. Leticia lo explica bien y te la imaginas contándotelo con una sonrisa amable, pero el zasca ya te lo ha metido y con razón.

Morder la Mazana repasa la historia del feminismo, la lucha contra el machismo con sus capítulos más oscuros, la gran desigualdad de la década de los sesenta... todo ello salpicado con sus reflexiones y sus vivencias personales.


Los capítulos más emotivos pero también los más fuertes son los autobiográficos de la infancia y juventud de la actriz. De hecho el libro ya se abre con el capítulo de confesiones titulado Una noche con amigas. Leticia nos cuenta aspectos de su vida que nos sorprenden, entristecen y repugnan pero que hacen visible las situaciones que no tendría que vivir ninguna persona. Y sí, también incluye la historia más conocida de cuando con 18 años un director de cine español le agarro repetidamente de una teta en una fiesta porque sí. Fue valiente al enfrentarse a él, pero los presentes no hicieron nada. Y podemos leer sus dudas a posteriori en aquella época ¿Denunciar que me ha cogido una teta? Ahora afirma que actuaría de forma diferente, pero no todo es tan fácil en estas situaciones de abuso, y en una vuelta de tuerca, narra el hecho ocurrido diez años después en una película francesa en la que actuó. También es igual de esclarecedor de cómo es parte de la sociedad masculina el capítulo de su amiga actriz de una serie de televisión a la que “obligaron a potenciar la feminidad” de su personaje.

¿Por qué al hombre se le valora el talento y la experiencia? ¿Por qué sus arrugas o canas son signo de madurez? ¿Por qué a ellas no….? ¿Por qué a ellas se las valora principalmente por su belleza?

Estos episodios de su vida son lo mejor del libro y ponen en cuestión a veces sus propias actuaciones, las mismas que pueden encontrarse las mujeres en un camino trazado por los hombres. Morder la Manzana habla del feminismo y del machismo en todos los ámbitos y escalas (trabajo, relaciones, amor, sexo, la vida en general...). El libro está escrito de una forma fresca como si te lo estuviese contando tu mejor amiga. Hay capítulos divertidos como el de las frases celebres de grandes pensadores de la historia “un poco machistas” con las réplicas de la escritora.

Con Leticia aprenderás que es el patriarcado, la interseccionalidad, el coitocentrismo, la sororidad, el squirting y quedarás muy intelectual en las sobremesas, aunque tal vez este último tema no sea muy de sobremesa en familia. Algunos capítulos personales de su vida son entre divertidos y patéticos en el buen sentido de la palabra, como el de intentar conseguir un papel en Hollywood, el de fingir el orgasmo, sus fotos en bikini para revistas masculinas, el mito de la belleza... Para mí una de sus mejores fotos apareció en la revista de cine fantástico Scifiworld (un ejemplo de empoderamiento a lo bestia). La actriz se ríe de sus propias incoherencias y la lectora y el lector también. Muchos de estos episodios narrados encajado bien en la la deliciosa, exquisita y muy recomendable películaRequisitos para ser una persona normal.

Algunas píldoras duras del libro:

“No es cómodo cuando una mujer denuncia una agresión la tachen enseguida de exagerada o mentirosa. No es cómodo que nos piropeen por la calle cuando, oh, qué casualidad, no nos acompaña ningún hombre (…) No es cómodo llegar con miedo a casa por las noches.(…) Es un sistema judicial que prácticamente nos exige que tengamos grabadas en video las situaciones de acoso (…) Son campañas contra la violencia machista que ponen en las victimas toda la responsabilidad. Por eso a la mínima que nos pasa algo, somos nosotras las que sentimos culpa y vergüenza, es lo que nos han enseñado. Y es un escándalo que lo vivamos así. (...) Es una jueza preguntando a una víctima de violación si ella cerró bien las piernas. (…) Es James Toback, director de cine, a quien cuarenta mujeres han denunciado hace poco por abusos y violaciones. Sí, las victimas tienen que denunciar en grupo, de lo contrario se duda automáticamente de su testimonio y pueden acabar siendo denunciadas por difamación.

  
El libro se lee de forma amena y muy rápida poniendo el dedo en la llaga. Después de “Morder la manzana” tendrían que cambiar muchas cosas pero la lucha continua y desgraciadamente parece no tener fin. Leticia afirma que este es el libro que le hubiera gustado leer cuando tenia 20 años, y que lo importante es entender porqué haces determinadas cosas. Esperamos que el libro dé ayuda, luz y poder a muchas mujeres y que sea un altavoz más del feminismo para  el gran publico.

Morder la manzana
La revolución será feminista o no será
Leticia Dolera
Editorial: Editorial Planeta
Número de páginas: 288
PVP:17,90 €

Sant Jordi 2019

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Sant Jordi 2019 ya esta aquí. 
Ya lo sabéis, ¡ A regalar muchos cómics!
Una entrada con grandes dibujos originales de algunos autores para celebrar tan día especial. Unas ilustraciones originales que lógicamente enamoran… (disponibles y hoy con laminas firmadas de regalo y alguna que otras sorpresa)

¡Feliz Sant Jordi!

 Azagra / Revuelta. Una ilustración encantadora.

El veterano Enric Badia Romero

Roger Bonet realizó un homenaje a D&D pero que carajo sirve tambien
para Sant Jordi


 Lamentablemente la revista El Jueves apenas cuenta con el ingenio de Albert Pallerés que casi ya esta abandonando el mundo del cómic. Pero aquí tenemos estas ilustraciones con todo el aroma para este día. ¡Cuanta razón en ese último chiste!
Y sobre todo la dedicatoria de Carlos Gimenez...

¡Cumpleaños Enric Badia Romero!

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Hoy Romero cumple 89 años. Ya me gustaría a su edad tener la fuerza, positivismo, cabeza y fortaleza interior que posee. Ilustración realizada hace poco con sus personajes más conocidos Modesty Blaise y Axa . Sobran las palabras: 




Historia de la fotografía en cómic por Jesus de Cos y Miguel Francisco / Foto Sistema

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Miguel Francisco Morenoes uno de nuestros grandes dibujantes que tuvo que buscarse la vida fuera de España hace ya mas de veinte años, principalmente por el cierre de las revistas juveniles y para adultos en los noventa.


Los que eramos jóvenes a mediados de los ochenta ya lo descubrimos en las revistas de Bruguera y posteriormente Ediciones B, donde el dibujo de Miguel nos llamaba la atención por lo vistoso, bonito, moderno, delicado y con un volumen y movimiento que nos parecía estar viendo auténticos dibujos animados. Ahí teníamos las series Rick y los desahuciados, Fernández y Billy Roca en donde además dibujaba a las féminas con curvas y muy monas, algo que no solía suceder en estas revistas, excepto en sus últimos años.

Miguel trabajó después en el mundo de las publicidad, ilustración, creatividad, animación y diseño de personajes en diferentes empresas como Cromosoma. Más tarde hacia 2006 se traslada a Finlandia desde donde diseña personajes del popular juego Angry Birds y actualmente de otros como Best Friends. Pero el gusanillo del cómic siempre estuvo latente y en 2017 publica la maravillosa obra Espacios en Blanco. Ahora esta inmerso en un nuevo cómic titulado "Chronique d'un espectacle vivant" con guión de Marion Achard.


 Hoy presentamos aquí una obra suya y poco conocida del año 1994 en donde su reconocible dibujo brilla con fuerza: Historia de la Fotografía en cómic. En aquellos años en algunas empresas era habitual llegar al público a través de un cómic, algo que se ha perdido. Foto Sistema financió este cómic. Con guión de Jesús de Cos y dibujos de Miguel se da un repaso en 40 páginas a la temática  que indica en su título. Un trabajo conjunto de calidad en el que destacan los reconocibles dibujos de Miguel en estado de gracia. Se explora la historia de la fotografía a través de dos adolescentes incluyendo caricaturas de personajes reales. El cómic fue bien editado en tapa dura en castellano y catalán  y es posible se diese gratis con alguna promoción al comprar algún producto Foto Sistema.


Podemos ver vida en los dibujos y, sobre todo, el amor por el medio que se traspasa al lector. ¡Miguel no dejes nunca del todo el duro oficio de dibujante de cómic!



Yo tengo el poder / He-Man Masters of the Univers por Pallarés

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Albert Pallarés es un un genial guionista y dibujante. Un gran narrador de historias cotidianas con mucho humor. Sus series Baldomero y Olegario Gandaria Profesor de Secundaria eran muy divertidas y se podían leer cada semana en la revista El Jueves. Su serie Páginas Salmón nos acercaban a la economía y la política en clave de humor. Su dibujo es una nueva versión mejorada de la apreciada Escuela Bruguera. Y para muestra su particular visión de este resurgir de He-Man y compañía...


¡El día que Hulk pudo ser violado! / Marvel limited Edition: The Hulk Poder desencadenado / Panini Ediciones

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 Historia incluida en Marvel Limited Edition. The Hulk 3. Panini Ediciones

The Rampaging Hulk fue un cómic en formato magazine publicado a finales de los setenta en formato revista y en blanco y negro. Historias independientes de la serie principal de Hulk y en principio con más libertad de miras al tener ese formato y no pasar por el The Comics Code Authority. Pero debido en parte al éxito que tuvo la serie de televisión de El Increible Hulk (1977-1982), se decide a partir del numero 10 cambiarle el nombre a The Hulk y darle color para acercar el cómic a los lectores no habituales pero seguidores de la exitosa serie. La revista se plantea entonces con historias en las que no aparecen supervillanos y más próximas a temas cotidianos, pero claro con un Hulk fuerte, lleno de furia, fantasía y toda la espectacularidad que la serie de televisión no tenía. El guionista Doug Moench creó unas muy buenas historias al menos entre los numeros 10 al 19 y los dibujos Mike Zeck y Ron Wilson mostraban un Hulk potente y con mucha fuerza visual. La libertad estaba ahí, pues incluso en algún relato se ve algún pecho femenino, algo impensable en otros comics de la época.

Panini ha publicado completa en tres tomos Marvel Limited Edition esta serie que se inició en 1977 y finalizó en 1981. El mejor tomo es el segundo titulado “The Hulk, el color del odio” que contiene los números 10 al 19 de la serie en que los citados autores están desatados con buenas historias y un dibujo espectacular. Sin embargo el tercer tomo The Hulk, Poder desencadenado”, posee una historia que me ha parecido muy diferente, la número 23, titulada “Un infierno muy personal” del año 1980 con guión de James Shooter, dibujo de John Buscema y tinta de Alfredo Alcalá.


En esta historia cuando Bruce Banner está en un albergue y va a ducharse, se encuentra con dos maleantes gays que intentan violarle. En una tensa escena de tres páginas en que Bruce Banner acaba huyendo, llorando y aflorando, claro está, Hulk. Las páginas causaron revuelo en su época pues no solían aparecer entonces personajes gays en los comics de superhéroes y para una vez que lo hacían, era de esta guisa. Toda la escena leída hoy en día causa sorpresa y perplejidad por lo inesperado, pero el número no se detiene ahí en atrevimiento. Bruce buscando trabajo acaba en un burdel donde le proponen repartir octavillas con los servicios que se ofrecen. Y más tarde su alter ego Hulk topa con una mujer que es maltratada sistemáticamente por su marido. La mujer fuma drogas, toma pastillas y va colocada a ratos, pero se enamora un poco de Hulk e incluso le propone ¡hacerle el amor! Le da paz y protección. A lo que Hulk pasivamente tampoco es que se niegue. Escenas como digo muy sorprendentes.


El número encierra más sorpresas pues Bruce ha conocido a la divorciada Alice Steinfeld, una ejecutiva de una empresa que ha intentado suicidarse por depresión, que puede perder la custodia de su hijo pequeño y a la que su propia madre y hermana no apoyan. Alice está en tratamiento psiquiátrico. Pero su madre incluso quiere testificar a favor de su marido en el juicio porque la considera una madre no acta.


“No necesito a otra persona más que me importa haciéndome daño “por mi propio bien” le dice en un momento dado a Bruce.

En verdad las vidas que presenta el guionista en esta historia como su titulo indica son un infierno. Y este es un cómic del piel verde que toca la violación, la violencia de género, el suicidio, las drogas… Casi nada…


Y es que ademas en la historia de complemento de ese numero titulada “De compras”, con guión de Roger Stern y dibujo de Brent Anderson, nuestro Bruce Banner buscando ropa para evitar su desnudez, acaba en casa de una sexy mujer casada que quiere pasar un buen rato con él, hasta que llega el marido.


Crítica cómic: He-man y los Masters del Universo volumen 1 / Ecc ediciones

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He-Man y los Masters del Universo fue una colección de figuras de Mattel que nació en 1981 para hacer la competencia a las figuras de Star Wars (las cuales Mattel dejó escapar es su día). Durante seis largos años dominaron el mundo de las juguetes. El diseño de los personaje era algo nunca antes visto y en cada nueva serie de figuras los diseños eran más potentes, febriles, disparatados y vistosos. Imposible que no atrajesen a los niños que querían tener el poder. Las ilustraciones de las cajas de juguetes ya eran de por si puro arte visual.

Los Masters del Universo no tuvieron en principio una película o serie de dibujos de apoyo, por lo que cada figura venia con un mini cómic en el que diversos autores daban forma con todo lo que se les ocurría al mundo de Eternia. La serie de dibujos animados de Filmation llegó en 1983 y enganchó a miles de niños disparando todavía más las ventas. Un año antes DC comics ya empezó a crear un mundo algo más consistente para las viñetas, dándole a He-man su alter ego de Príncipe Adams y alejándolo un poco de ser un mero bárbaro, un poco copia de Conan.


En verdad la licencia ha pasado por tres editoriales más a lo largo de los años, Marvel, Image y Dark Horse Comics. Ahora vuelven a estar en manos de DC y la editorial española ECC lanza el tomo que nos ocupa con la serie regular que fue realizada en el lejano 2012. ¿Por qué se ha tardado más de siete años en publicarla en España? Pues normal, ahora mismo parece haber una fiebre coleccionista y consumista de figuras de Los Masters del Universo y los cómics siempre nos cuentan nuevas historias. Las figuras antiguas se cotizan a la alza y las nuevas también. La decepcionante película de la Cannon de 1987interpretada por Dolph Lundgren  marcó el fin de la era He-Man, pero los niños de entonces que abandonaron el juguete crecieron y casi más de 30 años después, la nostalgia hace mella y como un virus letal, les hace coleccionar nuevamente estas, si te lo paras a pensar, absurdas y tan diferentes entre si figuras. Y que conste que yo también he caído con alguna.

Pero vayamos al cómic He-Man y los Masters del Universo Volumen 1 de Ecc ediciones.

Adam (He-man) ha perdido la memoria y vive como un simple leñador en lo mas profundo del bosque, pero un extraño pájaro le impulsa a salir del bosque y buscar su verdadero yo, algo que el mismo intuye vagamente. Skeletor, su enemigo acérrimo, enviará a sus secuaces para impedir que salga del bosque. Pero Adam contará con la ayuda de una aguerrida mujer llamada Teela.


He-Man y los Masters del Universo es un buen cómic con la pretensión de entretener, como cuando leíamos los tebeos con ese simple deseo, sin tanto análisis y tantas gaitas. Pero lo genial es que este tomo es muy superior al tipo de cómic de licencia que se hacía de esta serie en los ochenta. Se deja de un lado el aspecto visual caricaturesco, o de estética de los dibujos animados, dando paso a una serie algo más adulta y de estilo serio. Es una muy buena puesta en escena del universo He-man y se intuye que irán expandiendo su mitología hábilmente. Para los fans es un placer irse reencontrando con los personajes míticos como Beast Man, Mer-man, Evil-Lyn con una convincente actualización. Pero ojo, tampoco importa si no sabes nada de este a veces alocado mundo, pues el cómic se lee igual de bien ya que funciona como reinicio de la saga. Y claro está, si Skeletor ya era de lo más potente como figura de acción, sigue siendo un personaje fuerte en su dibujo como lo muestran los autores del cómic Philip Tan, Pop Mhan y Geoff Johns.

La página publicada y su original

El cómic se lee sin complicaciones. Un cómic con sus buenas dosis de acción, algo de sangre y sus momentos emocionantes, como el inevitable yo tengo el poder. Hay escenas memorables como las de Skeletor con la Hechicera. Además hay una pizca de humor gracias a la relación de puyitas que se establece entre He-man y la aguerrida Teela. Aunque en el cómic Bribones de El Torres y Ryp este tipo de humor esta infinitamente mejor llevado.

El dibujo en general es algo oscuro, apagado, sin muchos detalles, incluso tosco en algunas páginas. No es tan bonito y brillante como el antaño más infantil o caricaturesco de los 80, pero funciona. Tal vez perjudica un poco que sean tres dibujantes o el color algo uniforme, Tan, Mhan y Johns, los que se vayan turnando, pues aunque sus estilos son similares, se aprecian diferencias. Por cierto Mhan fue invitado en el desaparecido Expocomic de Madrid del año 2013. Un tipo amable que realizó dibujos a todo el que se lo pidió y al que compré dos páginas originales de este cómic. Cuando compre el cómic no recordaba que las tenía hasta leerlo.

Original del cómic

La historia corre a cargo de James Robinson y Keith Giffen. Este último es guionista, dibujante, es el creador del irreverente Lobo y el autor es recordado por sus divertidas etapas en la Legión de Superhéroes y Justice League International.

El volumén 1 de He-man y los Masters del Universo que contiene los seis primeros números de la serie es como una pequeña introducción y expansión de un mundo a explorar. Es un buen homenaje al canon, ágil y activo y que lo revitaliza para las nuevas y viejas generaciones. Un camino interesante del que solo vemos el inicio. Veremos si sigue hacia arriba en las siguientes entregas…

Eso sí, hubiese estado bien acompañar la edición de una cuantas páginas introducción del universo He-man, aunque si incluye bocetos finales.




He-Man y los  Masters del Universo
Vol 1
núms. 1 a 6 USA + Digital Chapter núm. 1
Guión: Geoff Johns, James Robinson, Keith Giffen. 
Dibujo: Howard Porter, Philip Tan, Pop Mhan.
Formato: Rústica, 160 págs. A color.
ECC Ediciones
PVP: 14,95 €


Presentación cómic: Diablo House con Santipérez / Jordi Ojeda / IDW / Norma Editorial

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Este pasado viernes  se realizó en la Fnac de l´Illa la presentación del cómicDiablo House, moderado por el veterano conferenciante y divulgador del cómic Jordi Ojeda y con la presencia de su dibujante Santi Pérez. Aquí podemos leer una buena parte de esta presentación.


Diablo House es un cómic de historietas cortas de terror que usa el recurso estilístico de un maestro de ceremonias que hace la presentación y la reflexión final, a menudo sarcástica y cínica. Los veteranos lectores del querido Tío Creepy o de la editorial EC conocemos bien este estilo añejo del cómic de terror. Esta forma se ha trasladado en ocasiones al cine y sobre todo a la televisión con series como Alfred Hitchcock presenta. Hay en Diablo House una voluntad por parte del editor y guionista Ted Adams y la del dibujante Santi Pérez de recuperar este espíritu, estilo y forma de dibujar en el diseño gráfico de las historias que contiene, pero con una pátina moderna en el acabado y el color. Diablo House es un buen comic y trabajo en equipo entre su guionista Ted Adams, el dibujante Santi Perez y el colorista Jay Fotos.


-¿Cómo surgió Diablo House?
Nos tenemos que remontar a hace un par de años en un Salón del Cómic de Barcelona en el que el editor Ted Adams fue invitado. Yo no me prodigo mucho en el cómic pero me dio por presentar un book. Desde mi estancia en la segunda época de la revista Creepy de Toutain Editor, me había desvinculado del cómic durante más de dos décadas, hasta mi vuelta con Various Horror Vision. Pero te miras al espejo y ves que el tiempo pasa rápido, y si no lo hago ahora…

Cuando le presenté a Adamsel book con los bocetos nos pusimos el listón un poco alto. Lo bocetos eran muy acabados y claro, luego fue un trabajo extra en cuanto al dibujo final. A cada página de Diablo House le dedicaba muchas horas, eran  muy minuciosas, igual tardaba tres o cuatro días o mas en dibujar una. Además Adams quería también todos los originales, porque que tiene una galería de arte en San Diego.


"Cuando Ted Adams vió mi book de trabajos, telepáticamente establecimos un nivel de acabados en los lápices, que si bien lucían un buen aspecto, esto supuso una barrera psicológica que hizo que los tiempos de entrega se alargaran más de lo normal. Sin enbargo Ted no quiso que pisara el acelerador, y prefirió que siguiera a mi ritmo. El resultado fue unos originales, que ya solo por el tiempo invertido en ellos, tienen un valor extra."

-¿La idea de Diablo House la tenías ya en la cabeza?
La idea nace de Ted Adams, editor y guionista, pero nos juntamos dos amantes de este tipo de cómic de antaño. Él estaba entusiasmado con aquellas historias y quiso traerlas de vuelta construyendo su propio cómic.

-¿El guion era muy detallado?
Me daba bastante margen, era muy flexible. tanto en el diseño de página como a la hora de la distribución de los bocadillos que es muy importante en el cómic. Incluso tenía libertad si quería cambiar alguna cosita de la narración.

-¿Tuviste todo el guión en tus manos desde el principio?
Me llegaban las historias poco a poco. Pero cada una de ellas entera. Salvo las primeras páginas de presentación, que aún no tenían una idea concreta.

Ted Adams para esta presentación del cómic en el Fnac envió el siguiente texto escrito por él al dibujante, ya que aparte de la relación laboral son amigos:
Me pidieron que fuera editor invitado en el Salón del Cómic de Barcelona y me enamoré de la ciudad. Tuve ocasión de conocer a dos artistas que me cambiaron la vida: Antoni Gaudí y Santi Pérez. Después de conocer a Santi sabía que quería trabajar en un cómic con él y pensé que sería divertido idear algo que nos permitiera mostrar respeto por el trabajo de Gaudí. El resultado fue Diablo House. Estoy extremadamente orgulloso del trabajo de Santi, espero poder volver a Barcelona para aprender más de la ciudad, de Gaudi y pasar un tiempo con Santi y su familia. Diablo House volverá en 2020.


-¿Este último anuncio de despedida es así?
Igual es bastante optimista para 2020. El problema es que estoy trabajando en un proyecto de animación en Zeppelin Televison, con una adaptación de la novela 'Memorias de Idhún' de la escritora valenciana Laura Gallego dirigida por Maite Ruiz de Austri para Netflix. Estoy de coordinador de blackgrounds y pintando también cuando me dejan, y la verdad es que estoy pasándomelo muy bien.


-Gaudí se inspiraba mucho en la naturaleza, los exteriores son muy orgánicos y los interiores geométricos y tu recuperas esa chispa en los dibujos de los edificios que aparecen en el cómic, como las puertas y los pasillos, dotándolos de varias dimensiones.
Adams quería hacer una mezcla entre la arquitectura de Gaudí y la Azteca pero me costó mucho trabajo hacer esa mezcla. Era complicada y tomar el camino solo de Gaudí resultaba más fácil y más cercano. Adams quería reflejar en la mansión Diablo del cómic que nunca se acababa de construir como la Sagrada Familia...

-¿Pactaste el tipo de dibujo que querías hacer, donde situarlo, en que época?
Cada historia se sitúa en diferentes años e incluso alguna hace un amplio recorrido histórico.

-En una de las historias usas un recurso que es difícil en un cómic, que es el mostrar una carrera de velocidad con coches. Algo complicado de representar ya que no solo sirven los símbolos cinéticos.
Has de tener unos conocimientos de cine. No hacer que se pierda el lector con las imágenes. Mover la cámara lo justo para que todo tenga una continuidad. Pero me pasa con todos los cómics que hago cuido mucho la secuencias. Y también me gusta dibujar coches, en mi anterior cómic Various Horror Vision aparecían algunos.


-En el cómic es mas difícil trasmitir terror que en el cine. Ya solo con la música cierras lo ojos y lo puedes experimentar. Aquí no hay música. En Diablo House provocas un miedo más psicológico, se provoca también la búsqueda de la empatía del lector, el qué harías tu en su lugar…
Lo de vender el alma al diablo es un recurso muy utilizado y que siempre funciona. Pero ya en las historias Creepy había algo retorcido que buscaba el impacto en el lector y condicionado también por la forma de publicación.

¿Cuando se empezó a publicar en Estados Unidos ya habías acabado todo el cómic?
Para mi Diablo House ha sido un reto porque aunque son historias cortas, yo estaba acostumbrado a hacer historias de unas seis paginas y para mí hacer una historia de 20 ha sido algo nuevo.
Gracias a mi velocidad dibujando no se podía esperar a tenerlo todo. Había que publicar el primer número cuando en cuanto lo tuviera. El siguiente ya saldría bimensual, o cuando estuviese. Le dije a  Ted que intentaría ir más rápido, pero me dijo que tranquilo que fuese a mi velocidad.


Y viendo el resultado le favorecía más la calidad que no la prisa...
-¿Cómo definirías tu estilo?. Esos escenarios realistas, con personajes con un punto de exageración....
A mí me se me ha comparado algunas veces con Bernie Wrightson , pero su estilo es incomparable. Y yo tengo el mio propio. Si que me inspiró desde muy pequeñito cuando lo conocí para dedicarme a esto del cómic, sobre todo con la terrorífica historia de Jennifer. No tanto en su estilo de dibujo como en su manera retorcida de dibujar. Creó escuela, y puedes tener referencias, pero todos los dibujantes absorbemos de diferentes fuentes, creando nuestro propio estilo.

Me centro mucho en el Acting  de los personajes. Se van a veces a la caricatura pero me gusta respetar la anatomía, pero el Acting exagerado de mi estilo hace que los personajes tengan vida. Expresivos, exagerados  y a veces grotescos. Pero ayuda muchísimo en este tipo de cómic.


-Utilizas pocas manchas negras.
Intento que todo se vea claro. Me dicen que pongo demasiados detalles.

-Hay un añadido importante que completa tu trabajo y que es el color. Los blancos y negro tuyos son espectaculares. Diablo House posee un color nada artificial, buscando un tono vintage pero que no parezca futurista y acaba contribuyendo a un producto de mayor calidad.
El color es de Jay Fotos. Es un reconocido colorista y le da un plus a la historia y sobre todo porque cuando yo entinto no pienso en el color, pienso en blanco y negro. Siempre tengo presentes los puntos de luz a la hora de iluminar la viñetas y las escenas. Pero  Jay Fotos supo leer perfectamente esto. El colorista trato directamente con Ted Adams , y yo la verdad es que no tuve mucho que ver. A él  le gustaron mis dibujos y enseguida se sumó al proyecto, sin dudarlo de hecho en cuanto vio mi primera portada del primer número. El editor se la enseñó, y antes de que pudiera decir ninguna otra palabra le respondió: ¡estoy dentro!


-Cuál es tu proceso en la realización del cómic. Porque vas a regalar a los presentes en esta presentación  una parte importante  de este proceso en forma de rough
Primero me llega el guión en inglés y tengo que entenderlo bien ya que el lenguaje es muy diferente. Sobre todo en cuanto a refranes o frases hechas. Aquí hago hincapié en la muy buena traducción que ha hecho Sergio Colomino Ruiz del cómic en castellano.


Los Thumbnails son muy importantes y son unas primeras miniaturas de las páginas en las que ya situamos los bocadillos por orden de lectura. Y en estos Thumbnails se construye más o menos el diseño de página que también es muy importante, porque tienes que dar unas viñetas con mayor tamaño según la importancia dependiendo de lo que quieras narrar o a veces porque va a quedar estéticamente mejor. Estos Thumbnails se los enviaba a Ted, normalmente no me hacia ninguna observación.


Pero lo que voy a regalar es el siguiente paso del proceso: los rough. Unos bocetos muy básicos que los hago primero para tener  la distribución en cada viñeta de los personajes. Son bocetos pequeños en trocitos pequeños de papel, luego se pasan a la mesa de luz a dibujarlos en grande en la pagina característica A3 o mas grande de un original. . Lo siguiente y para no perder estos originales tan laboriosos es escanearlos y hacer un entintado digital con lo cual tenemos la perfección del entintado digital por un lado y el original en lápiz, que es una cosa que hoy en día se esta olvidando. Yo creo que fui uno de los primeros que tuve una tableta gráfica allá por el 95, me entusiasme muchísimo. Me he pasado media vida con la tableta y ahora estoy haciendo una regresión. Estoy comprobando que dibujar a mano, te da una soltura, una visión diferente que no consigues con una tableta gráfica. En esta tienes un problema con el zoom y en dar detalle hasta el ultimo pixel y cuando tienes una página delante en papel no te pasa ese nivel de detalle. Son detalles digitales que luego en la impresión van a desaparecer y por muchos que pongas se lo van a comer la trama de la impresión.

Entintado digital

Lo que le pasaba después al colorista es la página entintada directamente. Luego también está el trabajo de Robbie Robbins que es el maquetista y rotulista de IDW y que le da ese look característico con tanto gusto. Yo empecé en tiempos a rotular con una tipografía creada por mí, pero aquí solo me ha servido para calcular el espacio para los textos. una fuente de letra creada por  Ellos usan la suyas. Dos en este cómic. Una para el personaje de Riley y otra para los demás.

Gracias por hacernos ver todo el trabajo que hay detrás de este cómic. Yo siempre digo que tus obras son para ver varias veces. Una para apreciar al historia y las otras para ver lo detalles y los dibujos. Diablo House es una historia recomendable y hay que felicitar a Norma por la edición que han realizado incluyendo bocetos, portadas alternativas y dibujos a tinta al final del tomo. Además no hay que olvidar que se incluyen otras historias con estilo mas desenfadado y humorísticas dibujadas por otros dibujantes.

DIABLO HOUSE
Autores: Ted Adams, Santipérez, Jay Fotos
Colección: CÓMIC USA
Formato: Cartoné
Tamaño: 17 x 26
Páginas: 128 color
PVP: 18,00 €

Crítica concierto oficial Dragon Ball y Dragon Ball Z: Dragon Ball Symphonic Adventure / Overlook Events / Oreneta Events

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El pasado 11 de mayo de 2019 se estrenó con una sola actuación el conciertoDragon Ball Symphonic Adventure en el Auditori Fórum de Barcelona. Un concierto sinfónico interpretado por la Orquesta Simfònica del Vallès y con la inigualable presencia de Hiroki Takahashi, el cantante original de la obertura de Dragon Ball entre otras. Tres vibrantes horas donde se repasaron las mejores bandas sonoras de la serie. Todo un festival para los fans de la saga.

Dragon Ball es posiblemente la serie de animación japonesa que más éxito y popularidad ha cosechado en todo el mundo desde que se estrenó en 1986. La adaptación provenía del manga del mismo nombre creado por Akira Toriyama unos años antes. Todo este éxito es bien merecido pues la serie es una magnifica historia repleta de aventura, emoción, acción, humor y una pizca de erotismo. Una joya de la animación realizada por Toei Animation repleta de la imaginación de Toriyama y que realzaba valores como la amistad, la superación y el hacer el bien. Con todos estos adjetivos positivos no es extraño que cuando se estrenó en TV3 allá por 1990 atrapase a niños, jóvenes y adultos por igual. Y ha continuado enganchando a nuevas generaciones desde entonces.

En aquellas épocas el merchandaising de la serie era casi nulo por estos lares, ni siquiera el manga se publicaba aún en España. Si por aquel entonces en que la serie estaba en lo más alto hubiese existido un concierto como Dragon Ball Symphonic Adventure hubiéramos quedado entusiasmados. Pero la verdad es que casi treinta años después, al menos para los más veteranos, hemos quedado entusiasmados igual.

Dragon Ball Symphonic Adventure es un concierto que reúne toda la épica y sonoridad de la serie y es un gran homenaje a la misma. Asistiremos a todos los momentos claves de la saga tanto de Dragon Ball como de Dragon Ball Z. Una banda sonora muy variada y rica en temas de diversas características, algunos muy potentes y de un ritmo endiablado. Como no emocionarte con el tema del entrenamiento de Goku, el del ejército de la cinta roja, el tema de Pilaf y el de la aparición del Dragon Shenron. Un concierto con el aliciente de poder ver escenas de la serie muy bien escogidas, sincronizadas con la música en directo y aderezadas con algunos efectos luminosos. Un montaje muy cuidado. La música instrumental de Dragon Ball y Dragon Ball Z, al igual que de las películas es obra de Shunsuke Kikuchi un histórico compositor de bandas sonoras y del que podremos apreciar la variedad de registros que contiene.


Un espectáculo muy vívido, participativo y sentido por la inmensa mayoría de los presentes en esta explosión de nostalgia y buenos recuerdos. Nunca hubiésemos soñado asistir a un evento así. Las escenas y sobre todo la música fueron excelentes. Además hubo algunas sorpresas a través del presentador de Selecta Vision que anunció la serie en formato Blu-Ray que lanzarán por primera vez en todo el mundo.

Pero por si fuera poco escuchar tus temas favoritos de Dragon Ball interpretados por una orquesta, contar con Hiroki Takahashi, el cantante original de algunas de las piezas cantadas de la serie, ya es la guinda del pastel. Sus intervenciones fueron muy pasionales, derrochando expresividad, vigor y buen rollo en el escenario. Sino vibras con¡makafushigi adventure!, Cha-la Head-Cha-la, o We gotta power no has tenido infancia. Son temas alegres, enérgicos y con mucha fuerza. El tema principal fue compuesto por Takeshi Ike con arreglos de Kōhei Tanaka e interpretado por Hiroki Takahashi.

Hiroki Takahashi

En esta única función este año entre el público estaban Joan Sanz, el doblador de Vegeta y Jordi Vila, el cantante del opening de Dragon Ball en la versión catalana y castellana. Él fue quien puso voz a muchos opening de dibujos animados de la época como El rei Artur o Musculman, aparte de ser actor de doblaje. Hiroki Takahashi, en un acto que le honra, invitó a subir al escenario a Jordi Vila para interpretar juntos el tema principal de Dragon Ball, alternándose en japonés y catalán. Vila no lo cantaba desde hacia unos 30 años, pero fue un broche de oro que hizo corear la canción a casi todo el publico y ponerlo en pie. Un concierto inolvidable.


Ojalá Overlook Events y Oreneta Events traigan otros conciertos variados de series japonesas que nos marcaron en la infancia. Un Mazinger Z sería genial. De momento ya han anunciado un concierto de la banda sonora de la saga Los caballeros del zodiaco.

Y sorpresa….Dragon Ball Symphonic Adventure tendrá lugar en Madrid el próximo 18 de enero de 2020 en el WiZink Center. ¡Entradas ya a la venta!

El año pasado también triunfo el evento en Barcelona

Teatro: Orgasmos con Àngela Monge y Roger Pera / Aquitània Teatre

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Orgasmos es una divertida comedia que ya avalan mas de 140.000 espectadores y que vuelve al teatro.! esta vez de la mano deÀngela Monge y Roger Pera en el Aquitània Teatre.

¿Por qué los hombres y las mujeres no pueden llevarse bien? Entre ambos hay algunas diferencias físicas, pero también de tipo emocional y de comportamiento. Cerebro y corazón no obedecen a las demandas de la misma manera.
Esos desajustes de tipo racional y emocional han mantenido a hombres y mujeres en tensión hasta nuestros días. Pero el sexo es poderoso, nos atrae y nos une. Y consigue que, en definitiva, nos podamos amar y respetar como pareja. Al fin y al cabo todos somos el resultado de un orgasmo… o de dos, en el mejor de los casos.


ORGASMOS / AQUITÀNIA TEATRO
Àngela Monge / Roger Pera
Duración: 80 minutos
Idioma: Castellano
Dirección:Óscar Contreras
Reparto: Àngela Monge, Roger Pera
Autor: Dan Israely
Música: Pep Sala
Del  16 mayo al 16  de junio  2019
Horarios 18:30h, 20:30h, 22:30h. Funciones: Viernes, sabado y domingo.
Entradas a partir de 16 €

The Music of Morricone & John Williams en concierto / Palau de la Música Catalana / Fundación Excelentia

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El próximo lunes 8 de julio de 2019 los amantes de las bandas sonoras originales de películas tienen una cita ineludible en el Palau de la Música Catalana. Nada menos que la mejor música de Ennio Morricone y John Williams sonará interpretada por la Royal Film Concert Orchestra bajo la dirección de Fernando Furones. Un concierto organizado por la Fundación Excelentia.

Estos serán los míticos temas del programa:
Cinema Paradiso, La Misión, La Califfa, El Bueno, el Feo y el Malo, I Knew I Loved You (Once Upon a Time in America), Once Upon a Time in the West, Chi Mai (El Profesional), Untouchables, Ecstasy of Gold, La Muerte Tenía un Precio, Star Wars, Harry Potter, La Lista de Schindler, Jurassic Park, Born on the 4th of July, E.T., Memoirs of a Geisha, Superman, Indiana Jones, Hook

8 Julio 2019 Hora: 20:30 h
Sala de Conciertos
Ciclo: Barcelona Classic Festival Nights
Precios: de 27 a 65 €
Organiza: Fundación Excelentia

Muere josep Maria Blanco. Uno de los grandes dibujantes del TBO

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“Dibuje muchas páginas para el TBO. Treinta y pico mil viñetas para la revista, seis o siete mil historietas, mas seiscientas de la Familia Ulises, a una por semana sin contar los extras.”

Y lo mas importante entretuvo a miles de personas de todas las edades con estas historietas durante décadas. 
Hoy nos ha dejado a los 93 años un grande de la historieta clásica: Josep Maria Blanco Ibarz. Ya nos gustaría a muchos llegar a su edad con su fuerza, humor y más después de todo lo que trabajó por este arte.

Hoy sin duda el humor más blanco esta de luto. Y las nuevas generaciones deberían al menos conocer algo de la obra amable de este genio de la historieta. 

A Blanco le gusta captar directamente los temas y las ideas de la realidad, de la que es curioso observador. Quizá por ello sus historias destaquen tanto por su originalidad y dotes de creación” Libro Humor grafico español del siglo XX. Salvat, 1970.

Una muestra del buen talante del dibujante en una exposicion sobre La familia Ulises a la que asistí  al ser preguntado por Antoni Guiral:
-¿Por qué no firmabas las paginas que realizaste de La Familia Ulises?
A Benejam le tenía un gran afecto como profesional y como persona. Consideré que firmar una cosa que no era mía no lo tenía que hacer.

-¿O sea que lo hizo por respecto?
Lo hice porque a la editorial le convenía seguir con la Familia Ulises. Alguien la tenía que hacer y me tocó a mí. Les dije que sí pero de firmarlo nada, porque era un trabajador de la idea de él y no quise firmarlo. La editorial me lo dijo, pero yo solo hacia las historietas. Había firmado alguna portada de La Familia Ulises porque aparte de los personajes había una estructura mucho mas amplia y consideraba que poseía un poco de merito por mi parte.


Dedicatoria realizada por el autor en el libro Humor Blanco

Crítica teatro: Orgasmos / Àngela Monge y Roger Pera / Aquitània Teatre

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Orgasmos fue escrita por Dan Israely y estrenada en 2003 en Broodway con un éxito que se ha ido trasladando a todos los países donde se ha llevado esta obra. En 2015 llegó a las carteleras españolas y se ha ido reponiendo desde entonces en varios teatros. Ahora se reestrena en el Aquitània teatre interpretada por Àngela Monge y Roger Pera y dirigida por Oscar Contreras.

La obra narra la eterna guerra de los sexos de una manera muy divertida. Es una inteligente comedia que agrupa situaciones realistas de la vida en pareja, pasadas por el tamiz del humor y la exageración. Pero oye, la base esta ahí y es real. Sketches, monólogos y diálogos rápidos constituyen la función y los noventa minutos de la obra pasan como un orgasmo.

Orgasmos es una obra que se mantiene fresca pese a su temática, ya que asistiremos a una serie de situaciones cotidianas que todos hemos podido vivir o ya sabidas, hasta tópicas: Salir de compras, a cenar, el acto sexual, qué ponerse, encontrarse con un ex… Pero las reacciones en ambos lados de la pareja y en alguna doble pirueta viendo la misma escena intercambiando los papeles, provoca risa garantizada.

Roger Pera se siente cómodo en el papel de ese hombre que acabará a menudo sobrepasado por los acontecimientos, por las inseguridades sexuales masculinas, llegando incluso al cortocircuito de formas divertidas. Ángela Monge llena la sala con su papel de mujer sexy, con todas sus virtudes, complicaciones, dudas y entusiasmo. Monge es muy expresiva y pone mucha pasión y vigor a su interpretación. Tiene una energía de movimiento, unos bailes frenéticos, que a ratos parece que estemos en un slapstick. Su mímica y gestualidad son geniales. Este contrapunto con la moderación, resignación y casi apocamiento de Roger Pera, crea un buen contraste humorístico. En el escenario, salvo al final, hay poco atrezzo pues se presenta casi desnudo, pero ambos actores lo llenan.

Ambos intérpretes ya se colocan el publico en el bolsillo en los inicios de la función, pues consiguen que éste participe en lo que esta pasando, planteándoles sus problemas e inquietudes que surgen de la vida en pareja. A veces con unas salidas del propio espectador que los dejan descolocados momentáneamente.

La obra se inicia con la primera pareja: Adán y Eva y como no podía ser de otra forma la voz de Dios corre a cargo del mítico Joan Pera. Ahí tendremos a un Adán campechano, simplón, e impagable físicamente a través de Roger Pera, y a una Eva atraída por lo prohibido… A partir de aquí se sucederán diversas escenas desde que una pareja se conoce, hasta la convivencia con sus roces, formas de actuar y de pensar de ambos sexos. En verdad Orgasmos es una buena obra para ver en pareja e irse dando codazos diciendo ¿Lo ves? Es verdad que están todos los tópicos de género pero con un humor chispeante y un buen ritmo. Hasta puede ser una buena terapia de pareja para pese a todo quererse más.

Las escenas de Orgasmos son caricaturas y exageraciones, pero sabemos que contienen algo de realidad: La parquedad de palabras de los hombres y los rodeos de las mujeres, la curiosidad de ellas, lo fácil que es minar la autoestima masculina en ciertos temas… Todo esto y mucho más visto desde la perspectiva de los dos protagonistas nos hará sonreír sin duda. Orgasmos es una alocada comedia y sí, para los que esperéis orgasmos, también los habrá con mucho agrado.



ORGASMOS
Dirección:
Óscar Contreras
Reparto:
Àngela Monge / Roger Pera
Autor:
Dan Israely
Año del texto:
2015
Traducción:
Clara Ferrer Fàbrega
Música: Pep Sala
Aquitania Teatre
Del 17 de mayo al 29 de julio de 2019
Viernes 20:30h / Sábados 22:30h
Idioma: Castellano
Duración: 90 minutos / castellano

Próximamente: Irish Celtic: Spirit of Ireland / teatre Coliseum Barcelona

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Si quieres ver en acción a los mejores bailarines de las mejores compañías irlandesas de baile no te puedes perder Irish Celtic: Spirit of Ireland. El Teatro Coliseum se transforma en el Iris Celtic Pub donde descubrirás el amor contagioso por el baile y el increíble talento que destilan los jóvenes bailarines de este espectáculo. Bailes emocionantes, energéticos y espectaculares con ritmos explosivos y una precisión increíble.  Unas coreografías con los ritmos más ancestrales de Irlanda.

Irish Celtic: Spirit of Ireland son espectaculares bailes sus espectaculares  y música pasional que incluye canciones románticas que van desde Braveheart al Último Mohicano, recrean escenas de la historia celta: desde los días de los druidas o las grandes migraciones al viaje del Titanic.

Leyendas, tradiciones, canciones, bailes. ¡Un espectáculo vivo!.
THE IRISH CELTIC: THE SPIRIT OF IRELAND
Teatro Coliseum
Del 26 de Junio al 7 de Julio
Para todos los públicos
Duración: 120 minutos
A partir de 16,80 €
Idioma: Sin palabras
Dirección artística: Toby Gough
Dirección musical: Anthony Davis
Horarios: 
Miércoles: 20.30, Jueves: 20:20, Viernes: 18:00, Sábado: 18:00h y 21:00h, Domingo: 18:00


Rafael Cortiella / Western book cover / 1

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El pasado 2 de mayo de 2019 nos dejaba el gran ilustrador, dibujante y pintor Rafael Cortiella. Como homenaje recupero algunos originales de sus portadas del oeste. Uno de sus géneros favoritos y en el que más trabajó. 


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